CLINT EASTWOOD / TODA LA HISTORIA
*Esta entrada recoge las siete anteriores juntas y en orden, para quien prefiera leerlo todo seguido.
El pasado treinta y uno de Mayo (2024), CLINT EASTWOOD cumplió noventa y cuatro años. Nada menos. Es del todo lógico pensar que, a pesar de la legendaria salud de hierro del personaje, estamos hablando de una edad muy avanzada y que lo inevitable podría pasar cualquier día sin que le extrañase a nadie.
Pero mientras Clint sigue inmerso en su trabajo (actualmente rueda su película número cuarenta como director, llamada JUROR Nº2) con una voluntad envidiable (y le deseo que siga a lo suyo durante al menos otros noventa y tres años más), yo voy a escribir sobre él y su gigantesca carrera.
Como dato, y simplemente por poner en contexto la edad de Eastwood y su titánica dedicación al trabajo, si se le compara con sus colegas de profesión, comentar que a la vez que voy escribiendo esto me entero de que el genial director australiano PETER WEIR, responsable de títulos como MASTER & COMMANDER (2003) y una filmografía en general tremenda, ha decidido retirarse por, según sus propias palabras, no quedarle energía. Nada raro ni mucho menos reprochable, tratándose de un señor que este año cumplirá ochenta años. Pues bien, teniendo claro que cada persona tiene su propia ética de trabajo y es distinta en lo que respecta a sus condiciones físicas, hay que señalar que el bueno de Weir no sólo estrenó su última película (la muy recomendable THE WAY BACK, o CAMINO A LA LIBERTAD), en 2010, hace ya catorce años, sino que su filmografía como director no llega a las quince películas (excluyendo cortos, etc) y él mismo es catorce años más joven que Clint, además de no haber actuado nunca. Ahí queda el dato.
Se trata de rendir homenaje a quien yo creo que puede ser la figura más icónica del séptimo arte, haciendo un repaso de su vida (breve), su carrera y las películas en las que ha participado.
Esto empezó, de manera involuntaria, hace unos pocos años, cuando me propuse ver la filmografía de Eastwood que aún me faltaba (bien como director, actor, o las dos cosas a la vez) antes de que muriese. Y lo conseguí. Al menos de manera bastante honrosa y casi completa, ya que lo que aún no he podido ver son películas muy antiguas en las que participó como actor de manera testimonial, muchas veces sin siquiera estar acreditado, además de algún trabajo para la televisión. Si no he podido ver la mayoría de este material es porque tiene que ser difícil de encontrar.
Lo anterior me coloca en una posición decente para hablar de su trabajo, al haber visto casi todas sus películas, (no falta ninguna posterior a 1960), lo que incluye todas sus obras más importantes como actor y por supuesto, su filmografía completa como director (quitando una pequeña incursión televisiva).
*Señalar que cuando me refiero a su filmografía, lo hago teniendo en cuenta la web de referencia INTERNET MOVIE DATABASE (IMDB). Es de suponer que no haya nada más completo y fiable, al menos en principio.
Pero antes quisiera dejar claras un par de cosas. La primera es que yo no sé de cine. Es algo que me encanta y a lo que recurro de manera asidua, y he visto muchas películas. Es verdad. Pero no sé apenas nada sobre sus aspectos técnicos y no sabría hablar de cine en esos términos. Soy aficionado y ya, y como tal, hablo del tema basándome en lo que me gusta y lo que no. Puedo apreciar ciertas virtudes en una película (o eso creo), pero si la misma desborda clase y todo tipo de virtuosismo técnico para acabar siendo aburrida, todo lo primero me va a dar igual. Una obra (ya sea un libro, una peli, etc) puede ir mucho más allá del mero entretenimiento, por ser provocadora, por tener un cierto mensaje o por remover la conciencia del espectador de una u otra manera. Y de paso, puede ser algo increíble a nivel técnico. Pero si dicha obra no me entretiene, me voy a quedar con esto último y no con todo lo demás. Así que mis opiniones, como ya he dicho, se basan en la mayor o menor diversión que me proporciona una película (en este caso) y a partir de ahí valoraré más cosas, si es que sé. Pero no voy a salvar de la quema una peli aburrida sólo por su estupenda fotografía (en el caso de que pudiese apreciarla).
Y la segunda es que, por mucha admiración y aprecio que pueda tener por Eastwood, hay que dejar claro que su filmografía no es perfecta (ni mucho menos). Para empezar, es muy larga, lo que hace mucho más difícil mantener un cierto nivel artístico, etc. No se trata de un cineasta perfeccionista que espacie mucho sus trabajos (más bien al revés) y con una filmografía corta y muy bien considerada, como puede ser el caso de STANLEY KUBRICK, y tampoco quiero decir que no haya directores mejores que él. O actores. Sólo faltaba. Todo esto siempre es cuestión de gustos. A lo que me refiero es que la dimensión del personaje va más allá de su labor como cineasta o actor (ambas grandiosas en cualquier caso), abarcando su tremenda influencia, su carisma, su lugar en el imaginario popular y, cómo no, el habitual factor nostalgia. Todas esas cosas que suelen ir asociadas al término icono.
La filmografía de Clint contiene unas cuantas pelis menores (delante y detrás de las cámaras), lo cual no quiere decir que no sean buenas (muchas lo son, y mucho), si no que no han alcanzado el estatus de otras más conocidas. Y unas cuantas de ellas pecan de tener un nivel más o menos decente, al menos en cuanto a simple entretenimiento (sólo verlo a él en pantalla, por ejemplo, ya es un activo), para terminar de una forma un poco apresurada y quizás no todo lo coherente que cabía esperar. Y también hay alguna peli olvidable, y es justo decirlo.
La intención es hacer un repaso cronológico por todas ellas y decir algo sobre las mismas, además de dar mi propia opinión y contar anécdotas propias que pueda recordar al respecto. Y con la mayor objetividad posible, dentro de la dificultad que eso supone. Tendré que tirar de memoria en muchos casos, y de paso informarme (no sólo se trata de lo que yo piense, si no que habrá datos que sean importantes y estoy muy lejos de manejarlos todos), ya que son muchas películas y algunas las he visto hace mucho tiempo.
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| Como niño con zapatos nuevos en el rodaje de su última película, Juror Nº2 |
Clint Eastwood nació el treinta y uno de Mayo de 1930 en San Francisco, California. Nunca le gustó demasiado estudiar y, a pesar de ser consciente de sus facultades físicas (manifestadas sobre todo en la natación) y su talento musical, tampoco le interesaban los deportes de equipo ni las bandas de música. Ni siquiera le llamó la atención actuar en las obras de teatro del colegio, individualista como era y mayormente aficionado a, según sus propias palabras, los coches veloces y las mujeres fáciles. Aunque sí terminó aprendiendo mecánica aeronáutica y a tocar el piano. Relacionado con esto último hay que destacar que hasta tiene su propia discografía y ha compuesto la música de unas cuantas de sus películas.
Es probable que no terminase la secundaria y muy a principios de los cincuenta fue llamado por el ejército. Es en esta época cuando se produjo su primera visita a la localidad californiana de Carmel (Carmel By The Sea) y se comenta que el actor dijo que le gustaría vivir ahí algún día. Con el tiempo llegaría a bastante más que eso, ya que en 1986 se convirtió en el alcalde número treinta de la ciudad, durando en el cargo hasta 1988.
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| Un muy joven Clint |
Durante la primera mitad de los cincuenta, Eastwood compaginó algunos trabajos y ciertos estudios con su desmedida y muy conocida afición por perseguir faldas. Se casó por primera vez en 1953, mientras mantenía relaciones con otras mujeres, estando una de ellas embarazada, algo que supuestamente el actor desconocía en ese momento y que supuso que la madre diera al bebé en adopción. La niña, primera de los muchos hijos de Clint (que se sepa), se llamó LAURIE y, hace unos seis años, conoció por fin a su padre, protagonizando una historia digna de un guion de cine.
En lo que a su carrera se refiere, destaca que, también durante estos años, conoció al director ARTHUR LUBIN, quien poco después le daría algunos de sus primeros papeles. Este señor admitió estar impresionado por el físico de Eastwood, pero su desempeño delante de la cámara (al contrario del mostrado con las mujeres o en alguna trifulca física) era más bien pobre, poco inspirado, lacónico y bastante amateur. Esto le acabaría llevando a tomar clases de interpretación. Pasó sin éxito por unas cuantas audiciones (incluida una para la muy famosa película de BILLY WILDER, THE SEVEN YEAR ITCH, conocida en España como LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA, 1955) hasta que el director JACK ARNOLD le dio su primera oportunidad en REVENGE OF THE CREATURE (LA VENGANZA DEL HOMBRE MOSNTRUO, 1955). De todas estas primeras pelis en las que participó en los años cincuenta y que no he podido ver, haré un pequeño listado, a modo informativo, al final de todo. Pero sí que he de decir que conseguí ver una de ellas, llamada TARÁNTULA (1955) y dirigida también Por Arnold, en la que Eastwood interpreta a un piloto y está sin acreditar. Se trata de una peli de terror que a día de hoy resulta hasta infantil, debido a las posibilidades de la época, y que vi simplemente por la curiosidad que me suponía el que Clint apareciese en pantalla. Aunque casi ni eso. Es más que probable que lo mejor que el actor sacase de esta década fuese un continuo aprendizaje, también detrás de las cámaras. El propio Eastwood declaró el final de esta década como el peor momento de su carrera y una época bastante deprimente, habiendo considerado incluso la posibilidad de dedicarse a otra cosa.
Su suerte cambiaría, por fin, gracias una vez más, a su complexión física, ya que su altura llamó la atención de un ejecutivo y éste le consiguió una prueba de pantalla que acabaría valiéndole el papel de ROWDY YATES en la serie RAWHIDE (CUERO CRUDO), que se empezó a rodar en 1958 y se emitió entre 1959 y, más o menos, 1965. A pesar de todo, Clint no terminó contento con su papel, o más bien con las características del personaje de Rowdy, un chaval joven, torpe y tontorrón (aunque se iría haciendo más duro con el paso de las temporadas) al que el actor dio vida con unos treinta años o más. Además, su paso por la serie no supuso una destacable mejora de sus habilidades interpretativas, según críticos y compañeros, quienes destacaban su pereza, su falta de entusiasmo y también depender demasiado de su físico. Sea como fuere, la serie fue un éxito (aunque muy exigente a nivel físico) y de paso, le permitió dirigir algunos trailers de la misma (eso sí, no consiguió convencer a los productores para dirigir un episodio). Y es en esta época, aunque esta sea otra historia, cuando su pasión por la música (sobre todo el jazz, pero también el blues y el country) le llevó a iniciar su carrera musical de la que no procede dar mucho detalle. Pero a quien le cueste imaginarse a Clint Eastwood como músico, y mucho menos como cantante, ha de saber que lo es, y profesionalmente desde finales de los cincuenta.
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| El atolondrado Rowdy Yates de Cuero Crudo |
Pero la carrera de Eastwood empieza de verdad (por así decirlo) gracias a la trilogía que nunca tuvo intención de serlo, formada por las tres películas que el director italiano SERGIO LEONE dirigió entre 1964 y 1966, con Eastwood como protagonista. Dichas pelis asentaron el spaghetti western (subgénero localizado en Europa, a contracorriente con respecto al western americano tradicional y con responsables mayormente italianos) como subgénero del cine de vaqueros y lanzaron a ambos al estrellato (aunque Eastwood no fue, ni de lejos, la primera opción para su papel en la primera película). Esta trilogía acabaría conociéndose como TRILOGÍA DEL DOLAR o TRILOGÍA DEL HOMBRE SIN NOMBRE, siendo compuesta por PER UN PUGNO DI DOLARI (A FISTFUL OF DOLLARS o POR UN PUÑADO DE DÓLARES), PER QUALCHE DOLLARO IN PIÙ (FOR A FEW DOLLARS MORE o LA MUERTE TENÍA UN PRECIO) y IL BUONO, IL BRUTTO, IL CATTIVO (THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY o EL BUENO, EL FEO Y EL MALO).
El actor tenía ganas de un cambio, harto como estaba de interpretar a un héroe amable en Cuero Crudo, y cuando fue sugerido a Leone no lo dudó, contribuyendo al éxito global de las películas no sólo con su interpretación, sino que además fue fundamental a la hora de crear las características de dicho hombre sin nombre (Eastwood pensaba que cuanto menos hablase el personaje y más definido estuviese simplemente por su actitud y sus movimientos, mayor sería la atracción del público por él), un antihéroe moralmente ambiguo en toda regla, algo más habitual en este subgénero que en su hermano mayor al otro lado del charco.
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| Sergio Leone con Eastwood en el set de El Bueno, El Feo Y El Malo |
En cuanto a lo mencionado antes acerca de la falta de intencionalidad de estas pelis a la hora de convertirse en una trilogía, Leone no tenía algo así en mente, pero el éxito de las mismas y los tejemanejes de ese hombre sin nombre, que tenía la misma pinta y se comportaba de igual forma en las tres, hicieron que la distribuidora americana UNITED ARTISTS inventase ese nombre, ya a posteriori, para poder vender los tres productos como una trilogía. De hecho, Eastwood sí tiene un nombre en ellas, o al menos un apodo, que es distinto en cada una, y también hay otros actores que repiten en más de una de estas pelis (alguno hasta en las tres), interpretando personajes distintos. Esta saga (no sé si esta palabra es adecuada en este contexto) ni siquiera sigue un orden cronológico, aunque esto es algo difícil de apreciar a simple vista. Por lo visto, el éxito europeo de estas pelis, aunque también el miedo de las distribuidoras a un pleito por parte de cierto director japonés con respecto a la primera (de lo que se hablará en breve) llevó a un estreno tardío de las mismas en Estados Unidos, ya en 1967, con gran éxito comercial, sobre todo de la tercera.
El mítico compositor italiano ENNIO MORRICONE compuso la banda sonora de las tres películas (el tema principal de la tercera está instalado, casi con seguridad, en la mente de todo ser viviente que tenga una cierta edad), culminando en la mítica pieza L'ESTASI DELL'ORO (THE ECSTASY OF GOLD), que aparece en uno de los momentos álgidos de la tercera película y que es una de las composiciones más conocidas de la historia del cine. La aportación de la música de Morricone al carácter legendario de la saga es incuestionable y, como dice uno de los muchos comentarios que se pueden leer en YouTube sobre la pieza anterior, dicho tema no sólo es épico, sino que se hizo para la épica misma. Es muy difícil no emocionarse al escucharlo, y el momento en el que aparece la voz de la cantante italiana EDDA DELL'ORSO es de otro mundo.
Pocas cosas se pueden decir sobre esta involuntaria trilogía que no se hayan dicho antes, ya que las tres películas son obras fundamentales del género y de la historia del cine en general, culminando en la obra maestra que es El Bueno, El Feo Y El Malo. En la primera, el hombre sin nombre (conocido como JOE y primer papel protagonista de Eastwood) se ve envuelto en una violenta lucha entre dos familias de contrabandistas en un pueblo fronterizo entre México y Estados Unidos, y es un remake no oficial de la famosa peli de AKIRA KUROSAWA, YOJIMBO, estrenada en 1961. No sé cuál sería la idea de Leone en ese momento, aunque parece que se le comentó que podría ser una muy buena idea adaptar esa película al western y se trabajó en ese sentido. Hasta Eastwood admitió haber reconocido esa película al poco de empezar a leer el guión, además de haber pensado que podría ser convertida en una peli del oeste cuando la vio por primera vez. Todo esto supuso un pleito exitoso por parte de la productora de Yojimbo y hubo que pagar (se comenta que el acuerdo final supuso que Kurosawa ganase más dinero gracias a la peli de Leone que a la suya). Como se ha dicho antes, unos cuantos actores optaron sin éxito, de una manera u otra, al papel de Clint antes que él (incluido el mismísimo HENRY FONDA, como primera opción), hasta que (después de que el colega de Clint en Cuero Crudo, ERIC FLEMING, rechazase también una oferta) Leone se fijó en el actor RICHARD HARRISON, que lo que hizo fue recomendar a Eastwood y el resto es historia. Más tarde, Harrison bromearía al respecto, diciendo que esa recomendación fue su mayor contribución a la historia del cine.
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| Icónica imagen, poncho incluido, del actor en la mítica trilogía |
Uno de los mayores encantos de estas tres películas, y que las hacen más llamativas para el público español, es que se rodasen en España (sin tener en cuenta interiores), y esta primera, concretamente, entre Madrid y Almería. En cuanto a las dotes de Clint como actor, a pesar de sus contribuciones al personaje, no parece que aún fuesen muy llamativas. El propio Leone, en la línea de lo ya comentado hace poco acerca de dichas dotes, afirmó que más que un actor, lo que necesitaba era una máscara, y el actor, según él, por aquella época sólo tenía dos expresiones, con o sin sombrero. Bastante cabronazo el director italiano (que no terminaría bien con Eastwood), pero muy gracioso a la vez. También es verdad que Leone no hablaba inglés y el set estaba lleno de italianos, con lo que la comunicación entre actor y director podría haber sido más fluida de lo que lo fue.
Las críticas iniciales fueron, en general, poco positivas, pero el rápido éxito comercial llevó a una nueva peli, La Muerte Tenía Un Precio (1965), que volvió a ser una coproducción entre Italia, España y Alemania Occidental, rodada mayormente en Almería. En esta entrega, el protagonista es conocido como MANCO, siendo un cazador de recompensas cuyo camino se cruza con el de otro, interpretado por LEE VAN CLEEF. Repite el actor italiano GIAN MARIA VOLONTÉ, e incluso el muy conocido actor alemán KLAUS KINSKI tiene un papel secundario. Esta segunda parte, estuviese o no pensada como tal, sube la intensidad de la primera y contiene escenas míticas, como la de la carreta llena de cadáveres. La trama es mejor y más retorcida, y todo lo relacionado con los sueños de Volonté es genial.
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| El protagonista, Manco, quien sólo usa la mano derecha para disparar |
La historia volvió a repetirse con esta segunda entrega, con la crítica siendo poco complaciente con ella (más bien lo contrario) y poniendo énfasis de manera negativa en el carácter violento de la misma, pero con el público recibiéndola con los brazos abiertos, esta vez desde el primer momento, y generando un éxito comercial incluso mayor que el de Por Un Puñado De Dólares.
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| Gian Maria Volonté dio vida a El Indio |
Esto llevó al rodaje de la última película, la mítica El Bueno, El Feo Y El Malo (1966), mucho más ambiciosa en cuanto al rodaje (Almería y Burgos) debido a la necesidad de más decorados y situaciones. La historia tiene lugar durante la guerra civil americana y en ella, el hombre sin nombre (siendo el bueno del título y llamado BLONDIE esta vez) se gana la vida junto a su compinche TUCO (ELLI WALLACH), el feo. Ambos acabarán cruzando sus caminos con el de un tipo llamado ANGEL EYES, interpretado nuevamente por Lee Van Cleef, quien sería el malo. El énfasis en la violencia (incluso en ocasiones gratuita) continúa, y también el tema de los antihéroes, que van pasando de ser uno en la primera peli, a dos en la segunda y tres en la tercera, y que se comportan aquí con codicia y hasta crueldad, en contraposición a los héroes protagonistas de los western americanos de la época. Pero a la vez hay una poca disimulada repulsa a la guerra y a todo lo que ésta supone.
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| Lee Van Cleef, aquí como el coronel Mortimer en la segunda entrega, tuvo un papel muy distinto en El Bueno, El Feo Y El Malo |
Esta película acabó siendo considerada como la peli definitiva del género y, a pesar de las habituales tibias críticas del principio, volvió a ser otro éxito comercial. La cantidad de momentos y anécdotas míticas de esta producción, ya sea dentro o fuera de la propia película, es enorme, y añade más cuerpo al carácter legendario de la misma (una nota de 8,8 en IMDB, tras más de ochocientas mil votaciones no es algo muy habitual). Desde la confesión sobre la estupidez de la propia guerra que el casi nulo hablador personaje interpretado por Eastwood hace a Wallach, a las peligrosas anécdotas de este último en el rodaje, pasando por lo que el propio Clint recuerda del mismo (supongo que en indirecta relación con el franquismo y la imagen de España en el exterior), todo lo relacionado con el famoso puente de la película y los momentos de tensión entre el actor y el perfeccionista Leone, con quien no volvería a trabajar.
Pero nada en comparación con la inigualable escena final en el cementerio de Sad Hill, construido en el norte de Burgos por varios cientos de soldados españoles, acompañada por la mítica pieza de Morricone de la que antes hablé y que es otro de esos grandes momentos de la historia del séptimo arte. Para colmo, dicha localización fue, hace pocos años, objeto de una cuidadosa reconstrucción por parte de los vecinos de la zona, algo documentado de manera brillante en la indispensable película documental de GUILLERMO DE OLIVEIRA, DESENTERRANDO SAD HILL (SAD HILL UNEARTHED), de 2017. Yo visité este sitio (que se ha convertido en un foco de turismo) a finales de 2021 y puedo decir que es emocionante estar allí. Lo hice tras haber visto el documental y en cuanto pude lo volví a ver de nuevo.
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| Sad Hill. Esta foto la hice yo |
Y todo esto sin hablar de su impacto en la cultura popular (qué decir de aquella tronchante frase de Clint acerca de la división del mundo en dos categorías, los que tienen el revolver cargado y los que cavan) y lo que supuso la trilogía en general (con su muy particular descripción de un Oeste desolador e inhóspito), y los personajes interpretados por Eastwood en particular, para el género western.
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| Mítica imagen de los tres protagonistas descansando en la localización del cementerio Sad Hill |
Más arriba he comentado que las tres películas, además de no ser una trilogía ideada como tal, ni siquiera siguen un orden cronológico. También he dicho que esto no es fácil de notar y yo mismo no lo sabía hasta que no he leído después al respecto. Si bien es cierto que puedes apreciar que el protagonista no tiene el mismo nombre en las tres, sí que es verdad que en al menos dos de ellas lo que tiene es un apodo, por lo que sí podrías concluir que se trata de la misma persona. Pero en caso de ser así, el personaje de la tercera película, Blondie, va poco a poco teniendo la pinta con la que aparece desde el principio en las otras dos. Esto indicaría que se trata de un personaje que en la tercera peli es más joven que en las pelis previas. Y más importante que eso, esta tercera parte transcurre durante la guerra civil americana (Guerra De Secesión), que tuvo lugar entre 1861 y 1865, mientras que en Por Un Puñado De Dólares hay una escena en la que se puede observar la fecha 1874 en una lápida. Por todo esto, la última peli de las tres sería (a la hora de considerarlas una trilogía), en realidad, una precuela. Partiendo de este hecho, y si se es un historiador o un experto en la materia, se puede apreciar que las armas usadas en las dos primeras pelis son más modernas que las de la tercera. Yo no lo soy, desde luego, y todo esto lo he tenido que leer. Es más, el personaje de Van Cleef en Por Un Puñado De Dólares parece ser un veterano de dicha guerra anterior (que en la trilogía tiene lugar en la peli posterior), lo que refuerza esta desordenada visión global de la trilogía. Por otra parte, el hecho de que varios actores repitan en dos o incluso tres de las películas, interpretando papeles distintos, se puede tomar como una señal (no definitiva, desde luego) de que ni siquiera el personaje de Eastwood es el mismo y sólo se trata de tres pelis ambientadas en épocas bastante cercanas y que comparten una serie de características comunes.
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| Tuco, un bandido mexicano |
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| Wallach, fallecido en 2014, y Clint, reunidos muchos años después. Van Cleef había muerto en 1989 |
Nada que yo pueda decir va a añadir absolutamente nada nuevo a todo lo que suponen estas películas, y si me he entretenido de más con ellas es porque son productos más que notables en la filmografía de Eastwood (lo mismo haré con otras películas claves) y en la historia del cine, además de lanzar al intérprete al estrellato. Antes del rodaje de la última, Eastwood participó brevemente en otra producción italiana, LE STREGHE (THE WITCHES o LAS BRUJAS), estrenada en 1967. Se trató de una antología compuesta por cinco historias, protagonizadas todas ellas por la estrella italiana SILVANA MANGANO. Clint hacía de CARLO en el quinto y último episodio, llamado AN EVENING LIKE THE OTHERS, que estuvo dirigido por VITTORIO DE SICA, y a pesar de no tener nada que ver con sus habituales últimos papeles, el bueno de Carlo tenía la ocurrencia de disfrazarse de pistolero para intentar impresionar a su aburrida esposa (Mangano). A pesar de haber visto esta película hace pocos años, tengo poco recuerdo de ella, como algo pasable que sólo vi por la curiosidad que me suponía el papel de Clint y, por supuesto, por completar su filmografía.
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| El acomodado Carlo y su sufrida señora en un fotograma que haría que, a día de hoy, le explotara la cabeza a más de uno |
A pesar de las pelis de Leone y el sobrevenido éxito, el actor continuó con su particular pelea con la crítica acerca de a sus habilidades como intérprete. Dichas películas fueron mejorando poco a poco a ojos de los críticos. A pesar de las interpretaciones, que en general no fueron muy bien recibidas.
Lo siguiente fue el western revisionista HANG 'EM HIGH (COMETIERON DOS ERRORES), de 1968, que además fue la primera película producida por la recién estrenada productora del actor, llamada THE MALPASO COMPANY (hoy MALPASO PRODUCTIONS, conocida además por su casi exclusiva relación con la distribuidora WARNER BROS. PICTURES desde entonces). Dicha productora se creó, con la ayuda de IRVING LEONARD, entonces asesor financiero del actor, gracias a los beneficios obtenidos tras las películas de Leone. Ese mismo año, Clint participó en otras dos películas, COOGAN'S BLUFF (LA JUNGLA HUMANA) y la buenísima WHERE EAGLES DARE (EL DESAFÍO DE LAS ÁGUILAS), y por lo visto, durante el rodaje de esta última, el actor acabó enfadado por lo que él consideraba un gasto inútil de dinero en las grandes producciones. Por eso se decidió a montar dicha productora, para tener más control sobre sus películas, y ha sido conocido desde entonces por ajustadas agendas de rodaje y por respetar siempre el presupuesto inicial, cuando no rebajarlo o terminar un rodaje antes de tiempo.
El nombre está relacionado con una especie de arroyo llamado Malpaso Creek, que atravesaba una propiedad que Eastwood compró en 1967 en el condado de Monterrey (California) y con el hecho de que, al aceptar su papel en Por Un Puñado De Dólares, su agente de entonces le había dicho que esa decisión sería un paso en falso en su carrera. El resto es historia.
En cuanto a Cometieron Dos Errores, la historia trata sobre la venganza llevada a cabo por un hombre llamado JED COOPER, quien se convierte en sheriff tras haber sido equivocadamente linchado y abandonado a su suerte. Fue dirigida por TED POST. Buena película, aunque poco recuerdo de ella, la verdad, más allá de la escena del linchamiento. La vi en una época en la que junté algunos western más del actor en poco tiempo y creo que unos se solapan con otros en mi cabeza. La película fue un éxito, en cualquier caso, siendo en su día el estreno más exitoso de United Artists y consiguiendo críticas en general favorables.
Esta película supuso la primera vez que Clint produjo una película, algo que seguiría haciendo en las cintas de Malpaso, aunque eso no se reflejaría en los créditos hasta 1982.
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| Jed Cooper haciendo cuenta de las hostias que va a tener que repartir para llevar a cabo su venganza |
La Jungla Humana fue importante, más que por el resultado de la propia película, porque supuso la primera de las cinco colaboraciones de Eastwood con el director DON SIEGEL, con quien hizo amistad gracias a este rodaje. En ella, Clint interpreta a WALT COOGAN, una especie de cowboy moderno en el cuerpo de un policía que ha de escoltar a un asesino y así devolverlo bajo custodia. El nombre original de la peli juega con el nombre del protagonista y sus engaños y faroles (bluff), y con el de un famoso lugar en la ciudad de Nueva York (donde tiene lugar la acción), llamado igual que el film. El papel que interpreta Eastwood es bruto como pocos (la peli es violenta, una vez más), y podría hasta hablarse de un HARRY CALLAHAN en ciernes. Recuerdo en especial ciertos comportamientos y frases del protagonista que escandalizarían al feminismo más rancio de hoy en día, y seguramente al más racional también. Eran otros tiempos. Y también recuerdo que Clint compartía algunas escenas (aparte de con la famosa actriz SUSAN CLARK) con una actriz escandalosamente guapa llamada MELODIE JOHNSON, unos cuantos años más joven que él y de la que poco más se supo llegados los setenta.
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| Coogan transmite a Millie (Johnson) lo necesario de un lenguaje más inclusivo |
El Desafío De Las Águilas fue una brillante cinta bélica de espías con el nazismo como telón de fondo, en la que Clint (quien da vida al teniente MORRIS SCHAFFER) fue dirigido (como actor secundario) por BRIAN G. HUTTON y compartió pantalla con nada menos que RICHARD BURTON, el famosísimo actor galés cuyo nombre estuvo tan asociado al de ELIZABETH TAYLOR, actriz con la que estuvo casado y con quien había protagonizado la conocida CLEOPATRA (1963), de JOSEPH L. MANKIEWICZ. La película parte de la novela de ALISTAIR MACLEAN (1966), quien también escribió el guion, y cuenta la historia de un grupo especial de paracaidistas cuya misión es rescatar a un general americano cautivo en una fortaleza nazi llamada Schloss Adler (Adler es águila en alemán, aunque el título original está sacado de la obra RICHARD III, de SHAKESPEARE). Película más que entretenida (a día de hoy con estatus de clásico) en su conjunto, con mucha acción, y cuya escena del teleférico merece mención especial. Y no sólo fue un gran éxito comercial, sino que incluso se alabó la interpretación de Eastwood (entre otras), a quien ayudó tener a su lado una figura ascendente con una formación teatral como Burton, a pesar de las continuas melopeas de éste, que le hacían desaparecer del set durante días. Clint pidió recortar sus diálogos (buena parte de ellos acabaron en Burton) por parecerle que había mucha morralla, y Hutton se concentró en las habilidades de cada estrella, con lo que, por resumir un poco, Burton se encargaba de hablar mientras que en Eastwood y su habitual tranquilo semblante recaía buena parte de la acción.
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| Schaffer y Smith (Burton) discuten cómo infiltrarse entre los nazis |
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| Eastwood con la moto que consiguió como parte de su acuerdo con la distribuidora de la peli, Metro-Goldwyn-Mayer |
Los sesenta terminaron para el actor con su participación en una de las películas más peculiares de su carrera, PAINT YOUR WAGON (LA LEYENDA DE LA CIUDAD SIN NOMBRE), un entretenido musical del Oeste cuyo principal atractivo (al menos para mí, a pesar de ser una buena peli), sobre todo a posteriori, es ver a dos de los tipos peor encarados de la historia del cine, como Eastwood y el grandioso LEE MARVIN (sólo faltaba Lee Van Cleef), cantando, algo que ambos hicieron ellos mismos. Y hablando de atractivos, guapa como pocas era la espectacular JEAN SEBERG, protagonista femenina de la película e ídolo en Francia gracias a su implicación con el famoso director JEAN-LUC GODARD.
Esta película, dirigida por JOSHUA LOGAN, fue la adaptación (muy cambiada) de un musical de 1951 de igual nombre, y narra los tejemanejes de una pequeña ciudad nacida de la nada a partir de desatarse la fiebre del oro en la zona. Clint da vida a SYLVESTER NEWEL (apodado PARDNER, un papel seguramente con bastantes semejanzas al de Rowdy Yates), que sobrevive a un accidente y es adoptado por el borrachuzo y pendenciero buscador de oro BEN RUMSON, interpretado por Marvin. A cualquier fan relativamente longevo de LOS SIMPSON, esta peli le vendrá a la memoria, a pesar de no haberla visto, por ser el eje de una de las historias del capítulo musical ALL SINGING, ALL DANCING (número once de la temporada nueve), emitido por primera vez en Enero de 1998. En dicha historia, unos HOMER y BART ávidos de emociones fuertes, alquilan la película esperando ver un violento western (lo esperado con semejantes protagonistas, por no hablar de que encima aparece alguien con toda la pinta de ser Van Cleef), sólo para terminar escandalizados y hartos cada vez que los protagonistas ponen cara de estar a punto de empezar a disparar y lo que hacen es cantar y bailar. No es esa la única aparición de Eastwood en la mítica serie de animación, algo que no es muy de extrañar, siendo un personaje tan, por así decirlo, americano, icónico y caricaturizable.
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| Eastwood y Marvin sacando a Homer de quicio |
En general, fue una peli fallida, ya que hubo que doblar su presupuesto y el rodaje estuvo lleno de complicaciones, y a pesar de sus buenos números, estos no compensaron todos los costes. Además, en esa época los musicales estaban pasados de moda y la larga duración de éste tampoco ayudó. Clint acabó un poco harto de retrasos en el rodaje, pero todo eso hizo que sus ganas de convertirse en director aumentaran.
Hay que destacar, eso sí, algo relacionado con Marvin, y es que este tipo, actor de rebote y conocido como uno de los más duros de su época y de la historia del cine, tenía unas dotes para la acción inversamente proporcionales a las que tenía para el canto. Y sin embargo, Logan lo logró convencer para que cantase en esta cinta, y el tema que él interpretó en solitario, WAND'RIN STAR (ESTRELLA ERRANTE), acabó siendo número uno en varios países, ante la perplejidad de propios y extraños, incluido el mismo Marvin, que se vio compitiendo con las canciones y los grupos más populares de aquellos tiempos. El periodista MANUEL ROMÁN contaba que Jean Seberg, preguntada al respecto, bromeaba diciendo que cuando Marvin cantaba parecía que su voz saliese de una tubería oxidada.
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| El trío protagonista. Legendarias patillas las de Marvin |
Fin de la primera parte
La siguiente década arrancó con Clint trabajando de nuevo con Don Siegel en la película TWO MULES FOR SISTER SARA (DOS MULAS Y UNA MUJER), y con Hutton en KELLY'S HEROES (LOS VIOLENTOS DE KELLY), ambas cintas de 1970. Las dos están lejos, en mi opinión, de tener un puesto relevante en un hipotético ranking de la filmografía de Eastwood, a pesar de ser entretenidas. En la primera, el actor interpreta a HOGAN, un mercenario que se junta con la monja Sara tras salvarla de unos bandidos, todo en el contexto de la invasión francesa en México acontecida en la segunda mitad del siglo XIX. Se trata de un western con ciertas dosis de acción y toques de comedia cuyo principal atractivo es la coprotagonista, la mítica SHIRLEY MCLAINE, interpretando a Sara. Por lo demás, no deja de ser una variante cómica de los westerns previos del actor, ya que su personaje tiene más o menos las mismas características, el entorno es parecido y aparecen un montón de mexicanos, aunque la violencia no es la misma ni de lejos.
No me convenció mucho al verla, la verdad, y menos si la comparo con la versión cinematográfica que el gran RICHARD DONNER hizo en 1994 de MAVERICK, la cual considero que podría ser una descendiente lejana suya, pero muy superior. Y es que las características son parecidas (no así su argumento), ya que la segunda es otro western con acción y protagonista femenina (JODIE FOSTER), pero que al contrario que la cinta de Siegel explota de maravilla sus posibilidades cómicas y la química entre Foster y el protagonista masculino (ni Siegel ni Eastwood conectaron gran cosa con McLaine), que no es otro que MEL GIBSON, otro de los ídolos del blog (una pena que Eastwood y él no hayan trabajado nunca juntos). De hecho, y por seguir explorando similitudes, Gibson pudo suponer para Donner (y viceversa) lo que Eastwood supuso para Siegel. Las cinco películas del tándem formado por los dos últimos encuentran réplica en las seis (si no estoy equivocado) que Gibson rodó a las órdenes de Donner. Y esto no acaba ahí, ya que Gibson trabajó junto a Donner en la famosa saga ARMA LETAL, y Siegel dirigió a Eastwood en la primera entrega de las pelis protagonizadas por el ya mencionado Harry Callahan. Ambos actores dieron vida en ellas a sendos policías con métodos propios y poca o nula querencia por las normas establecidas.
Pero bueno, las críticas fueron mayormente positivas, incluyendo la interpretación de Clint de otro antihéroe. Como curiosidades hay que señalar que Morricone volvió a componer la música de la película, y ésta supuso la última vez de Eastwood como secundario en un film (aunque en este caso esto pasaba en los créditos y no en el cartel).
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| La monja y el soldado de fortuna |
Mejor parada resulta Los Violentos De Kelly, otra peli con tintes cómicos (esta vez en un contexto bélico) y basada ligeramente en un probable hecho real, en la que unos desertores del ejército americano tratan de atravesar las líneas alemanas en Francia para poder robar un banco lleno de oro de los nazis. Esta peli marcaría la última participación de Eastwood en una cinta que no estuviese producida por su productora, la antes comentada Malpaso. Clint interpreta al soldado KELLY, y es secundado por un reparto de lujo en el que aparecen el mítico actor canadiense DONALD SUTHERLAND (quien contrajo una grave meningitis durante el rodaje que llegó a suponer un serio riesgo para su vida), TELLY SAVALAS (sí, el de KOJAK), el cómico DON RICKLES e incluso el mítico HARRY DEAN STANTON en un pequeño papel. La recuerdo como una peli con buenos momentos y en general entretenida, y seguramente la opinión general sea bastante más positiva que la mía, ya que esta cinta tiene un 7,6 en IMDB, lo que no está nada mal. Pero curiosamente, se me hizo un poco pesado el personaje de ODDBALL, el alucinado conductor de tanques interpretado por Sutherland que se supone que ha de llevar, junto a Rickles, el mayor peso cómico de la película. No está mal, pero en lo que a mí respecta y dejando a un lado sus tres pelis con Leone, por ser un absoluto hito en la historia del cine, la ya consolidada carrera de Eastwood iba a mejorar aún mucho más, y a todos los niveles.
Dato curioso? Se rodó mayormente en localizaciones de la antigua Yugoslavia, sólo por el mero hecho de que este país era uno de los pocos cuyo ejército, aún en 1969, estaba equipado con mecánica (alemana y americana) de la Segunda Guerra Mundial, lo que facilito mucho la logística.
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| Kelly junto a Big Joe, interpretado por Savalas |
Hay algo destacable que mencionar antes de seguir adelante, y es que Los Violentos De Kelly y Dos Mulas Y Una Mujer fueron las primeras películas de Eastwood en las que el inolvidable y polifacético CONSTANTINO ROMERO (fallecido de manera temprana en 2013) prestó su voz para el doblaje español del actor, comenzando una relación de treinta y tres películas con Clint que duraría de manera casi ininterrumpida hasta 2012, nada menos. Este señor ha dado voz en español a un buen número de personajes míticos, convirtiéndose en un referente del gremio, pero Clint Eastwood es a quien más veces ha doblado. Y de qué manera. Es difícil para el público español imaginarse al actor sin la mítica voz de Romero, hasta el punto de que él es la voz del actor. Yo siempre intento ver las películas en versión original (al menos en idiomas que conozca, esté aprendiendo o sean cercanos culturalmente hablando) ya que creo que, entre otras cosas, la voz propia de cada actor forma parte de su interpretación. Pero no me importa hacer una excepción en el caso de Eastwood, y hasta me siento más cómodo escuchándole con la voz habitual de Romero, por todo lo ya comentado. Es una voz grave y bastante imponente, a la altura de la inmensa mayoría de personajes del actor, en curioso contraste con la voz más suave y susurrante del propio Eastwood, que es una de esas personas que parecen hablar siempre en voz baja.
No sé si Eastwood y Romero llegaron a conocerse alguna vez o si el americano es consciente de lo que hizo este señor con su voz en lo que a España respecta (se me antoja difícil que, de una manera u otra, no se haya escuchado hablando en español alguna vez), pero estoy seguro de que, de no haberlo hecho ya, sabría apreciar el increíble trabajo de Constantino.
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| El añorado Constantino Romero |
En 1971 se estrenaría THE BEGUILED (EL SEDUCTOR), la tercera colaboración del actor con Siegel, basada en la novela de 1966 A PAINTED DEVIL, escrita por THOMAS P. CULLINAN. En esta película, el actor interpretaba al cabo JOHN MCBURNEY, un bastante tocado soldado del norte, durante la Guerra De Secesión americana, que es encontrado por una de las chicas que residen en un seminario para señoritas del Mississippi sureño, dirigido por la señora FARNSWORTH, interpretado por GERALDINE PAGE. La película resulta interesante, dentro de su sencillez, porque la habitual acción de prácticamente todas las películas previas del actor es sustituida completamente por el factor psicológico y una tensión casi continua, acentuada por lo exageradamente manipulador del personaje de Eastwood (en un entorno de mujeres reprimidas) y por el sorprendente y retorcido desarrollo. Nótese que el título español contrasta con el original, que hace referencia a el, la o los seducidos, de manera pasiva.
Esta peli, por alguna razón que se me escapa, fue un gran éxito en Francia, e incluso se propuso para el Festival de Cannes (algo aprobado por Eastwood y Siegel pero tumbado por los productores), pero por lo demás no tuvo mucho éxito, dejando al actor enfadado porque pensaba que los estudios UNIVERSAL habían hecho una chapuza de marketing con ella (no hay más que ver la peli y luego fijarse en el cartel para darse cuenta de ello). Eastwood había firmado un contrato de larga duración con ellos, pero lo rescindió en 1975, no volviendo a trabajar con ellos hasta bien entrado el siglo XXI.
En cuanto a la crítica, la reputación de la película ha ido subiendo desde entonces, dadas sus puntuaciones actuales, pero las reacciones iniciales fueron mixtas y más bien tirando a airadas, con acusaciones de misoginia incluidas, aunque también hubo quien vio cierta reivindicación feminista por parte de Siegel en el retrato que hace de unas mujeres enfrentadas con algo que nunca hubiesen imaginado.
Veo ahora que hay otra peli reciente (2017) de igual nombre y que usa la misma fuente (no sé si en este caso se puede usar la palabra remake), dirigida por SOFÍA COPPOLA. Tendré que verla, ya que no sólo me suelen gustar las pelis de esta señora, si no que además está protagonizada por actores interesantes, como COLIN FARRELL, NICOLE KIDMAN o KIRSTEN DUNST.
*El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero.
El estreno tras la cámara de Eastwood llegaría ese mismo año 1971, pero hay que decir que en relación con El Seductor, él mismo dirigió un corto de doce minutos sobre esta peli llamado THE BEGUILED (STORYTELLER). No lo he visto aún y supongo que será difícil hacerlo.
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| Tensión entre Eastwood y Page en una residencia llena de jóvenes sureñas |
Y por fin, ese mismo año 1971 llegó su ansiado debut como director con PLAY MISTY FOR ME (ESCALOFRÍO EN LA NOCHE), una peli que Eastwood y el arriba nombrado Leonard (fallecido en 1969) llevaban algún tiempo planeando. En ella, el propio Clint hace de DAVE GARVER, un disc jockey de radio que continuamente recibe llamadas en directo de una tipa (EVELYN DRAPER, interpretada por JESSICA WALTER en su primer gran papel) que le pide que pinche MISTY, un tema de jazz de ERROLL GARNER. No es mi intención arruinar a nadie el visionado de ninguna película, por lo que no diré nada más sobre la trama y me ahorraré la que yo creo que es una comparación bastante obvia con una famosa película posterior (esto último es idea mía pero, efectivamente, es tan obvio el asunto que mirando un poco he visto que no soy el único en pensarlo). Película entretenida y no mucho más, en mi opinión, pero esta afirmación, como en unos cuantos casos más, hay que ponerla en contexto. Es fácil de ver y además está el cambio de registro de Clint delante de la cámara y poder observar cómo se las gasta detrás de ella, pero es una de esas pelis que comenté antes en las que todo parece apresurarse mucho y es posible que no haya envejecido muy bien. Con esto me refiero a que la he visto hace pocos años y es algo creado hace más de cincuenta, y es muy probable que su visionado en esa época fuese mucho más entretenido, y sus giros, etc, mucho más efectivos, que a día de hoy, cuando todo está más que visto y el factor sorpresa es más difícil de conseguir. De hecho, la peli fue un éxito comercial y de crítica, con Walter siendo nominada al Globo De Oro, y no faltaron elogios para las dotes de Eastwood como director.
Esta película no está exenta de unas cuantas anécdotas y varias referencias en la cultura popular. Para empezar, se rodó en la propia Carmel, por insistencia de Eastwood, lo que hizo todo mucho más cómodo, e incluso hay escenas rodadas en casas de amigos y en la edición de 1970 del cercano Festival De Jazz de Monterrey. Hasta la emisora era local. Es destacable también que propio Don Siegel echase una mano en el debut de Clint como director y hasta apareciese en la propia peli como barman. El título de la película aparece en una canción de BOB DYLAN y, por nombrar otra más, al año siguiente se publicó una novela (escrita por PAUL J. GILLETTE) de igual nombre a partir del guion de la película, que había sido concebido por JO HEIMS, colaboradora y conocida de Eastwood.
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| Evelyn Draper (Jessica Walter), con ganas de volver a escuchar Misty |
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| Clint pasó de acumular víctimas a coleccionar discos |
A estas alturas Eastwood ya tenía lo que quería. Era un actor consagrado, una estrella incluso, y había conseguido debutar como director, además de todas las ventajas que le suponía tener una productora propia. Pero aún así, esto no había hecho más que empezar, y aún en 1971 tendría tiempo de interpretar el que puede que sea el papel más conocido de su carrera y, con toda seguridad, el que ha supuesto su imagen más habitual para el gran público. Dicho papel fue, por supuesto, el del ya mencionado Harry Callahan, un policía polémico y con métodos propios cuya existencia generaría tal polvareda, tantos comentarios, tantas anécdotas y se grabaría a fuego en la cultura popular de tal manera que es difícil encontrar algo parecido antes o después. Y por supuesto, es imposible imaginarse a nadie más dando vida a Harry. Debe ser una de las identificaciones más obvias y rápidas (si no la que más) entre actor y personaje de la historia del cine, a pesar de que Eastwood no fue la primera opción para el mismo.
La película en cuestión fue DIRTY HARRY (HARRY EL SUCIO, a la cual pertenece la primera foto de la entrada), primera de las cinco que Eastwood protagonizaría dando vida a Callahan y única de esta saga dirigida por Don Siegel (quien tampoco fue la primera opción y acabó encontrando aquí su cuarta colaboración con el actor). El nombre mismo del film, ya sea en inglés o en español, trascendió lo cinematográfico a ambos lados del charco para instalarse para siempre en el imaginario de un buen número de generaciones, independientemente de su afición al cine o de su opinión sobre el intérprete.
En Harry El Sucio, Callahan es un policía de San Francisco a la caza de un asesino psicópata (SCORPIO, interpretado por ANDY ROBINSON) ligeramente basado en el afamado criminal real conocido como el Asesino Del Zodíaco, además de en características de algún otro. Nada puedo decir de esta peli que no se haya dicho ya, además de ser una de esas pelis que normalmente ha visto casi todo el mundo. Acción, un protagonista absolutamente carismático y polémico, diálogos que están en la cabeza de casi cualquiera (esa en la que Harry encañona a un ladrón y le pregunta Do I feel lucky? y que corresponde a la imagen principal de la entrada), cero corrección política, nulo interés por encajar en el patrón habitual de lo que se entiende por un héroe (más bien al revés) y violencia. Mucha. Hasta el punto de que ese fue el motivo por el que el guion no se convirtió en una serie de TV y también razón suficiente para que algún actor rechazase el papel principal. De nuevo, hoy está todo inventado, pero esta peli es de 1971. La gente no estaba acostumbrada a ciertas cosas.
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| Podrán llamarme sucio, pero voy hecho un figura |
El casting resultó movidito. El guion fue recibiendo retoques y cambiando de manos pero Callahan había de ser, en un principio, un personaje entre los cincuenta y cinco y los sesenta años de edad. Se ofreció este papel a JOHN WAYNE, y FRANK SINATRA llegó a estar en el proyecto cuando Warner compró el guion, junto a un director llamado IRVIN KERSHNER. Cuando Sinatra abandonó, también lo hizo Kershner, y el turno fue para BURT LANCASTER, quien rechazó el papel por tratarse de una historia violenta en la que el fin parece justificar los medios, lo que iba en contra de sus ideas. A partir de ahí se empezaron a considerar actores más jóvenes, y aparecen por aquí STEVE MCQUEEN, quien había protagonizado BULLITT (dirigida por PETER YATES) en 1968 y no quería hacer otra peli de polis, y el mismísimo PAUL NEWMAN, quien a su vez, y creyendo que el papel era demasiado de derechas para él, lo desechó, no sin antes recomendar a Eastwood para el mismo (?). Éste aceptó con la condición de basar todo en el guion original (dejando de lado lo de la edad, claro está).
Con Scorpio no hubo tanto baile pero algo de movimiento sí hubo, ya que el actor elegido en primer lugar (AUDIE MURPHY) falleció antes de haber decidido, y JAMES CAAN fue considerado mientras Sinatra estuvo en el proyecto. Al final, el desconocido Andy Robinson se llevó el gato al agua, tras haberlo recomendado el propio Clint, quien lo había visto en el teatro. Siegel aceptó por la cara de niño del coro que según él tenía el susodicho. Robinson resultó (increíble tras verlo en pantalla) ser un pacifista alérgico a las armas y hubo que enseñarle a disparar de manera convincente.
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| El chico del coro le confiesa a Siegel que aborrece las armas de fuego |
Dejando de lado la polémica, el film fue un rotundo éxito comercial (la peli más exitosa de Siegel en este apartado) y también, en general, fue bien aceptado por la crítica, a pesar de todo lo anterior.
En cuanto a controversias, anécdotas y curiosidades, aquí unas cuantas:
- Al principio de la película se puede ver cómo la marquesina de un cine anuncia la proyección de Escalofrío En La Noche. Harry El Sucio también aparece en ZODIAC, la película de 2007 dirigida por DAVID FINCHER y que también se inspira en el asesino del zodíaco.
- El propio Eastwood dirigió una escena de la película en la que un suicida intenta saltar desde un edificio y él mismo prescindió de un doble de acción en una escena tan seria como aquella en la que salta desde un puente encima de un bus.
- La polémica principal suscitada por la película tiene que ver con la actitud de Callahan, a quien se llega a describir como un criminal con placa, implacable a la hora de conseguir lo que busca sin importarle cómo. Su meta es proteger a las víctimas e incluso vengarlas, cuando se trata de crímenes violentos, y las normas e incluso la ética poco importan a la hora de lograrlo. Él tiene su propia idea de la justicia. De ahí surgen cuestiones como la brutalidad policial y hasta dónde puede uno llegar para protegerse a sí mismo y como sociedad, en un momento de altos índices criminales. Un mensaje peligroso para muchos, en resumen.
- Mientras que la interpretación de Clint fue elogiada, hubo críticos que a pesar de eso la tacharon de fascista. Esto, en mi opinión, puede plantear temas relativos a la doble moral. Callahan cruza la línea, desde luego, y lo que hace muchas veces no está bien. Pero consigue lo que quiere. Qué haríamos los demás en su lugar? A pesar de saber que ciertas cosas no son correctas, no estamos tentados de hacerlas o incluso sentimos envidia cuando vemos que alguien llega donde nosotros no nos atrevemos a llegar? Un crítico comentó que esta película puede hacer que te sientas a disgusto contigo mismo al darte cuenta de que verdaderamente disfrutas viéndola. Las siguientes pelis de la saga intentaron rebajar ciertos tonos y los villanos abarcaban distintos ámbitos del espectro ideológico.
- Algún que otro crimen fue perpetrado, supuestamente influenciado por lo visto en Harry El Sucio.
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| En San Francisco mando yo |
- Por lo visto, Robinson improvisó una frase relacionada con el tamaño de una pistola en una escena en la que tiene a Eastwood delante. El equipo empezó a reírse por el obvio doble significado y tuvieron que repetir, pero la frase se quedó.
- Un grupo de feministas organizó una protesta a las puertas del pabellón DOROTHY CHANDLER durante la celebración de la gala número cuarenta y cuatro de los premios Óscar, con pancartas en las que se leía Harry El Sucio es un cerdo podrido.
- Eastwood y Siegel pasaron de todo. El primero negó que la peli fuese de derechas y alegó que lo que se denunciaba era un hartazgo con respecto al sistema judicial. Siegel, por su parte, dijo que se sentía un liberal tendente a la izquierda mientras que Clint era más conservador, pero que no habían hablado para nada de política y él no hacía películas políticas. Sólo es la historia de un policía duro tras un asesino, sólo que este policía podía ser, a su manera, igual de nocivo.
- Callahan trabaja en homicidios, en un principio, pero está en constante pelea con unos superiores a los que considera incompetentes y debido a eso será transferido a departamentos menores en otras pelis de la saga.
- La interpretación de Robinson fue tan convincente que llegó a recibir amenazas de muerte.
- Se da a entender que Callahan es viudo. Aunque no tengo más información al respecto, este hecho podría explicar en cierta manera la aparente amargura del personaje y esa actitud de parecer importarle todo muy poco.
- Esta película y las míticas frases del personaje ayudaron a popularizar el arma usada por Callahan (una SMITH & WESSON 29 potenciada por un cartucho MAGNUM 44) a la que el propio policía se refiere como el arma más potente del mundo, cuyas ventas subieron de manera considerable tras la película.
- No hace falta decir que Callahan se convirtió en el modelo a seguir a la hora de perfilar personajes de policías de gatillo fácil y pocos escrúpulos, y de hecho el apodo de Harry El Sucio es jerga habitual a la hora de referirse a ellos.
- El film da alguna explicación acerca del apodo del protagonista, y él mismo dice que le tocan todos los trabajos sucios.
- Con respecto al personaje, independientemente de la peli de la saga de la que se trate, hay que decir que le gusta trabajar solo (obvio), pero normalmente tiene a un compañero que le es asignado para su muy poco disimulado disgusto. Por lo demás, sus gafas cambian según la película, le gusta jugar al billar y parece alimentarse sólo de comida rápida y café solo sin azúcar. Para esto último siempre pide lo de siempre.
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| Do I feel lucky? Well, do you, punk? |
- Los Simpson volvieron a hacer de las suyas y parodiaron el papel de Harry Callahan a través de un inspector ficticio llamado MCGARNAGLE (MCCARNIGAN en España), protagonista de una serie que recoge todos los estereotipos del policía duro que representaba Callahan. No se hace referencia ni al personaje ni a Eastwood, pero su apariencia, su voz y su comportamiento dejan pocas dudas. No es el único episodio en el que sale, pero su aparición más llamativa acontece en el número doce de la temporada cinco, THE BOY WHO KNEW TOO MUCH, donde interactúa con un niño que está en una situación parecida a la de BART en el episodio.
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| McGarnagle |
Es posible que el hipotético lector se haya preguntado alguna vez cómo alguien como Eastwood, con un perfil asociado al de implacable tipo duro y casi siempre relacionado con las armas, y con ciertos papeles que ha tenido que interpretar a lo largo de su carrera, no haya sido uno de los actores que han dado vida a JAMES BOND, el agente secreto definitivo. Está lo de no ser un actor británico, por supuesto, pero ya se hicieron excepciones en este sentido con el australiano GEORGE LAZENBY y con el irlandés PIERCE BROSNAN, aunque ambas pueden ser comprensibles. Pero el caso es que después de todo lo que supuso una película como Harry El Sucio, y por si fuese poco un personaje que acabaría siendo legendario, dicho papel fue ofrecido a Clint. Pero él simplemente lo rechazó diciendo que eso es para otros, además de manifestar su respeto por SEAN CONNERY y creo que incluso decir él mismo que ese papel debía ser para un actor británico. Con este tema no lo tengo del todo claro, ya que no sé si el papel le fue ofrecido tras el primer abandono de Connery, tras el segundo o ambas veces. Y es que las fechas coinciden si hablamos de 1971 (el año de estreno de Harry El Sucio), ya que ese año se había estrenado la última peli del actor escocés como Bond, DIAMONDS ARE FOREVER (DIAMANTES PARA LA ETERNIDAD, de GUY HAMILTON). Pero Sean Connery ya había dejado el papel previamente, en 1967, tras YOU ONLY LIVE TWICE (SÓLO SE VIVE DOS, dirigida por VECES LEWIS GILBERT) y en ese tiempo intermedio los productores decidieron abrir sus miras y contrataron a Lazenby para su única peli como 007, ON HER MAJESTY'S SECRET SERVICE (AL SERVICIO SECRETO DE SU MAJESTAD, de PETER R. HUNT), estrenada en 1969. Cuándo pasó esto, en 1967, con Clint estrenando estrellato tras sus pelis con Sergio Leone, en 1971 después de Callahan, o las dos veces?
Sea como fuere, lo siguiente para el actor y ya también director fue JOE KIDD, dirigida por el mítico JOHN STURGES, y que se convirtió en su único trabajo en 1972. Se trata de otro western revisionista en el que Eastwood hace de un ex cazador de recompensas (KIDD) que vuelve a las andadas, y en él comparte pantalla nada menos que con un ROBERT DUVALL que ese mismo año había destacado, y de qué manera, interpretando al consigliere TOM HAGEN en THE GODFATHER (EL PADRINO, de FRANCIS FORD COPPOLA).
La historia se basó en un activista real llamado REIES TIJERINA, que luchó por que los hispanos recuperasen las tierras que en su día pertenecieron a sus ancestros. Este señor sería LUIS CHAMA en la película, interpretado por JOHN SAXON, mientras que Duvall sería el adinerado propietario que contrata a Kidd para poner orden. Se cuenta que los actores estaban tan fascinados con Sturges (ni me voy a molestar en nombrar alguno de sus clásicos) que les costó coger el ritmo.
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| Eastwood y Duvall, patrullando |
La película fue bastante exitosa comercialmente hablando y, aunque a veces me es difícil acordarme de todos los western post-Sergio Leone del actor y distinguir entre ellos, si me fío de mi memoria, de los comentados hasta ahora éste es el mejor. Muy entretenido. La crítica no está conmigo en esto, y las reacciones fueron tibias, con palos para la poca identidad concedida por el guion al enésimo pistolero implacable y de pocas palabras interpretado por Eastwood, y también para sus poco claras motivaciones.
Como curiosidad, comentar que el actor pasó un rodaje un poco infernal, con ataques de pánico y síntomas de lo que parecía ser una infección bronquial.
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| Clint no va a dar la espalda a un buen western |
1973 volvería a ser un año muy ocupado para Eastwood, estrenándose su segundo film como director, otro western llamado HIGH PLAINS DRIFTER (INFIERNO DE COBARDES) que también protagonizó. El actor interpretó a un misterioso personaje que llega a Lago, una ciudad fronteriza minera y bastante corrupta, para poner orden. Pero no todo es lo que parece y es mejor no comentar nada al respecto para no enturbiar la perspectiva de quien decida ver el film. Esto, sin embargo, hace más complicado hablar de él, ya que el punto de vista del que parte Eastwood como director implica que todo sea una alegoría, algo poco explícito y que favorezca una interpretación propia por parte del espectador. Pero a la vez esto se vio entorpecido por los doblajes de ciertos países, incluido el español.
Pero lo dicho, es mejor no decir nada más. La película recibió críticas en general favorables y tuvo éxito, y yo la recuerdo como bastante buena. Algo confusa, pero probablemente mejor que los western anteriores del actor (dejando a un lado los de Leone y si recuerdo bien, mejor que Joe Kidd también). Según los entendidos, Eastwood fusionó lo aprendido de sus ascendentes más obvios en ese momento, como eran Leone y Siegel, añadiendo su considerable dosis de violencia, su peculiar sentido del humor y su visión de la sociedad. Lo he comentado varias veces ya, pero este es otro personaje muy alejado del concepto de héroe y con respecto a quien se pueden hacer consideraciones muy parecidas a las que ya se hicieron con Harry Callahan. Sobre todo aquella que supone diferenciar estos personajes de sus antagonistas. Puede que lleven una placa (en este caso ni eso) y no maten por gusto, ánimo de lucro, etc, pero sus acciones son más que cuestionables. En este sentido recuerdo una escena, seguramente bastante gratuita, además de incómoda, que involucra a una de las mujeres que viven en Lago y acerca de la cual a uno le gustaría saber las motivaciones de Eastwood. Verdaderamente quiere perfilar protagonistas que puedan llegar a ser detestables?
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| Esto no pinta bien |
Mejor ver la película y sacar conclusiones. Eastwood dejó un guiño a sus dos mentores, Siegel y Leone, en forma de un par de lápidas con sus respectivos nombres en un cementerio que se ve en la peli. También se construyó una ciudad en miniatura (pasando de decorados) con un montón de madera, lo que incluía un hotel de dos pisos, para que además el director pudiese rodar interiores sin tener que desplazarse. Y decir que no a todo el mundo gustó esta peculiar película, entre otros al mismísimo JOHN WAYNE, quien por lo visto escribió una carta a Clint diciéndole que el Oeste no iba de eso y que ése no era el espíritu de aquellos que se establecieron en ese país (por Estados Unidos) y lo hicieron grande. No tengo ni idea pero me da que Eastwood no se preocupó demasiado por la opinión del DUQUE.
*El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero.
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| El forastero |
La siguiente película supondría un nuevo paso como director y por primera vez, Eastwood se haría a un lado cediendo a otros el protagonismo de una cinta tan curiosa (al menos para un tipo como él) como BREEZY (PRIMAVERA EN OTOÑO). En ella se cuenta la poco probable relación que surge entre un cincuentón y una adolescente, interpretados por el genial actor y gran estrella en la década de los cincuenta, WILLIAM HOLDEN (FRANK HARMON en el film), y KAY LENZ (una muy joven y hasta entonces casi desconocida actriz que daría vida a BREEZY y se llevaría una nominación como actriz revelación en los Globos De Oro gracias a su papel en esta película).
Es de destacar que Eastwood se atreviese con algo así, saliendo completamente de su zona, ya en su tercera película como director. Recuerdo que me gustó mucho, por todo lo anterior y porque Holden me parece un fuera de serie (Lenz no se quedó atrás tampoco, siendo toda una sorpresa para bien), pero esta película corre el riesgo de ser identificada como la típica película de sobremesa o para señoras, debido al tema inicialmente romántico. Un poco como le volvería a pasar a Clint con otra película atípica que también protagonizaría unos cuantos años después. Pero creo que va mucho más allá. Para empezar, estamos hablando de una peli en la que un señor de unos cincuenta y cinco años empieza una relación con una chica que en la historia tiene diecisiete (Lenz tendría unos diecinueve durante el rodaje), con todo lo que eso conlleva desde un punto de vista ético, por no hablar de que en la peli no faltan escenas en las que Kay Lenz aparece desnuda. Con respecto a esto hubo algún crítico que dijo que las escenas de sexo eran demasiado suaves para tratarse de una relación aparentemente escandalosa.
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| Unas instrucciones para Kay Lenz, con Holden esperando detrás |
Y luego está lo más llamativo de la historia, ya que Harmon es una persona de vuelta de todo mientras que Breezy es todo lo contrario (además de estar envuelta en unas circunstancias que le hacen ser poco menos que una vagabunda), por lo que se podría pensar que el primero va a enseñarle un par de cosas a alguien que básicamente no sabe nada de la vida. La realidad es bastante distinta, ya que Harmon es alguien sin ilusión y bastante amargado, mientras que ella es todo lo contrario. Harmon aprenderá más de ella que al revés. De hecho, su nombre (o más bien apodo) hace alusión a esto y me imagino que es algo totalmente intencionado, por mucho que éste parezca un diminutivo de su apellido. Así, EDITH BREEZERMAN se queda en Breezy, una palabra derivada de breeze (brisa), que cuando acompaña a una persona hace referencia al carácter alegre y despreocupado de ésta.
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| Eastwood y Holden |
La película no tuvo éxito alguno y el propio Clint reconoció que, a pesar de gustarle el desafío, era un riesgo sin posibilidad de éxito y que en Universal se la dejaron hacer como un favor. La promoción fue nula, o casi, pero poco a poco el film se las arregló para recuperar lo invertido.
A pesar de todo, hay unas cuantas anécdotas que contar.
- Holden no había trabajado en cuatro años y le hizo tanta ilusión que le propusieran esto que aceptó trabajar a cambio solamente de un porcentaje de los beneficios, sin sueldo. Como no hubo, el Sindicato De Actores hizo que Eastwood le pagase el mínimo estipulado.
- El hijo de Holden también tiene un pequeño papel. Por lo visto quería ser actor y éste fue su último intento.
- Como en otras ocasiones, y fiel a su fama, el director terminó la peli antes de tiempo y por debajo de presupuesto.
- En este rodaje Clint conoció a la actriz SONDRA LOCKE, quien sería su pareja (una relación no exenta de polémica, para empezar porque ambos tenían sus respectivos matrimonios) y con la que trabajaría en hasta seis películas. Locke estuvo en el casting pero, a pesar de su aspecto, era demasiado mayor para el papel.
- El director dio a Kay Lenz poder sobre sus propias escenas sin ropa, en el sentido de que ninguna escena con la que ella no estuviese cómoda pasaría el corte.
- La ya mencionada Jo Heims escribió el guion y quería a Eastwood en el papel de Harmon, pero éste declinó por considerarse demasiado joven para el papel. Así que se eligió a Holden y Clint se dedicaría a dirigir, y se cuenta que el primero llegó a comentar al director que él había sido esa persona, por Harmon, a lo que Eastwood contestó que se lo imaginaba.
- Clint aparece en la película, sin acreditar, estando apoyado en una barandilla mientras la pareja protagonista pasa por detrás de él.
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| Breezy y Harmon |
La peli fue más exitosa a nivel comercial que la primera de la saga, aunque la crítica no fue tan benévola. Me cuesta ubicar distinguir las cinco películas de Harry Callahan, más allá de la primera y la última, que tengo bien claro cuáles son, y por esta razón no recordaba de qué iba Magnum Force (obvia referencia al arma del protagonista) hasta que he visto la imagen de los policías en moto. Con esto en mente puedo decir que me gustó, y es que no pido ni espero demasiadas exquisiteces en una película de acción protagonizada por Eastwood. Como ya dije, esto solo ya es bastante aliciente. De hecho, con respecto a esta simpleza, algún crítico dijo que Clint no era mal actor, ya que para que alguien pueda ser considerado malo en algo, primero ha de desempeñar ese algo, y Clint no lo hacía en esta peli.
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| No te puedes fiar de nadie |
Tras la polémica suscitada por Harry El Sucio, se quiso mostrar aquí un Callahan quizás no tan malo. Se abandona la idea del Harry vigilante y, de hecho, hay policías peores que él. Hasta hubo una lógica sorpresa debido a la idea (del propio Eastwood, tras un aluvión de cartas que él mismo recibió por parte de mujeres que pedían que hubiese una mujer en la película que persiguiese a Callahan) de que alguien tan asocial y solitario como Harry se asociase con una mujer (SUNNY, interpretada por ADELE YOSHIOKA). Hasta ahí, todo bien. Pero por otro lado estuvo el conflicto moral que destacaron ciertos críticos, al señalar que este nuevo y más moderado Callahan, que persigue vigilantes en vez de ser él uno de ellos, resulta poco creíble cuando él mismo se dedica constantemente a empuñar su arma como si fuese una extensión de su miembro. Más de lo mismo, en definitiva. Al final, Callahan puede ser un poli de gatillo fácil, pero se encarga de acabar con los malos (sean cuales sean sus inclinaciones políticas), ya que dispara a quien tiene que disparar. Otra cosa es decidir si algo así es siempre la decisión más ética.
La película, además, motivó que Eastwood y Post no acabasen bien. El segundo podía ser el director del film pero Eastwood, a su manera, también movía los hilos, y eso llevó a varias disputas. Clint quería las cosas lo más naturales posibles y eso llevó a que el director considerase algunas decisiones de éste como fruto de la ignorancia y de un ego desmedido. JOHN MILIUS, guionista y director, que había escrito la primera película, tampoco acabó contento y dijo que de todos los trabajos en los que había estado implicado éste era el que menos le gustaba, por cómo se había variado su guion, además de no ver con buenos ojos lo de la compañera de Callahan.
Para colmo, en 1974 hubo un crimen relacionado con una escena de la película, lo que supuso publicidad negativa, aunque los criminales acabarían diciendo que de no haber visto la peli y pensar en cierto método para sus acciones, hubiesen usado otro que hubiesen visto en otra película.
*El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero.
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| Un nuevo y más sensato Callahan? No lo parece |
En 1974 el actor se puso bajo las órdenes (aunque por lo visto, y como ya había comentado Ted Post acerca de Magnum Force, la figura de Eastwood no era fácil de pasar por alto) del novel director MICHAEL CIMINO, quien ya había participado en el guion de Magnum Force (y pocos años después dirigiría la brutal THE DEER HUNTER, conocida en España como EL CAZADOR), en THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT (UN BOTÍN DE 500000 DÓLARES), una gran película que tocó varios géneros y en la que Eastwood daba vida a un veterano ladrón (THUNDERBOLT) que se juntaba con un joven estafador llamado LIGHTFOOT. En ella se vio acompañado por el joven y emergente actor, muy pronto convertido en prodigio interpretativo, JEFF BRIDGES, simplemente uno de los mejores actores de todos los tiempos. Otras caras conocidas que aparecieron en el film fueron las de GEOFFREY LEWIS y BILL MCKINNEY, que trabajarían de una manera u otra en varias películas de Eastwood, un joven GARY BUSEY (el malote matón de la primera entrega de Arma Letal) y sobre todo el legendario y oscarizado actor GEORGE KENNEDY.
La muy famosa y exitosa (algo difícil de entender en mi opinión) película EASY RIDER, estrenada en 1969 y dirigida por DENNIS HOPPER, había popularizado mucho las llamadas road movies o buddy movies, aquellas en las que la acción se desarrolla a lo largo de un viaje, con especial atención en la relación entre los protagonistas. Clint tenía ganas de hacer una y como este guion le había gustado mucho quería dirigirlo él, aunque acabó dando la dirección a Cimino, que debutaría como director con esta cinta y que después agradecería a Eastwood el detalle afirmando que de no haber sido por él, nunca hubiese tenido una carrera en el cine. De todas formas, y como he dicho arriba, a pesar de no dirigir la opinión de Eastwood contó. Y mucho. Ya era conocida su sobriedad a la hora de trabajar y su poca afición por rodar excesivas tomas, favoreciendo así una mayor espontaneidad. Así, si un entusiasta Bridges se dirigía a Cimino con la idea de hacer otra toma, éste le derivaba a Eastwood, quien daría o no el visto bueno al respecto.
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| Eastwood y Bridges preparando un nuevo golpe |
El film, aparte de los varios palos que toca, explora el tema de la camaradería entre dos hombres, y hubo quien aludió a cierto tipo de homosexualidad latente dentro de la amistad masculina. Hace bastantes años que vi la película y no recuerdo nada al respecto, o al menos no como algo evidente, más allá de ver a Bridges vestido de mujer, si es que eso tiene algo que ver. Y de hecho, también llegó a describirse esta cinta como homófoba. Sí que me parece recordar, ya que del final no me acuerdo, que había cierto giro inesperado o algo que dejase mal cuerpo.
Esta película fue un éxito moderado y las críticas en general fueron buenas (Cimino incluso logró ser tanteado para rodar la ya mencionada El Cazador, un peliculón de primer orden), incluso para la interpretación de Clint. Aunque nada parecido a los elogios que se llevó Bridges por la suya, que incluso le llevó a estar nominado al Óscar como mejor actor secundario. Parece ser que esto le supuso un buen rebote a Eastwood, al sentirse de alguna manera eclipsado por el joven actor (a la larga un actor de más prestigio), ya que sentía que él también merecía ese tipo de reconocimiento en este sentido. Entre unas cosas y otras juró no volver a trabajar con United Artists, a quienes acusaba de una promoción muy mejorable.
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| Sin comentarios |
El proyecto era, en un principio ajeno al entorno de Eastwood y contaba con Paul Newman como protagonista, quien se acabó bajando del mismo debido a su decepción con el guion y a la naturaleza violenta de la historia. Es entonces (finales de 1973) cuando Clint es tanteado y, a pesar de no estar interesado en el tema del espionaje y encontrar defectuoso el guion, aceptó por ver aquí una oportunidad de finalizar su relación contractual con Universal (descontento como estaba, otra vez, por la escasa promoción que habían recibido Escalofrío En La Noche y Primavera En Otoño, además de por la poca que recibiría esta peli) y así poder unirse a Warner Bros. (esta relación aún dura), y también por la oportunidad de poder trabajar en Suiza aislado de todo y con poca gente. El actor pidió retocar el guion y confió en que todo lo relacionado con la escalada y las imponentes localizaciones compensasen los defectos del mismo, y es que el quería rodar todo en los sitios escogidos y no en un plató, y en lo que a él se refería, sin doble (a pesar de la desaprobación de expertos y colegas de rodaje). Poco después se acordó que él dirigiese la película también.
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| Listo para la acción |
Es fácil imaginar que un rodaje de estas características supuso bastantes más dificultades de las habituales. Y peor aún. Para empezar, Clint, con sus cuarenta y cuatro años y casi nula experiencia en escalada, tuvo que entrenar seriamente para de verdad rodar él mismo sus propias escenas. Pero lo de Suiza fue otro nivel, uno para el que hubo que rodearse de expertos, ya que la cara norte del Eiger se acerca a los cuatro mil metros de altura y es conocida como el muro asesino, habiéndose cobrado la vida de unos cuantos montañeros. Y por desgracia, se cobraría una más en este rodaje, la de un escalador llamado DAVID KNOWLES, a quien le caería una roca encima tras una filmación. Eastwood procedió a cancelarlo todo pero fue persuadido por los demás escaladores, conscientes de los riesgos de su oficio y para que la muerte de Knowles no fuese en vano.
Aparte de eso, también se rodaron escenas en pleno Zurich y en Estados Unidos, incluyendo el famoso MONUMENT VALLEY (donde JOHN FORD rodó varios de sus westerns), para una escena en la cima del pilar conocido como TOTEM POLE, donde los protagonistas de la película hacían prácticas.
El éxito comercial de la película fue moderado y la crítica, en general, elogio la acción y las difíciles escenas de escalada pero señaló fallos en la historia, aunque también se preocupó de destacar que lo primero compensaba lo segundo. La peli ha ido mejorando su reputación con el paso del tiempo. Yo creo que es bastante entretenida y, además de unas escenas de alpinismo de bastante vértigo, incluye secuencias de espionaje en Zúrich que molan. Eso sí, recuerdo con bastante claridad una escena que me hace especial gracia, porque de rodarse algo así hoy en día se organizaría un follón de proporciones épicas. En ella, un agotado Clint le dice a Kennedy, durante una práctica para ponerse en forma de cara a la misión, que no puede más, que ya es suficiente. Y lo que hace Kennedy es decirle que va a darle motivos para seguir adelante, apareciendo en lo alto de la colina a escalar, una chica bastante llamativa con pinta de ser india nativa, que sin decir nada se desnuda de cintura para arriba. Ni que decir tiene que, al verla, Clint salió corriendo colina arriba como si fuese lo último que fuese a hacer en su vida. La actriz era (es) BRENDA VENUS. Hubo también críticas por el hecho de que los malos fuesen un homosexual y un discapacitado. Clint arreglándoselas para dar que hablar, una vez más.
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| Hemlock y Bowman (Kennedy) pensando cómo motivarse |
La siguiente película en la lista, THE OUTLAW JOSEY WALES (EL FUERA DE LA LEY), estrenada en 1976, fue otro western revisionista y se basó nuevamente en una novela, volviendo a tener a Eastwood delante y detrás de la cámara. El libro en cuestión era THE REBEL OUTLAW (JOSEY WALES), publicado en 1972 y escrito por FORREST CARTER, alias de ASA EARL CARTER, un ex activista favorable al segregacionismo y relacionado con el infame KU KLUX KLAN. Una joya, vamos, pero su verdadera identidad no se supo hasta pasados unos años, tras el éxito de novela y film.
En la cinta, Clint interpreta a Wales, quien buscando venganza tras el asesinato de su familia por soldados del Norte durante la Guerra De Secesión, se une a la guerrilla confederada. Le acompañan la ya mencionada Sondra Locke (en su primera película con él y dando vida a un personaje diez años más joven que ella), nuevamente Bill McKinney, JOHN VERNON y RICHARD FANSWORTH, entre otros. También apareció DAN GEORGE, un polifacético jefe indio que, entre otras cosas, también actuaba.
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| Lone Watie (George) y Wales |
Película muy entretenida (y cómo no, violenta), exitosa a nivel comercial y bien recibida por la crítica (que veía en el papel de Eastwood similitudes con el Hombre Sin Nombre). Hay que tener en cuenta que en la década de los setenta el género western estaba bastante de capa caída. El propio actor considera esta película uno de los puntos álgidos de su carrera, al menos en lo relativo a su trabajo dentro de este género. Momentos míticos como éste de aquí abajo así lo atestiguan.
Pero como es habitual tratándose de Clint, la cinta no quedó exenta de polémica, y en este caso se trató de algo que incluso supuso un punto de inflexión en la industria. Por lo visto, y como había pasado en otros casos, él no era la persona que en un principio iba a dirigir el film, sino que esta tarea iba a estar en manos del famoso guionista y director PHILIP KAUFMAN. Pero esta persona chocó con el actor, primero por considerar que, si bien el estilo del libro debía mantenerse, había que rebajar ciertas cosas del mismo ya que dicho libro lo había escrito un fascista (por lo visto, el mundo en general aún no conocía la verdadera identidad del escritor, pero el set sí; de lo contrario, esto no tendría sentido, ya que dicha identidad supuestamente se hizo pública algún tiempo después). Clint, como productor, se negó. Incluso mandó rodar alguna cosa estando el director ausente. Pero sobre todo estuvo el hecho de que a ambos les molase Locke, con los consiguientes celos de Kaufman al empezar Eastwood una relación con ella.
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| Eastwood y Locke en el rodaje |
Todo resultó en el despido de Kaufmann, lo que generó una gran polvareda en el seno del sindicato de directores, ya que éste había trabajado duro en la película. Cuando Eastwood y Warner rechazaron echarse atrás se les puso una multa y el anterior sindicato creó la norma Eastwood, según la cual un actor o productor no podría despedir al director de una película para sustituirlo en dicha tarea (lo que no sé es si de ninguna manera, o sólo con el riesgo de una fuerte multa). Eso sí, esta peli la terminó dirigiendo Clint.
Años más tarde, Eastwood reflexionaba acerca de la guerra en relación con esta película, diciendo que patética como es, aún así la guerra sirve de unión entre países y dispara la creatividad del hombre (en lo relativo al armamento, etc), aunque admitía que ésa era una afirmación que decía muy poco de la humanidad.
Como curiosidad, comentar que el afamado cantante americano JON BON JOVI, vocalista del exitoso grupo de rock duro (al menos en su día) BON JOVI, debutó en solitario en 1990 con un disco llamado BLAZE OF GLORY, que a su vez servía como banda sonora para la película ARMA JOVEN II (INTREPIDOS FORAJIDOS) (YOUNG GUNS II, dirigida por GEOFF MURPHY en 1990). En dicho álbum se incluía una canción llamada DYING AIN'T MUCH OF A LIVIN', que, a pesar de no tener relación con la película de Eastwood, dada su letra, su nombre sí que se inspiró en la frase que Clint pronuncia en la misma Y es que hubiese sido demasiada casualidad que algo tan peculiar hubiese surgido casualmente.
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| El actor caracterizado como Josey Wales, personificando el terror de los directores desobedientes |
Aparte de algún que otro papel, Eastwood rechazó protagonizar APOCALYPSE NOW, de FRANCIS FORD COPPOLA, nada menos (su papel lo terminó interpretando MARTIN SHEEN y el famoso film se estrenó en 1979, siendo su rodaje una verdadera odisea) por no apetecerle pasar varias semanas trabajando en Filipinas. En vez de eso, lo siguiente para él fue THE ENFORCER (HARRY EL EJECUTOR), tercer capítulo de la saga de Harry Callahan, estrenado en 1976. A juzgar por los resultados, ésta no fue una mala decisión, ya que la película se convirtió en la más exitosa (comercialmente hablando) del actor hasta la fecha.
La dirigió JAMES FARGO y en ella, Callahan y su compañera KATE MOORE (TYNE DALY), se las tenían que ver con un grupo terrorista llamado PRSF (PEOPLE'S REVOLUTIONARY STRIKE FORCE), que guardaba similitudes con la organización terrorista de extrema izquierda conocida como EJÉRCITO SIMBIONÉS DE LIBERACIÓN. JOHN MITCHUM (hermano del mítico ROBERT), quien ya había trabajado en otras pelis de Eastwood, incluida la anterior, repetía por tercera y última vez como el inspector FRANK DIGIORGIO. La intención de Eastwood era dirigir él, tras haber chocado con Ted Post en el capítulo previo de esta saga, y después de la polémica anterior con Kaufman, pero precisamente por esto último se quedó sin tiempo y Fargo, habitual ayudante de Clint, pudo debutar como director. Como siempre, Clint tuvo la última palabra en según qué decisiones pero la relación más estrecha entre ambos personajes supuso que no hubiese problemas.
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| Eastwood en la imagen habitual del cartel de la película |
Curiosamente, si bien me vienen a la cabeza ciertos flashes de la película al escribir acerca de un grupo terrorista, lo que más recuerdo de la que puede que sea la peli más floja de la saga, es el papel de Daly y la reacción de Callahan con respecto a su compañera de trabajo. Parece ser que no soy el único, ya que las mejores críticas de la película fueron para ella, incluso elogiando que Eastwood dejase su ego a un lado para dar paso a un personaje así. El actor, por su parte, fue nominado a peor actor del año por una publicación humorística y la crítica, que fue bastante tibia con esta cinta, hablaba de señales de fatiga en el personaje, además de criticar que el guion hubiese abandonado la indignación que guiaba los actos de Callahan para centrarse, simplemente, en el caos que éste genera. Así que ninguna sorpresa si vuelvo a señalar que el tema de la violencia destacó una vez más. También se señaló la ausencia de villanos más creíbles, como lo había sido Scorpio en la primera entrega.
Como curiosidades, hay que destacar que el guion (con sus cambios, por supuesto, ya que Eastwood pensaba que se excedía con el diálogo y la relación entre los dos protagonistas, en detrimento de la acción) fue inicialmente escrito por dos estudiantes de cine que se las arreglaron para que llegase al actor, y Daly rechazó hasta tres veces el papel antes de aceptar, por no estar contenta con cómo se trataba a su personaje en ciertas secuencias y no estar segura de su relación con Callahan (al final se le dio potestad en cuanto al desarrollo de su personaje, pero igualmente terminó horrorizada con respecto a los niveles de violencia).
Además, Eastwood tenía intención de que esta película (que inicialmente se iba a llamar DIRTY HARRY III) fuese la última de una trilogía, y esta entrega fue la única de la saga Callahan en la que la música no fue compuesta por LALO SCHIFRIN, yendo a parar esta tarea a JERRY FIELDING.
*El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero.
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| La relación entre Moore y Callahan y algo más de humor en los diálogos es lo más recordado de El Ejecutor |
Clint volvió a la dirección con THE GAUNTLET (RUTA SUICIDA), su único trabajo estrenado en 1977. En él, Eastwood interpreta a BEN SHOCKLEY, un policía pasado de rosca que ha de escoltar a una prostituta (GUS MALLY, interpretada por Sondra Locke) para que ésta pueda testificar contra la mafia. Película de acción violenta (empieza a ser innecesario señalar esto) y entretenida, pero poco más. La recuerdo como un buen ejemplo de lo que comenté en su momento acerca de ciertas películas que parecen terminar de forma bastante abrupta, y es posible que, de todos los filmes comentados hasta aquí, éste sea (junto con Dos Mulas Y Una Mujer) de los más olvidables si me fío de mi memoria. Es como una completamente desquiciada cuarta entrega de Harry Callahan, pero peor y sin este personaje. Hasta el cartel de la película, con estética de cómic, se pasó de frenada, mostrando a un musculoso Eastwood con pinta de estar sobreviviendo a algún tipo de apocalipsis.
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| Clint y Locke, héroes de cómic |
No mucho más que decir, la verdad. A la gente le gustó y tuvo un cierto éxito, pero otro tema fueron las críticas artísticas. Las mejores destacaban la acción y el puro entretenimiento (fast, furious and funny) que proporcionaba la peli, pero señalando que no había mucho seso en ella. No te la crees pero lo pasas bien con ella.
Señalar que MARLON BRANDO y BARBRA STREISAND fueron los actores que iban a a protagonizar la cinta en primer lugar. Sí, a mi tampoco me suena bien. Brando se bajó y fue sustituido por Steve McQueen, quien no se llevó bien con Streisand y esto llevó a que ambos dejasen el film, lo que motivó que el proyecto llegase a manos de Eastwood.
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| A la carrera |
Eastwood aparcó un par de años su carrera como director y lo siguiente para él fue hacer de PHILO BEDDOE en EVERY WHICH WAY BUT LOOSE (DURO DE PELAR, 1978) la primera de las dos famosas comedias en las que se acompañó del famoso orangután CLYDE (que en realidad se llamaba MANIS). James Fargo volvió a dirigir y en la cinta se cuenta la historia del mencionado personaje, un camionero que vaga por el oeste americano (el film recorre escenarios rurales y describe a su manera las costumbres típicas de la clase trabajadora de la época) junto a su hermano (y la novia de éste) y el mono anterior en busca de una antigua novia (Locke), mientras participa en peleas y se encuentra con todo tipo de personajes varios, a cada cual más cómico. Vuelven a aparecer actores típicos de las pelis de Eastwood en estos años, como los ya nombrados Geoffrey Lewis y Bill McKinney.
Parece ser que, de manera inesperada, Eastwood se encaprichó con el proyecto y quiso protagonizarlo, en contra del consejo generalizado de su entorno, para ampliar así su tirón con el público y que se le viese de otra manera. La crítica despedazó la cinta y no sólo eso, si no que pareció esforzarse en encontrar nuevas formas, a cada cual más hilarante, de destrozar al actor. De esta manera, se comentó que se podía perdonar al orangután, ya que él no podía leer el guion, pero cuál era la excusa de Eastwood? También, que parecía que el actor parecía estar usando esta peli sólo para averiguar cómo de mala podía llegar a ser una película con la que él estuviese relacionado. Y una de mis preferidas: que alguien con su poder decidiese llenar de basura la pantalla de esa manera sólo podía significar, o bien auténtico desprecio por su audiencia, o un completo acto de masoquismo.,
Pero, cosas que pasan, a la gente le encantó y la peli triunfó por todo lo alto. Tanto, que se convirtió en el mayor éxito comercial de Clint hasta ese momento. Uno puede imaginarse perfectamente al actor mientras se descojona (si es que Eastwood es capaz de emitir una carcajada) de la crítica tras este sorprendente desarrollo de los acontecimientos.
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| Pareja de éxito y amigos para siempre |
Y aún hay más. El rotundo éxito traería una lógica secuela poco después, que yo creo que es mejor que ésta. Pero Duro De Pelar es entretenida, aunque sólo sea por lo absurdo del contexto y las situaciones, y por el cambio de registro. Y no es que Clint no hubiese flirteado con la comedia de una manera u otra antes, pero es que aquí tiene a un mono de colega! Con respecto al orangután Manis, Eastwood dijo que era un actor de lo más natural, pero había que rodar sus partes rápido porque se aburría pronto.
Hay algo que comentar con respecto a Sondra Locke (entonces pareja del actor) y esta película, pero creo que lo dejaré para más adelante ya que la relación de la actriz con Eastwood fue polémica.
Destacar el tronchante papel del actor JOHN QUADE como CHOLLA, líder de la banda de moteros THE BLACK WIDOWS, que tiene a Beddoe en el punto de mira por las continuas afrentas de éste. De hecho, mejor destacar a la banda al completo. También que ECHO, la novia de ORVILLE (hermano de Beddoe), fue interpretada por una joven BEVERLY D'ANGELO, actriz de larga trayectoria que quizás sea más conocida para el gran público por interpretar años después a la sufrida madre de EDWARD NORTON en la brutal AMERICAN HISTORY X (TONY KAYE, 1998).
Hay una canción en la banda sonora que se llama igual que la peli, pero la frase viene, en realidad, de un diálogo de SMOKEY AND THE BANDIT (LOS CARADURAS, de HAL NEEDHAM), una cinta del estilo protagonizada el año antes por BURT REYNOLDS, quien pronto iba a cruzarse con Eastwood. PHIL EVERLY, mitad del famoso dúo THE EVERLY BROTHERS, aparece cantando en la película, aunque sin acreditar.
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| Los cuatro magníficos: Echo, Orville, Clyde y Philo recorren el Oeste |
Las últimas cintas de Eastwood tras El Fuera De La Ley habían tenido éxito pero no habían sido favoritas de la crítica, artísticamente hablando, aunque esto iba a cambiar en 1979 gracias a la última colaboración entre Clint y Don Siegel, la genial ESCAPE FROM ALCATRAZ (FUGA DE ALCATRAZ). Esta cinta está basada en el libro de igual nombre de 1963 (escrito por J. CAMPBELL BRUCE), que contaba la historia real, acontecida en 1962, de los reclusos FRANK MORRIS (a quien da vida Eastwood) y JOHN y CLARENCE ANGLIN, y su intento por escapar de la afamada prisión. Este hecho motivó el cierre de la prisión en 1963 y actualmente se usa como museo. Los colegas de Morris son interpretados por FRED WARD y JACK THIBEAU respectivamente, y como dato curioso esta peli supuso el debut del actor DANNY GLOVER, quien poco después se haría muy famoso como compañero de Mel Gibson en la ya mencionada Arma Letal. Y hay otra cosa relacionada con Gibson, ya que el alcaide de Alcatraz fue interpretado por PATRICK MCGOOHAN, el sádico rey inglés EDUARDO I, antagonista del propio Gibson en BRAVEHEART (Mel Gibson, 1995). Como se puede ver, hay muchas curiosidades relacionadas con los tándems Siegel-Eastwood y Donner-Gibson.
La prisión de máxima seguridad de Alcatraz, como todo el mundo sabe, estaba (está) en la isla de igual nombre, y fue considerada una de las más famosas y seguras del mundo, debido a la casi absoluta imposibilidad de fuga. Y es que dicha isla está en la bahía de San Francisco, a unos dos kilómetros de la costa, a lo que se unen la fría temperatura del agua y las fuertes corrientes. Todo esto supuso que en su día se especulase con el grado de certeza del hecho histórico en el que se basa la cinta, y ésta juega con ciertas hipótesis de cara al espectador, por lo que es mejor no decir mucho más. También hay alguna incorrección en los diálogos, con respecto a algún personaje histórico que pasó por la prisión real.
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| Isla De Alcatraz, hogar de la famosa prisión |
Como nota negativa del film hay que decir que, con motivo de éste, hubo una discusión entre Eastwood y Siegel (por temas relacionados con la producción y los derechos), y si bien se llegó a los acuerdos necesarios para llevar a buen puerto el proyecto, ambos no volverían a trabajar juntos. Siegel trabajaría en dos películas más después de ésta, y fallecería en 1991.
Esta vez la crítica sí fue favorable, con la película y también con un convincente Eastwood (ya se sabe, personaje de pocas palabras que hace más que dice), y además, aunque lejos de las cifras de Duro De Pelar, fue un éxito comercial. La peli es muy buena y está considerada una de las mejores cintas carcelarias de siempre. Se trata éste de un género bastante duro con lo que no faltan momentos violentos y mucha tensión. E incluso hubo una escena que se correspondió con un desagradable hecho real acontecido en los años treinta: un recluso se amputó varios dedos para llamar la atención y ser transferido a otra prisión.
Eso sí, hubo que trabajar seriamente en ella ya que la prisión llevaba unos años en desuso. La cárcel había tenido su propia central eléctrica, pero ya no funcionaba, por lo que hubo que tirar kilómetros de cable para conectar con la electricidad de San Francisco, además de gastar mucho dinero para acondicionar la prisión.
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| Morris poniéndose en forma para escapar |
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| Pero primero hay que pensar cómo llevar a cabo el plan |
Cambio de década y Clint vuelve a ponerse detrás de la cámara para dirigir BRONCO BILLY (1980), una simpática película acerca de un circo itinerante sobre el Wild West que él mismo protagonizaría (dando vida al protagonista, BRONCO BILLY MCCOY), junto a, nuevamente, habituales como Locke, Lewis o McKinney. Se trata de una peli menor en su filmografía, pero en mi opinión bastante entretenida y lograda. Típico cine de sobremesa sin muchas pretensiones en el que se mezclan algo de acción, comedia y drama. El propio protagonista dijo al respecto que Bronco Billy fue una de las pelis más satisfactorias de su carrera ya que, a pesar de no funcionar muy bien en taquilla, el rodaje fue cómodo (como otras veces ahorrando tiempo y presupuesto) y transmitió bien una serie de cosas que siempre quiso decir como cineasta. Además, Clint cantó en la banda sonora.
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| Eastwood y Locke, una vez más |
Al contrario que en otras ocasiones, el triunfo comercial fue bastante limitado, pero a la crítica le gustó la cinta, alabando la capacidad de Eastwood para juntar el pasado y el presente del Oeste americano, y también las referencias a sí mismo que se podían encontrar en el personaje central.
Muchos años más tarde, en 2019, se hizo un musical para el teatro basado en esta película.
*El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero.
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| Eastwood junto a un cartel del film |
Ese mismo año 1980, y a tiempo para ser estrenada en Navidad y reventar nuevamente la taquilla (batiendo algún que otro récord), llegó la secuela de Duro De Pelar, llamada ANY WHICH WAY YOU CAN (LA GRAN PELEA) y dirigida por BUDDY VAN HORN, con quien Eastwood volvería a trabajar en el futuro. Repiten la mayoría de peculiares personajes de la primera entrega, sobre todo Clyde, esta vez interpretado por otros dos orangutanes, BUDDHA y C.J. (Clyde Junior), ya que Manis había crecido mucho y tras llegar a una edad estos animales no son tan dóciles, y Cholla (junto a sus ridículas VIUDAS NEGRAS), además de unirse el actor WILLIAM SMITH, interpretando a JACK WILSON, antagonista de Beddoe y por quien éste volverá a las peleas a puño limpio.
No hay mucho que decir, ya que el resultado es parecido al de la primera película: mucho éxito y poca aclamación crítica, aunque esta vez no se le da más vueltas al asunto y se habla de entretenimiento y ya está. Mejor incluso que la anterior, y así pienso yo.
La canción interpretada por GLEN CAMPBELL, de igual nombre que la película y que aparece en la banda sonora de la misma, fue un éxito en las listas country. Eastwood volvió a cantar un tema en dicho disco, y también hizo lo suyo Sondra Locke.
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| Clyde, el tercer hermano |
Hubo controversia con respecto a los orangutanes y el rodaje, a pesar de que no parece estar el tema del todo claro, y es que la famosa zoóloga JANE GOODALL (junto a un tal DALE PETERSON) publicó en 1993 un libro llamado VISIONS OF CALIBAN, en el que se contaba que Buddha había fallecido a consecuencia del maltrato provocado por su entrenador, y C.J. sólo había aparecido para hacer publicidad de la película, una vez terminada ésta, debido a la muerte de Buddha. Al principio se pensó que esta información se refería a Manis y no a Buddha, pero no. De todas formas, y como ya he dicho, algún miembro del rodaje negó estos hechos. No me consta ningún comentario de Eastwood sobre este tema.
Lo curioso es que Goodall y Clint parecen ser muy amigos y hace bien poco (el pasado veinticuatro de Marzo) aparecieron juntos en un evento.
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| Te tienes que reír... |
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| Goodall y Clint, juntos en un evento medioambiental |
Por primera vez desde principios de los sesenta, y casi desde que había empezado su carrera como actor de poca monta a mitad de los cincuenta, un año entero (1981, en este caso) pasó sin que hubiese nada de Clint Eastwood en cartel. Hubo que esperar a 1982, año en el que se estrenaron FIREFOX (FIREFOX: EL ARMA DEFINITIVA) y HONKYTONK MAN (EL AVENTURERO DE MEDIANOCHE), para ver sus dos siguientes trabajos (ambos como actor y director y bastante dispares entre ellos).
A pesar de haberse terminado antes, Firefox se estrenó después de El Aventurero De Medianoche (siempre he pensado que los títulos originales de las películas no deberían traducirse si no se va a decir lo mismo que dice el original, y éste es un buen ejemplo). Se basó en una novela de 1977 de igual nombre, escrita por CRAIG THOMAS, y en ella Eastwood interpreta a MITCHELL GRANT, un veterano de Vietnam metido en una misión para robar a los rusos el avión que da nombre a la cinta, durante la Guerra Fría.
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| Otro cartel pasado de revoluciones |
No hay mucho que decir sobre esta peli, ya que ofrece muy poco a pesar de su abultado presupuesto (para la época, claro está, y empleado en novedosas técnicas de fotografía y efectos especiales, más que en perfeccionar la historia, por lo que se ve), el mayor del que había dispuesto Eastwood hasta la época. Por no ofrecer, ni siquiera ofrece un compañero de reparto que sea relativamente conocido o un poco memorable.
Las críticas no fueron muy buenas y hay una que me gusta y que resume bastante bien la mayoría de las demás: ve el tráiler, lee el libro, juega al videojuego (hubo uno también) y evita la peli. O nunca antes el Eastwood director había hecho tan flaco favor al Eastwood actor. Una cinta muy larga en la que todo parece inverosímil, pero aún así sabes el final. Yo la recuerdo algo claustrofóbica, muy oscura. Y poco más. De hecho es el único producto relacionado con Clint, desde aquellos de los años cincuenta en los que casi ni aparecía, en no llegar al seis de nota en IMDB hasta ese momento. Olvidable, la verdad.
Como curiosidad hay que comentar, aparte de lo del videojuego, que la acción se desarrolla en la Guerra Fría, y la cinta se rodó aún en dicha guerra, por lo que no se pudo rodar en Rusia, como era de esperar, y se escogió Austria para lo relativo a la Europa más oriental.
Esta peli supuso el debut del Eastwood productor, ya por fin acreditado.
* El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero.
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| Mitchell Grant |
Mucho mejor, aunque lejos de sus mejores trabajos, es El Aventurero De Medianoche, un film mucho más acorde con la imagen habitual del actor, quien por supuesto podía ser considerado mayormente como un intérprete de películas de acción, pero estas pelis solían tener los pies mucho más en la tierra (y no me refiero a pilotar un avión, si no al toque futurista y de ciencia ficción de Firefox). En ese sentido, el papel de RED STOVALL, un amargado y enfermo cantante (ligeramente basado en el músico JIMMIE RODGERS) que recorre (otra vez) el Oeste americano en busca de su gran momento, le va a Eastwood como anillo al dedo. Como si fuese un cowboy moderno (la acción discurre en los años treinta, durante la GRAN DEPRESIÓN) con una guitarra en vez de un arma. Le acompaña su sobrino, interpretado por su hijo en la vida real KYLE (un prestigioso músico de jazz y compositor de bandas sonoras), y también destaca la aparición de VERNA BLOOM, quien ya había aparecido en Infierno De Cobardes.
Este film también se basó en un libro, también de igual título, escrito por CLANCY CARLILE y publicado en 1980.
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| Stovall ante el micrófono |
Buena peli, de perfil bastante bajo, con sus momentos para sonreír y la incomodidad que supone saber lo inevitable. La peli tuvo muy escaso éxito, siendo la que menos recaudó en su primer fin de semana en la carrera de Clint y en general su peor peli, comercialmente hablando, en más de una década. A cambio, la crítica la ha tratado bastante bien y, por alguna extraña razón, en Francia tuvo una recepción positiva (al igual que había pasado con El Seductor), siendo comparada con THE GRAPES OF WRATH (LAS UVAS DE LA IRA, 1940), de JOHN FORD. Aún no he visto esta película y tendré que hacerlo para averiguar en qué se basa dicha comparación, aunque supongo que se referirá a la época y quizás ciertos temas, y no al todo en general, ya que esta peli está considerada un clásico absoluto, algo muy alejado del modesto estatus de la cinta de Eastwood.
Clint cantaba en la película y también apareció en el disco de la banda sonora.
Señalar que también hubo un papel para la joven y prometedora actriz ALEXA KENIN, quien desgraciadamente fallecería poco después. La famosa película PRETTY IN PINK (LA CHICA DE ROSA, 1986), dirigida por HOWARD DEUTCH y prototípica del cine de adolescentes de los ochenta, fue uno de sus últimos papeles, y se estrenó, con dedicatoria hacia ella, poco después de su muerte.
*El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero.
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| Clint junto a su hijo Kyle. Creo que la niña de la derecha es su hija Alison, hermana pequeña de Kyle, y a la izquierda aparece Alexa Kenin |
En 1983 se estrenó SUDDEN IMPACT (IMPACTO SÚBITO), cuarta entrega de la saga de Harry Callahan y única dirigida por Eastwood. También sería la última vez que él y Locke compartiesen pantalla y la última película de ella que pudiese verse en salas de cine. La trama narra la venganza por parte de una mujer que había sido sometida a una violación múltiple años atrás, y esta historia había nacido en su día con la idea de que fuese el epicentro de una película protagonizada por Sondra Locke, sin que tuviese nada que ver con esta saga.
Otro pelotazo en taquilla y más críticas en general no demasiado entusiastas. Se habla de una película que está lejos de ser la mejor de la saga y yo no sabría que decir. Tendría que verlas todas de nuevo para poder opinar mejor. Yo la recuerdo bastante bien, ofreciendo lo que cualquier seguidor de la saga sin mucha idea de cinematografía y que no sea tan ridículo y rebuscado como son algunos críticos pueda esperar: acción, violencia (dicen que la más violenta de la saga) y algún que otro detalle por parte de Callahan del que puedas hablar durante décadas.
Pero hubo para todo. Buenas dotes de Eastwood en la dirección de una peli muy por debajo de las mismas, se sigue echando de menos un villano como Scorpio, se habla de falta de una línea temporal coherente (ya que ésta tiene muchos saltos), Callahan parece estar siempre en el sitio correcto y, de paso, se acusó a la peli de racista, debido a que Harry tiene un colega negro y éste apenas sale. Pero, por otro lado, hubo buenos comentarios desde sectores feministas (esto sí que es algo que no se veía venir) gracias al estudio que hace la peli acerca de las consecuencias de una violación. Clint Eastwood, y más aún Harry Callahan, siendo aplaudidos por el feminismo. Curioso como poco.
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| Alguien va a salir de aquí con una cara nueva |
Y curioso también es ver el choque entre Harry, un policía que, si bien no va contra la ley (obviamente), no duda en aplicarla como haga falta, aún pasándose ciertos derechos civiles por el arco del triunfo (lo que ha valido a la saga el tan habitual apelativo de fascista), y alguien que básicamente hace lo mismo que él pero sin poder hacerlo, al no ser un policía. Callahan tampoco puede, claro está, ya que él es un policía y no un vengador, pero ya se sabe lo que hay.
Sondra Locke, una mujer con un aspecto mucho más joven de lo que indicaba su edad, pudo interpretar papeles de mujeres bastante más jóvenes de lo que ella era en realidad, y en este film hubo varias cosas llamativas al respecto, siendo ella mayor (y sobradamente) que unos cuantos personajes que en la trama son mayores que su personaje, llegando a darse una escena en la que un señor la trata de niña, siendo ella sólo siete años más joven que ese actor en la vida real.
Pero cualquier cosa que se comente de esta cinta palidece al lado del hecho de que ésta fue la peli de la saga (lo digo porque existe la idea bastante extendida de que esto pasaba en Harry El Sucio y no es así) en la que Callahan dejaba, bastante al principio de la trama, la legendaria frase Go ahead, make my day, atribuida al antes mencionado John Milius (sin crédito en la película), a CHARLES B. PIERCE (quien escribió la historia) y a JOSEPH STINSON (guionista), pero sin que quede claro a quién de los tres se le ocurrió exactamente. Para que nos entendamos mejor, lo que en España se tradujo como Anda, alégrame el día. La frase se sitúa durante un atraco en el lugar donde Harry siempre toma café. Una vez abatidos tres de los cuatro chorizos (todos negros, por cierto) sin ningún miramiento, el cuarto y desdichado ladrón se escuda en una camarera. A Callahan le da exactamente igual, y le apunta retándole a que haga una estupidez, ya que estará encantado de hacer que termine como los otros tres, a pesar de que el lugar ya está rodeado de policías. Hay otra escena en la que Callahan repite algo parecido.
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| Callahan, justo después de soltar la sexta frase más famosa de la historia del cine americano |
Eastwood, o más bien su personaje, tiene unas cuantas líneas míticas en esta saga, pero ésta en concreto se pasó entero el juego de la popularidad, trascendiendo como pocas. De hecho, en 2005 se celebró una gala en la que el AMERICAN FILM INSTITUTE desveló una lista con las cien citas más famosas de la historia del cine americano, teniendo en cuenta su legado e impacto en la cultura popular, y ésta quedó en sexto lugar. Por si esto no fuese aún suficiente para hacerse una idea de la dimensión de la frase, decir que algo tan absolutamente legendario y conocido como Bond, James Bond quedó en el puesto número veintidós. Es más, otra mítica de 007 relativa a cómo le gusta al conocido agente su famoso Martini, quedó en el lugar noventa. Hay otra de Eastwood (también de Callahan), la ya comentada Do I Feel Lucky?, que quedó como frase número cincuenta y uno.
Por si a alguien le interesa, la primera fue el mítico Frankly, my dear, I don't give a damn (Francamente querida, me importa un bledo) que CLARK GABLE, interpretando a RHETT BUTLER, le soltó a VIVIAN LEIGH (ESCARLATA O'HARA) en GONE WITH THE WIND (LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ, 1939), dirigida por VICTOR FLEMING.
Pero hay más. Se ha utilizado en canciones y se han titulado discos tras ella, y se habrá usado un montón de veces aquí y allá en series y películas (por no hablar de otras situaciones de la vida cotidiana), pero es que hasta el mismísimo RONALD REAGAN, entonces presidente de los Estados Unidos, la usó en un discurso relativo a no sé qué impuestos en 1985. El propio Eastwood usó pegatinas que decían Go ahead, make me major (Anda, conviérteme en alcalde) al hacer campaña cuando se presentó a las elecciones para ser alcalde de Carmel.
*El doblaje de Eastwood al español no corrió a cargo de Constantino Romero, perdiéndonos la mítica frase con su voz, pero a cambio este doblaje corrió a cargo del que seguramente sea su doblador en español más habitual con permiso de Romero, HÉCTOR CANTOLLA.
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| Icono cinematográfico |
TIGHTROPE (EN LA CUERDA FLOJA) fue una de las dos películas estrenadas en 1984. En ella, Clint interpretó a WES BLOCK, un policía a la caza de un tarado violador asesino con tendencias sadomasoquistas. En la dirección aparece acreditado RICHARD TUGGLE, quien había trabajado en Fuga De Alcatraz, pero lo cierto es que esta peli también está en IMDB entre las obras de Eastwood como director, aunque sin acreditar. Parece ser que él hizo buena parte del trabajo al no estar muy contento con cómo se manejaba Tuggle. Clint se acompaña de su hija ALISON (quien ya había hecho lo suyo en Bronco Billy y en La Gran Pelea, aunque sin acreditar), de la muy joven actriz JENNY BECK (ella y Alison interpretan a las hijas de Block) y de la actriz canadiense GENEVIÈVE BUJOLD. También aparece el bastante conocido actor DAN HEDAYA.
La trama transcurre en esa ciudad tan peculiar que es Nueva Orleans (por lo visto, el guion se basó en reportajes acerca de un huidizo violador que actuaba en la bahía de San Francisco, pero la acción se cambio de lugar para evitar comparaciones con la saga de Harry Callahan) y yo recuerdo esta película oscura y con escenas bastante retorcidas, debido a la naturaleza de los crímenes y a que parte de la investigación se realiza en burdeles y, claro está, de noche. De ahí la clasificación R que obtuvo la peli, la segunda más alta en cuanto a contenido explícito y sólo por detrás de sólo adultos. Un thriller entretenido, y más teniendo en cuenta alguna película en la que Eastwood intervino de una u otra manera en esta década. Tuvo éxito y a la crítica le gustó, considerándola más ambiciosa que las pelis de la saga de Callahan y, si bien no en el top de los trabajos de Eastwood, bastante cerca. Se destacó la perspectiva con la que se reflejan los abusos a mujeres y, de nuevo, el que un tipo duro como Block supiese respetar a una mujer (como si ambas cosas fuesen incompatibles, aunque, claro está, los papeles previos del actor no habían sido, en general, de lo más edificante en ese sentido). Hay que tener en cuenta que, para empezar, Block está divorciado y vive con sus hijas.
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| El actor junto a sus hijas en pantalla, Jenny Beck y Alison, su hija en la vida real |
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| Un tío elegante |
No le fue tan bien a CITY HEAT (CIUDAD MUY CALIENTE), dirigida por RICHARD BENJAMIN, a pesar de haber sido escrita por el muy famoso BLAKE EDWARDS y de que Eastwood se juntó para la ocasión nada menos que con el mismísimo BURT REYNOLDS. La peli narra las andanzas de MIKE MURPHY (Reynolds), un ex policía metido a detective privado, y su antiguo amigo, el teniente SPEER (Clint), en una ciudad no especificada (si recuerdo bien, aunque quizás Kansas City, si nos atenemos al título del guion original de Edwards), en los tiempos de la Ley Seca. Como detalle curioso, decir que en la peli hay un pequeño papel para el actor JACK NANCE, habitual colaborador de DAVID LYNCH, quien en 1977 había protagonizado la absolutamente atroz pero muy conocida cinta de culto ERASERHEAD (CABEZA BORRADORA), del propio Lynch.
Reynolds no necesita presentación, siendo (entre otras cosas) un antiguo sex symbol que hizo carrera interpretando a carismáticos gamberros guaperas en películas normalmente cómicas y/o de acción con mucho tirón comercial y bastante éxito, y que poco antes de este film lo había petado en Los Caraduras (1977) o THE CANNONBALL RUN (LOS LOCOS DE CANNONBALL, 1981), ambas dirigidas por Hal Needham. Un poco del estilo de lo que Clint había hecho junto al orangután pocos años atrás, y supongo que la intención era juntar a dos mega estrellas como estos dos actores para hacer algo parecido.
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| Antiguos colegas |
Pero no sólo la peli no gustó demasiado (vuelve a quedarse por debajo del seis en IMDB y la crítica, en general, la despedazó) y no tuvo el éxito comercial que se esperaba, dados los mimbres, si no que encima no dejó contento a ninguno de los principales protagonistas. Edwards iba a dirigir, en un principio, pero fue despedido, y a pesar de quedar como coguionista, acabó horrorizado con el producto final. Reynolds resumía todo diciendo que si pudieses simplemente ver el anuncio de la peli y no la peli misma, ésta sería la más exitosa de su carrera. Consideraba que Clint no veía su papel como lo veía Edwards, aunque afirmaba que a su colega de reparto le dolió mucho el despido de éste. Para colmo, Reynolds sufrió un accidente durante el rodaje que derivó en infladas especulaciones por parte de la prensa.
Yo no recuerdo gran cosa de este film, a pesar de haberlo visto hace no muchos años, y supongo que eso es bastante significativo. Te esperarías una gamberrada con poco seso pero divertida, aunque ni eso logró, a pesar de los dos protagonistas rivalizando por la atención de la misma mujer en un entorno cómico y ese tipo de cosas.
Mucho ruido y pocas nueces, aunque al menos Eastwood tocó el piano en la banda sonora.
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| Amargo recuerdo, sobre todo para un Burt Reynolds acribillado por la crítica |
En 1985 se estrenó un episodio dirigido por Eastwood de la serie antológica AMAZING STORIES (CUENTOS ASOMBROSOS), creada y producida por un tal STEVEN SPIELBERG, siendo ésta, si no estoy equivocado, la única incursión de Clint en la dirección de ficción televisiva. En dicho capítulo, al que me referiré otra vez más abajo en un listado con los pocos trabajos de Eastwood que aún no he podido ver, HARVEY KEITEL y Sondra Locke son la pareja protagonista. Lo dicho, no lo he visto, así que no puedo opinar, aunque la nota de 6,4 que tiene este episodio en IMDB me extraña, por escasa, para todo lo que a priori podría ofrecer.
Ese mismo año Clint decidió volver al western con PALE RIDER (EL JINETE PÁLIDO), una de sus películas más populares y con mejor cartel de los ochenta. En ella volvió a repetir delante y detrás de la cámara, y la trama se centra en un misterioso jinete que sale de la nada para ayudar a unos mineros que están siendo atemorizados por un matón durante la fiebre del oro. Parece estar basada en el western de los años cincuenta SHANE (RAÍCES PROFUNDAS), dirigido por GEORGE STEVENS y estrenado en 1953. Leo que incluso se considera una nueva versión del mismo, lo que supongo que equivaldría a un remake, pero esto no parece estar muy claro y no recuerdo haber visto esta película como para poder opinar.
Esta cinta suele ser relacionada, dentro de la filmografía de Eastwood, con Infierno De Cobardes, no sólo por su premisa inicial, si no también por su particular interpretación de la justicia e incluso por cierto aire entre fantástico y religioso. Y es que el personaje de Clint, conocido simplemente como THE PREACHER (EL PREDICADOR), debido a que lleva un alzacuellos, aparece de la nada después de que uno de los personajes se ponga a rezar pidiendo un milagro. Nadie sabe nada de él y la ambigüedad se extiende a ciertos asuntos, que se dejan a la interpretación del espectador, al igual que en la peli anterior. El nombre de la cinta deriva de uno de los CUATRO JINETES DEL APOCALIPSIS, que monta un caballo pálido y representa a la muerte, y se pueden encontrar referencias bíblicas en ciertos momentos del metraje, empezando por dicha aparición repentina del protagonista.
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| El Predicador |
El western estaba lejos de ser algo popular en los ochenta y a años luz de sus mejores días, además de ser un género con la etiqueta de maldito, tras el batacazo comercial en 1980 de HEAVEN'S GATE (LA PUERTA DEL CIELO), de Michael Cimino, pero la película de Eastwood ayudó a revitalizarlo en cierta manera y se convirtió, casi con toda seguridad, en el western más exitoso de la década. La crítica (en su mayoría) también acompañó, y hubo quien dijo que mientras Clint había mejorado con los años, el público en general había tardado todos esos años en apreciar sus virtudes como cineasta. Y esto parece ser cierto si nos atenemos a otra crítica, que afirmó que 1985 pasaría a la historia por ser el año en el que finalmente Eastwood se ganaría su respeto como artista. Si se me pregunta al respecto tengo que decir que parece que unos cuantos llegaron bastante tarde a la fiesta. Ya se sabe, cosas de los entendidos. La crítica es singular en este sentido, porque se dedica a diseccionar algo que se supone que adora, al menos en un principio, pero casi nunca parece estar contenta con ello, y eso cuando no lo trata con absoluto desdén.
Me gustaría ver esta peli otra vez, una vez leídas ciertas cosas, y así poder apreciarla mejor. Es una película muy bien valorada, pero no recuerdo que me gustase tanto como parece merecer. Eso sí, lo que recuerdo de ella (porque además lo comenté con algún amigo) es que me recordó completamente al punto de partida de cualquier episodio del EQUIPO A, la famosísima serie de los ochenta que se había empezado a emitir en 1983, en el sentido de que un tipo de pasado misterioso y difuso, al que nadie conoce, aparece más o menos de la nada para ayudar a alguien que está siendo oprimido por un cacique sin que parezca haber ninguna otra posibilidad de ayuda.
Y toca hablar aquí del músico LENNIE NIEHAUS, un saxofonista de jazz a quien Clint había conocido en el servicio militar y con quien compartía su querencia por este estilo musical. Niehaus ya había trabajado antes en películas de Eastwood, pero El Jinete Pálido fue la primera vez en la que el músico compuso la banda sonora completa de uno de sus films, haciendo lo mismo en unos cuantos más del cineasta, además de participar en otros de una u otra manera, ganando varios premios gracias a ello. Niehaus falleció en 2020.
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| Dios obra de maneras misteriosas |
1986 traería uno de los personajes por los que Eastwood suele ser más recordado por el gran público, el sargento HIGHWAY de HEARTBREAK RIDGE (EL SARGENTO DE HIERRO), un tipo que efectivamente hacía justicia al título español del film (que, cómo no, no tiene nada que ver con el original). Highway es un condecorado y veterano marine que queda a cargo de un pelotón de inútiles a los que tendrá que preparar, como última misión, para guiarlos en la invasión americana de Granada. El nombre original alude a una batalla durante la Guerra De Corea tras la cual Highway había sido condecorado, y en la peli Clint hace su bastante habitual trébol de dirección, producción e interpretación. Junto a él aparecieron MARSHA MASON y un joven MARIO VAN PEEBLES, como uno de los gañanazos del pelotón.
Antes de comentar anécdotas y cosas varias, he de decir que recuerdo esta peli como bastante entretenida en su primera mitad, o al menos todo lo que sucede antes del conflicto bélico en sí, y más floja en lo relativo a éste. Pero es lo de menos. Inexactitudes militares, históricas o de cualquier tipo aparte, esta cinta vale su peso en oro sólo por los más que divertidos diálogos, con un Eastwood que parece una metralleta verbal empeñada en decir una nueva barbaridad tras otra. Es Clint Eastwood en estado puro, con unas frases destinadas a ofender a todo colectivo imaginable. Algo que en estos tiempos sería difícil replicar, claro está, aunque cualquiera que tenga dos dedos de frente, una mínima capacidad de análisis y ganas de pensar un poco, puede darse cuenta de que, por muy reprobables que puedan ser ciertas frases de Highway (y no sólo suyas), la intención no es la ofensa (más allá del destinatario de dichas frases) por la ofensa, si no que se trata de personas de generaciones pasadas y valores distintos expresándose sin ningún tipo de rodeo y dentro del contexto en cuestión. Todo esto es perfectamente apoyado en el doblaje al español por un Constantino Romero cuya voz es impagable siempre, pero más aquí. Puede ser el trabajo de Romero en el que más perfecta es su simbiosis con el actor. Cuántas veces se habrán comentado las pelis de Eastwood, para mayormente hacer referencia a algunas de las cosas que suelta en esta cinta? Creo que, en lo que a España se refiere, son incluso mucho más populares los diálogos más bestias de El Sargento De Hierro que las míticas frases de Harry Callahan.
Juzguen ustedes mismos:
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| Eastwood, seguido de cerca por un sufrido Mario Van Peebles |
Clint se interesó por un guion que contaba las andanzas de un veterano de la Guerra De Corea que pasaba el testigo a soldados más jóvenes, y pidió permiso al ejército para rodar en una de sus instalaciones (Fort Bragg). Pero el ejército se negó al no gustarle ni la personalidad ni los métodos del protagonista, y mucho menos su lenguaje. Lo consideraba algo de otra época, y con lo que no quería estar relacionado. Clint insistió precisamente en eso, en el contraste entre generaciones y en que había valores dignos de conservar en el ejército americano de los años cuarenta y cincuenta. Los marines sí apoyaron la peli, y por eso el personaje de Highway pasa a ser uno de ellos, aunque tardío, ya que antes había estado en el Ejército de Tierra, que fue el que principalmente participó en la batalla que da título a la cinta, evitando así incongruencias. Aunque más tarde dicho cuerpo renegó de la película y muchos de los marines que la vieron citaron varias imprecisiones (algo parecido pasó con el Ministerio De Defensa), el proyecto se llevó a cabo, gracias en buena medida al metraje rodado en instalaciones de estos en la costa oeste.
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| Héroe de guerra |
La acogida en taquilla fue bastante buena, y la cinta recogió críticas en general favorables (también la interpretación de Eastwood), mejorando además en este aspecto con el tiempo, y con énfasis en los diálogos y la relación de Highway con los chavales a los que instruye. No faltó, eso sí, quien habló de machismo (era inevitable) e incluso de imperialismo, al representarse los hechos como el típico triunfo americano, sin dar información acerca del contexto político e histórico.
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| Soy el sargento de artillería Highway |
No hubo nada a estrenar de Eastwood en 1987, y ya en 1988 llegaría su última interpretación del mítico Harry Callahan en THE DEAD POOL (LA LISTA NEGRA), dirigida por Buddy Van Horn. El título original se refiere a un juego consistente en adivinar cuándo alguien va a morir. De ahí lo de la lista del título español. En este caso, dicha lista está en manos de un asesino en serie y contiene un buen número de personalidades de la zona de la bahía de San Francisco, incluido Harry. Completan la parte principal del reparto unas cuantas caras famosas, como el muy conocido actor norirlandés LIAM NEESON, PATRICIA CLARKSON y un muy joven y aún casi desconocido JIM CARREY.
Eastwood comentó acerca de este último capítulo de la saga que era divertido volver a ser Callahan tiempo después, algo así como reencontrarse con un viejo amigo. Tras haber dejado claro que no estaba interesado en volver a interpretar al mítico policía tras esta quinta vez, tiempo después bromeaba acerca de un Harry jubilado que se dedica a pescar y atrapa a los malos con un andador.
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| Liam Neeson interpreta a un director de cine |
Esta entrega no sólo es la más corta de la saga, si no también la menos exitosa comercialmente y la que peor críticas tiene, aunque hay para todos los gustos. Por el lado negativo se comentó que no podía evitar parecer una mini película al lado de la mítica primera cinta, que era sólo para los seguidores más fanáticos de Eastwood y que era un final poco inspirado para la saga. Pero también hubo quien la igualó a la primera película o al menos la dejó sólo por debajo de ella.
Como en otros casos, no me acuerdo demasiado de la película, ya que la vi estando aún en el colegio, pero al contrario que otras, sí recuerdo que me gustó mucho. La vi a principios de los noventa, un día que la echaron por la tele, en la época en la que el famosísimo grupo californiano de rock duro GUNS & ROSES estaba en la más absoluta cima, y de repente ahí estaban ellos. La peli es de 1988 y mostraba a los muy jóvenes músicos del grupo en algunas escenas (sobre las que no voy a comentar para no estropear la trama), y supongo que la razón para incluirlos en el metraje fue el gancho para el público joven, ya que el grupo estaba en el comienzo de su meteórico ascenso al estrellato, un año después de haber editado su APPETITE FOR DESTRUCTION (1987), que creo que es (entre otros méritos) el álbum debut más exitoso de la historia. Ni que decir tiene que esto se comentó ampliamente al día siguiente en el colegio.
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| Axl Rose, cantante de Guns & Roses, primero por la izquierda arriba. |
Siendo esa la anécdota quizás más llamativa, ha de competir con algunas otras. Sobre todo con el hecho de que esta cinta fue aquella en la que Callahan dejaba otra de sus frases más memorables: Opinions are like assholes, everybody has one (Las opiniones son como los culos, todo el mundo tiene uno).
Además, la película contiene persecuciones en coche por las empinadísimas calles de San Francisco, algo muy parecido a lo que se vio en la famosa peli protagonizada por Steve McQueen, BULLITT (PETER YATES, 1968). Esas escenas fueron muy dificultosas de rodar, con calles cuyo tráfico hubo que cortar y, sobre todo, saltos entre distritos que supusieron fallos en la continuidad del metraje, aunque estos son difíciles de apreciar debido a la velocidad de la acción. Por supuesto, ésta es mi primera noticia al respecto.
También señalar que esta película es la única de la saga en la que no aparece, de una u otra manera, el actor ALBERT POPWELL. Lo de que el mismo actor, o varios, aparezcan en más de una película de una saga, interpretando papeles distintos, no era nada nuevo (el propio Eastwood y unos cuantos más lo hicieron en las películas de Leone), con lo cual el dato en sí no sería ni siquiera digno de mención de no ser porque este actor es quien estaba en el suelo en la famosa escena (ya comentada) de la primera película, mientras Eastwood le soltaba aquello de Do I feel lucky? Honores para él. Una vez más, ni yo sabía este dato ni soy capaz de recordarlo ahora mismo en más escenas aparte de esa.
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| Muy chulo el cartel de la película |
Ese mismo año 1988, Eastwood dio un entonces inesperado giro a su carrera, quedándose exclusivamente detrás de la cámara (la primera vez desde Primavera En Otoño, donde sólo hizo un cameo, y exceptuando aquel capítulo de Cuentos Asombrosos) para unir el cine con su pasión por el jazz y dirigir el primero de varios biopics de su carrera, BIRD. Esta cinta la protagonizó FOREST WHITAKER, dando vida al famoso músico de jazz CHARLIE (BIRD) PARKER, y muestra momentos de la vida del músico desde su infancia hasta su temprano fallecimiento, además de centrarse en ciertas relaciones importantes de su vida, como la que tuvo con su mujer y las profesionales con algún que otro músico.
Clint llevaba casi toda su vida fascinado con este músico, e incluso llegó a verlo tocar en directo en 1946, por lo que durante años peleó para que Warner obtuviera los derechos de un guion basado en las memorias de CHAN PARKER, viuda del músico, escrito en los setenta por el guionista y director JOEL OLIANSKY. Para cuando lo consiguió, RICHARD PRYOR, el actor que Oliansky había siempre tenido en mente, había dejado de estar interesado, y de ahí la participación de Whitaker, para quien esta película supuso su descubrimiento. Eastwood incluso pidió a Chan contribuir y ella lo hizo con una serie de grabaciones privadas. De cara a que dicha música fuese apta para la cinta, se aislaron los solos de Parker de manera electrónica y una serie de reputados músicos fueron contratados para grabar el acompañamiento.
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| Whitaker junto al actor Samuel E. Wright, quien interpretó a otro gran nombre del jazz, Dizzy Gillespie |
Bastante respetada por la crítica (incluso con alabanzas por parte del recientemente fallecido CHARLIE WATTS, el famoso batería, muy aficionado al jazz, de los ROLLING STONES), esta cinta hasta triunfó a nivel de premios, pero fracasó comercialmente, siendo la peor peli de Eastwood en ese sentido desde Primavera En Otoño. Clint lo atribuía a un creciente desinterés en el jazz por parte de la población negra. Yo la recuerdo demasiado larga y muy oscura, y no especialmente llamativa. No me disgusta el jazz (género del cual no conozco nada de nada) para tenerlo de fondo pero tampoco me atrae como para que sea el principal motivo por el que pueda ver una película así. Supongo que aficionados de este género, y más concretamente de Parker, encontrarán mucho más interesante este film. Yo la vi porque se trata de Clint Eastwood, aunque creo que ha sido la penúltima película suya que he visto, nada menos, y lo he hecho hace poco, con lo cual Forest Whitaker ya llevaba muchos años siendo un actor conocido y de prestigio como para ser un aliciente más.
Buena película para otra clase de audiencia, y de ahí las críticas positivas que, por otro lado, no compartió el también actor y director SPIKE LEE, hijo de otro músico de jazz, quien dijo que la peli no había logrado capturar ni la esencia, ni el sentido del humor de Parker. Creo que también dijo que qué hacía un tipo blanco haciendo una película como ésta (una absoluta estupidez, si se me pregunta, y más si viene de alguien notorio por su denuncia del racismo). Por lo visto, Eastwood y él llevan unos años enemistados (no sé si esto dura a día de hoy, supongo que no), desde que Lee criticó la falta de actores negros en ciertas pelis bélicas que Eastwood haría en el actual siglo, y que serán comentadas en su momento, y éste le dijo que cerrase la boca, que él no iba a jugar al juego de la igualdad en la representación si eso llevaba a inexactitudes históricas. Que si tenía que hacer una peli con un altísimo porcentaje de negros porque esa era la realidad, lo hacía, como había hecho en Bird. Y aquí Eastwood le volvió a soltar otra, diciendo que él había hecho Bird porque nadie la hacía, y se preguntaba por qué no la había hecho Lee en su día, ya que tanto le molestaba que alguien como él la hiciese. Porque estaba haciendo otras cosas. Clint 1, Lee 0.
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| Otra película con polémica, aunque sea involuntaria |
En cuanto a los premios, lo más destacado fue que Whitaker ganó el de mejor actor aquel año en Cannes, además de obtener una nominación al Globo De Oro, mientras que Eastwood ganó esto último como director. La película incluso ganó un Óscar al mejor sonido.
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| Whitaker recibiendo instrucciones de Eastwood |
Clint cerraría la década con su papel en otra película de Buddy Van Horn (su tercera y última con él), PINK CADILLAC (EL CÁDILLAC ROSA), una peli de acción estrenada en 1989 que es la última película que he visto de él, cerrando así el círculo. Ya estaba avisado con respecto a sus escasos méritos, los cuales quedaron confirmados tras verla, siendo no sólo una de sus cintas peor valoradas (la peor en IMDB, de hecho, tras convertirse en una estrella y empatado sólo con una de aquellas películas de los cincuenta), si no que seguramente la peor que recuerdo haber visto de él. En ella interpreta a un caza recompensas (TOMMY NOWAK) que persigue a una mujer (LOU ANN MCGUINN, interpretada por BERNADETTE PEERS), mientras se enfrenta a un grupo de tarados nazis. A estas alturas era extraño pensar que el intérprete de esta cinta era el responsable de algo como Bird, Primavera En Otoño o alguno de los westerns ya comentados, pero teniendo en cuenta la mayoría de películas en las que Eastwood participaría a partir de ahora, esto se hace aún más raro. Y no tengo ni idea de las motivaciones del personaje a la hora de participar en ciertos productos, pero leyendo algunas de las cifras que percibía por sus películas me extrañaría mucho que éstas fuesen económicas. Pero quién sabe? Supongo que a veces sólo se trata de la diversión que supone participar en algo menos serio y exigente.
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| Peers apostando con Clint |
Parece ser que incluso la banda sonora tuvo más éxito que la cinta, ya que las críticas fueron más bien negativas (aunque hubo quien alabó el papel de Peers y su labor humanizando el personaje de Eastwood) y los números tampoco fueron buenos (en Gran Bretaña fue directa al videoclub, sin pasar por las salas). Uno de los puntos más bajos de la carrera de Clint.
Como datos curiosos, señalar que Jim Carrey vuelve a tener un muy pequeño papel y otra estrella canadiense (entonces aún no tanto), el rockero BRYAN ADAMS, aparece haciendo de dependiente en una gasolinera. Por otro lado, ésta fue la última peli de Van Horn como director y la última película con un mínimo toque de comedia en la que participó Eastwood.
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| Con Bryan Adams |
Fin de la tercera parte
Los noventa serían una década diferencial para él, con una agenda menos apretada en ambas facetas de actor y director (sobre todo teniendo en cuenta los años setenta), y proyectos más personales y desde luego mucho más redondos que los de los ochenta. Pero no empezarían de la mejor manera. Lo primero fue WHITE HUNTER, BLACK HEART (CAZADOR BLANCO, CORAZÓN NEGRO), estrenada en 1990, en la que Eastwood dio vida a JOHN WILSON, un director de cine aficionado a la caza y empeñado en rodar en África, y que vendría a ser el alter ego de JOHN HUSTON durante el rodaje de su famosa película THE AFRICAN QUEEN (LA REINA DE ÁFRICA, 1951). Se trata de una adaptación de la novela en clave de igual nombre que PETER VIERTEL había escrito en 1953. Para quienes desconozcan el término (entre ellos yo, hasta hace unos minutos), se trata de una novela sobre hechos verídicos con una capa de ficción sobre ellos, siendo la metafórica clave la relación explícita o no entre ficción y realidad. Viertel había participado en el rodaje de la peli de Huston, en una época en la que las películas americanas rara vez se rodaban fuera de Estados Unidos (ésta se rodó en Zimbaue), y los personajes de este film (también dirigido por Eastwood) son personas reales que a su vez participaron (incluidos el propio Viertel, KATHERINE HEPBURN y HUMPHREY BOGART) en aquel rodaje, pero con nombres ficticios. Entre los nombres más conocidos del reparto destacan un entonces bastante joven TIMOTHY SPALL, reputado actor inglés, y la modelo y actriz americana MARISA BERENSON, quien en 1975 había aparecido en la genial BARRY LINDON, de Kubrick.
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| En buena compañía |
La película volvió a fracasar en taquilla, además de forma rotunda, pero esta vez sí que hubo buenas críticas, que destacaron que el Eastwood director había superado sus metas como actor, aunque también se habló de una buena interpretación que iba más allá de las particularidades de Huston. A mí no me dijo gran cosa. Me pareció una peli correcta pero no excesivamente brillante, además de tener un final un poco forzado, aunque tampoco sé qué cosas de las que se cuentan pasaron o no en realidad. Sí que recuerdo que el personaje de Eastwood destacaba por su completo egoísmo, siendo un egocéntrico capaz de movilizar algo tan grande como el rodaje de una película así, sólo para salirse con la suya en algo que ni siquiera tenía que ver con la propia peli.
Lejos de ser su mayor logro, en mi opinión, pero al menos valorada por los críticos, todo lo contrario que su siguiente paso.
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| John Huston? |
Que sería THE ROOKIE (EL PRINCIPIANTE), una buddy movie de acción dirigida por él, en la que se acompañó del afamado CHARLIE SHEEN y que también se estrenó en 1990. Ambos interpretaban a una atípica pareja de policías (NICK PULOVSKI, veterano y DAVID ACKERMAN, novato) empeñada en desmontar los tejemanejes de un mafioso alemán en Los Ángeles. Más nombres conocidos en aparecer fueron los de RAÚL JULIÁ, SONIA BRAGA, LARA FLYNN BOYLE o TOM SKERRITT.
Nuevamente, si no recuerdo en exceso la película, lo normal es que eso no sea una buena señal. Nunca me ha gustado Charlie Sheen, más allá de la serie TWO AND A HALF MEN (DOS HOMBRES Y MEDIO), y no sé si por él o a pesar de él, y recuerdo que su química con Eastwood era inexistente. En cuanto a éste, creo que este tipo de acción a lo bestia, lleno de persecuciones con coches y todo eso (creo que el número de especialistas de acción del rodaje pasaba del doble de los actores), le quedaba a esas alturas de su carrera un poco excesivo, por mucho que se empeñase en hacer sus escenas él mismo. Algo, por cierto, de lo que había que convencerle para que no lo hiciera, porque por mucho que aún pudiese, cualquier incidente podría suponer tener que suspender el rodaje. Me alegra decir que ésta sería la última peli de este tipo de su carrera. Y ésta es una afirmación personal que no sé si será compartida o no, ya que aún actuaría en películas posteriores que podrían quizás ser clasificadas (al menos parcialmente) como de acción, pero sin ser gamberradas como ésta.
Y es que si todavía el guion ayudase, la película podría despegar. Pero no. No recuerdo nada llamativo de la cinta y estoy pensando que quizás pueda superar a El Cádillac Rosa para mal, ya que de ésta sí recuerdo cosas. Por no recordar, y esto sí que es extraño, ni recuerdo la polémica escena en la que Sonia Braga viola (?) a Eastwood, que parece ser de lo poco que se comentó de esta película. Esto evitó poner el foco sobre otra escena polémica del film, de la que tampoco me acordaba y que no voy a comentar por no arruinar la trama.
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| Clint junto a Sheen, tiempo antes de que éste interpretara al famoso Charlie Harper |
Hablando de Braga, decir que esta actriz, brasileña, y Juliá, portorriqueño, daban vida al matrimonio de mafiosos alemanes, lo que resultó un poco ridículo y también polémico. Por cierto, que si a día de hoy le da a Eastwood (o a cualquiera) por poner a dos alemanes a interpretar a una pareja latina, se acaba el mundo.
Esta cinta volvió a recaudar por debajo de su presupuesto y las críticas, quitando las relativas a los efectos especiales y las escenas de acción, fueron malas. Hubo quien dijo que lo de Braga y él había sido la escena de peor gusto de toda la carrera de Clint y no faltó quien habló de Harry Callahan en su entrega número cinco y medio (venga, eso no). En general se comentaba cómo casi todo el mundo parecía estar desaprovechado y que no hubiese nada que distinguiese esta peli de todas las demás del género. En mi opinión, no hay forma de que esta cinta resista una mínima comparación con, por nombrar un ejemplo fácil, cualquier entrega de Arma Letal. Ni de lejos.
Eso sí, a pesar de no ser esta cinta el mejor ejemplo que se pueda usar, he leído una crítica sobre ella que es bastante acertada, al menos para otras pelis menores de Eastwood y para el cine sin más pretensiones que el entretenimiento: Una aventura deliberadamente estúpida que apunta a lo intolerable y da en la diana. Estamos hablando de diversión chorra, así que olvida tu cerebro, saca unas birras y ya está todo hecho. Como ya dije cuando hablé de El Cadillac Rosa, no está mal recurrir a esto de vez en cuando.
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| Pulovski tocándole las pelotas a un auténtico teutón |
Pero hasta ahí podía llegar esta relativa caída en desgracia comercial (y en algunos casos crítica) de Eastwood. En 1991 no hubo ningún estreno suyo, pero a partir de 1992 Clint encadenaría una muy buena racha que, con unas pocas excepciones, llegaría hasta el día de hoy. Al menos en cuanto a los resultados artísticos y de crítica (que no siempre los comerciales) y siempre según mi criterio, claro está. Además, sus trabajos le traerían un mayor aprecio de la crítica y le proporcionarían un estatus como cineasta del que apenas había disfrutado aún.
Todo empezaría con el aclamado y genial western UNFORGIVEN (SIN PERDÓN), estrenado en 1992 y que él mismo dirigiría e interpretaría (además de producirlo). Eastwood es WILLIAM MUNNY, un granjero camino de la tercera edad y con un pasado como sicario que lo atormenta, que terminará aceptando un último trabajo. Es lógico que, tratándose de una carrera tan larga y exitosa como la de Eastwood, no hayan sido pocos los grandes nombres que se han asociado al suyo en pantalla, pero creo que el de Sin Perdón puede ser el reparto de mayor rango de todos, ya que junto a Clint aparecen nada menos que MORGAN FREEMAN (no se sabe de ningún comentario de Spike Lee al respecto), RICHARD HARRIS y GENE HACKMAN. Ninguno necesita presentación.
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| Con Morgan Freeman |
El guionista tras éxitos como la famosa BLADE RUNNER (RIDLEY SCOTT, 1982), DAVID WEBB PEOPLES, había empezado a trabajar en lo que sería el guion de Sin Perdón en los años setenta, aunque con otros títulos, y éste había llegado a Eastwood a principios de los ochenta, aparcándolo por el momento, ya que quería esperar a ser más mayor para meterse en la piel de Munny.
El western tradicional ha solido jugar con la idea del bien y el mal como conceptos bien diferenciados, dejando claro que los buenos (normalmente los vaqueros) son muy buenos y tienen una motivación moral correcta para hacer lo que hacen. Lo hacen porque es lo correcto. Los malos (los indios, o quienes sean), sin embargo, no dejan lugar a dudas de que efectivamente lo son. Como ya se comentó, el spaghetti western, retorcía esa dicotomía presentando al supuesto bueno como alguien con motivaciones menos dignas y de moral ambigua. No es oro todo lo que reluce. Estamos ante el típico antihéroe que se dedica a quedar el último cuando los demás han caído, usando métodos reprobables si es necesario. Y esto es lo que, poco más o menos, ocurre en los westerns revisionistas en los que Eastwood había puesto sus manos hasta entonces, y ésta es la idea que planea también sobre Sin Perdón. Munny puede ser el protagonista y a quien el espectador de alguna manera favorezca, pero está lejos de ser un héroe. Más bien al revés. Es un tipo atormentado por un pasado lleno de acciones horribles protagonizadas por él y que además es incapaz de resistirse una vez más a dicho pasado, ya que por mucho que intente convencerse a sí mismo de que ya no es la misma persona, sabe que ser dicha persona es parte de su destino.
Pero no sólo se trata de Munny. Independientemente de los medios usados para ello, las motivaciones tras ciertos actos no son hacer el bien, si no sobrevivir, cobrar una recompensa o simplemente la venganza, y quien supuestamente ha de vigilar que la ley se imponga, resulta muchas veces ser hasta peor que aquellos de los que la sociedad necesita ser protegida. El Oeste ha dejado de ser un sitio lleno de oportunidades para pasar a ser un lugar en el que simplemente sobrevivir.
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| El antiguo borracho y pendenciero Munny |
El éxito de la cinta, y a todos lo niveles, no es algo que se pueda resumir en pocas palabras. Para empezar, y entre otras cosas, debutó con el mejor fin de semana inicial de toda la carrera de Clint hasta entonces, para acabar recaudando unos ciento sesenta millones de dólares a nivel mundial tras partir de un presupuesto que no llegaba a quince. Estuvo cerca de un año en cartel en los Estados Unidos.
Buena culpa de eso la tuvo el tirón que supuso sus muchos premios. Por hablar sólo de los Óscar, Sin Perdón recibió nueve nominaciones y logró cuatro galardones, entre ellos el del actor secundario para Hackman y sobre todo, los de mejor película y mejor director para el propio Eastwood, que también fue nominado al mejor actor y se quedó a un paso (el premio fue para un AL PACINO que aún no lo había ganado, por su trabajo en SCENT OF A WOMAN, o ESENCIA DE MUJER, dirigida por MARTIN BREST) de lograr un trébol aún inédito (peli, director y actor principal). Fue el tercer western en ganar el premio a la mejor película, tras CIMARRÓN (WESLEY RUGGLES, 1931) y DANCES WITH WOLVES (BAILANDO CON LOBOS, 1990), la aclamada película de KEVIN COSTNER.
Para poner en contexto la dimensión de este logro, hay que decir que se trata de algo que creo que sólo WOODY ALLEN y Kevin Costner habían estado a punto de conseguir. El primero en 1977, con ANNIE HALL, con lo que no sólo se quedó a falta del premio al mejor actor para lograr ese hito, si no que ganarlo hubiese supuesto, además, ser la cuarta peli de la historia en ganar el famoso Big Five, consistente en película, director, actor, actriz y guion (original o adaptado), tras IT HAPPENED ONE NIGHT (SUCEDIÓ UNA NOCHE), de FRANK CAPRA (1934), ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST (ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO), de MILOS FORMAN (1975) y THE SILENCE OF THE LAMBS (EL SILENCIO DE LOS CORDEROS), dirigida por JONATHAN DEMME (1991). De haber ganado ese premio, esta película se hubiese convertido en la única de la historia con esos dos logros. Costner, por su parte, gracias a la mencionada Bailando Con Lobos, quedándose también sin el premio al mejor actor. Por cierto, buenos tiempos los primeros noventa para la revitalización del western.
Por terminar con estas curiosidades, y por señalar otro paralelismo entre Eastwood y Mel Gibson, decir que poco después, éste haría lo propio con Braveheart, de 1995 (hay que tener en cuenta que una cosa es el año de estreno de un film, y otra el de la ceremonia en la cual obtiene los premios, normalmente al año siguiente). En este caso concreto, Gibson no fue nominado al mejor actor, pero es probable que sea el único caso, aparte de los anteriores, de director que triunfa como tal, que gana también el premio a la mejor película y que además actúa en ella como actor principal, estando nominado o no. En este sentido, la película REDS (ROJOS, 1981), de WARREN BEATTY, sí que obtuvo esas tres nominaciones, pero Beatty sólo triunfó como director (aunque esta película fue también nominada, sin mucho éxito posterior, en absolutamente todas las categorías más importantes). ROBERT REDFORD, por su parte, ganó sendos premios como director y a la mejor película por ORDINARY PEOPLE (GENTE CORRIENTE), de 1980, pero él no actuó en ella.
En relación con todo lo comentado acerca de los premios Óscar, el propio Clint tendría más que decir, y ha sido omitido en los anteriores párrafos, más allá de Sin Perdón, a propósito. Se verá más adelante.
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| Eastwood y Hackman revientan los premios Óscar 1993 |
La crítica estuvo con Clint esta vez, y de qué manera, comentando que podía ser el mejor western desde los THE SEARCHERS (CENTAUROS DEL DESIERTO, dirigida por John Ford en 1956), siendo un brillante compendio de todos los temas que su cine había estado tratando hasta ese momento, entre los que destaca una brillante reflexión sobre la violencia, incluyendo la suya propia. En 2008, Sin Perdón fue considerada por el American Film Institute como el cuarto mejor western americano de todos los tiempos, tras Centauros Del Desierto, HIGH NOON (SÓLO ANTE EL PELIGRO, de FRED ZINNEMANN, 1952) y Raíces Profundas.
Tiene una nota de 8,2 en IMDB y yo poco puedo añadir al respecto. Quitando la no muy razonable participación de Richard Harris dentro de la trama (algo en lo que la opinión pública también coincide), se trata de un peliculón de época, que perfectamente tiene su sitio en el top ten del protagonista hasta ese momento, y muy probablemente de toda su carrera, ya que sin dar demasiadas vueltas al respecto ahora mismo, es una de las típicas muescas en su filmografía que vienen enseguida a la mente a la hora de pensar en sus mejores trabajos. Cómo olvidar algunas de las frases de Munny al respecto de su pasado, o aquella mítica reflexión sobre lo que supone matar a alguien? Me entran escalofríos sólo de acordarme. Buena muestra de que el Clint crepuscular es muchas veces más apreciado que el Clint digamos, joven. Al menos como director.
Alguna que otra curiosidad más, para terminar:
- Clint tuvo el buen juicio de dejar a un lado posibles desavenencias del pasado y dedicó la película a sus dos mentores, Leone y Siegel, muy recientemente fallecidos ambos, por aquel entonces.
- El tema principal de la banda sonora, CLAUDIA'S THEME, lo compuso el propio Eastwood.
- En 2013 se hizo un remake japonés de la película, con igual nombre, dirigido por LEE SANG-IL y protagonizado por el famoso KEN WATANABE, quien años más tarde (aunque antes de este remake) trabajaría con Clint. La acción se traslada a Japón y a otra época, siendo el personaje de Munny un samurái.
- Se barajó la película para ser el tema principal de una montaña rusa de un parque de atracciones en Nueva Jersey, pero se desechó la idea por ser demasiado oscura.
- Eastwood dijo tras el film que sería su último western tradicional.
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| Matar a un hombre es algo muy duro. Le quitas todo lo que tiene. Y todo lo que podría tener |
Pero esto no ha hecho más que empezar. En 1993 se estrena el genial thriller IN THE LINE OF FIRE (EN LA LÍNEA DE FUEGO) dirigida por el famoso cineasta alemán WOLFGANG PETERSEN, responsable de títulos como THE NEVERENDING STORY (LA HISTORIA INTERMINABLE, 1984) o la muy famosa TROY (TROYA, 2004). Clint interpreta a FRANK MORRIGAN, un veterano agente de los Servicios Secretos abrumado por no haber podido salvar en su día la vida del presidente KENNEDY, y que se verá ante una oportunidad para redimirse. Le acompañan RENE RUSSO, un genial JOHN MALKOVICH, DYLAN MCDERMOTT y JOHN MAHONEY (sí, el padre de FRASIER en la conocida serie).
Se trata de una película ágil y entretenida, con Eastwood volviendo a dar otra vuelta de tuerca al concepto de tipo duro (al fin y al cabo son muchas las veces que ha interpretado un papel parecido de una u otra manera) y con una réplica brillante por parte de un fuera de serie como Malkovich. El gato y el ratón enredados como muchas otras veces, pero de manera más hábil. Aquí no se trata sólo de acción y escenas de riesgo, si no también de materia gris.
La cinta fue otro pelotazo en taquilla, con buena acogida por parte de la crítica y con tres nominaciones más a los premios de la Academia, incluyendo el de mejor guion original y el de actor secundario para Malkovich. No hubo suerte esta vez. En cuanto al guion (de JEFF MAGUIRE, quien completó una idea del productor JEFF APPLE sobre un agente secreto de servicio en el momento del asesinato de Kennedy), éste fue desdeñado por varias personas con influencia en el negocio, pero terminó siendo objeto de poco menos que una subasta entre Eastwood, TOM CRUISE y SEAN CONNERY, antes de que Maguire se decidiera por Clint.
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| Morrigan, siempre alerta |
Además de las alabanzas para Malkovich, éstas no faltaron para la tensa dirección por parte de Petersen y la carismática presencia de Eastwood, destacando que la peli cuenta tanto con ella que es casi imposible imaginar a otro actor en ese papel. En definitiva, un thriller como tiene que ser, y no exento de algunas curiosidades. Como que Eastwood y Petersen habían ofrecido el papel de Malkovich a ROBERT DE NIRO antes que a éste, pero De Niro tuvo que rechazar por problemas de agenda. Además, esta película fue una de las primeras cuyo tráiler fue ofrecido online. Y el mismísimo presidente BILL CLINTON, quien llegó a la presidencia ese mismo año 1993, alabó la cinta, pero Petersen pasó de usar esto como estrategia de marketing por no saber si sería para bien o para mal.
Pero sobre todo está el hecho de que, para lidiar con el pasado de Morrigan (único agente aún en activo de todos los que debían proteger a Kennedy el día en que fue asesinado), se usaron imágenes digitalizadas de las pelis de Eastwood en los sesenta, y así poder recrear los momentos que rodearon al asesinato del presidente en 1963.
En la Línea De Fuego fue la penúltima película en la que Eastwood no se dirigió a sí mismo.
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| Hay que hacer algo más que lo habitual para impresionar a Lilly Raines (Rene Russo) |
Aún en 1993, Clint volvió a ponerse detrás de la cámara para dirigir (además de participar en el reparto) una de sus películas más grandes y a la vez infravaloradas, la genial A PERFECT WORLD (UN MUNDO PERFECTO), en la que ROBERT HAYNES (interpretado, curiosamente, por un gran Kevin Costner) es un preso a la fuga que toma como rehén a un chavalito. Eastwood es el Ranger tejano que dirige su persecución y también aparece LAURA DERN.
Clint, como ya he dicho, también actúa en la cinta. Pero no hay que dejarse llevar por eso, ya que su tiempo en pantalla es escaso (de hecho no iba ni a participar en ese sentido) y la trama se sustenta en la singular relación entre Haynes y su rehén PHILIP (T.J. LOWTHER), con momentos entre ambos que han sido destacados por la crítica por ser de los más trabajados en la carrera de Eastwood. El resultado es una de esas películas menores del Clint director, pero que triunfa por sus pequeños momentos y reflexiones, ya sean divertidas o amargas. El personaje de Lowther es llamativo, ya que al provenir de un entorno ridículamente estricto, curiosamente empieza a conocer la vida, a disfrutarla y a ser él mismo gracias a alguien como Haynes. La realidad con la que los personajes de la trama tienen que convivir choca con el título de la película. El propio Clint dijo que le parecía que la peli era arriesgada, pero que le apetecía intentarlo, hacer algo que se saliese de lo convencional. Puede que el público esperase una historia sobre una feroz persecución entre el policía y el fugitivo, o quizás una gran aventura por parte de los dos protagonistas, pero no.
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| Colegas inesperados |
El guion contó con el interés del mismísimo Steven Spielberg, pero en esa época estaba liado con JURASSIC PARK (PARQUE JURÁSICO, 1993), por lo que Clint, muy ocupado por su parte con temas relacionados con las dos anteriores películas, vio aquí una buena oportunidad para olvidarse de actuar, algo que sólo hizo porque lo sugirió el propio Costner. Como ya he dicho, la presencia del Eastwood actor aquí no es significativa, al menos en lo que al metraje se refiere.
La cinta tuvo un éxito moderado en ese lado del charco pero, curiosamente, su taquilla fue considerablemente mayor en el resto del mundo, triplicando con creces la de Estados Unidos y Canadá.
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| Garnett junto a su colega Sally Gerber (una joven Laura Dern) |
En lo relativo a la crítica, a pesar de no haber una clara unanimidad (se habló de una historia algo inconexa y sobre todo de cierta idealización del personaje de Costner, que no deja de ser un delincuente), ésta estuvo con la cinta. El trabajo de Costner fue especialmente alabado, así como las emociones que destapa la película, y el crítico ROGERT EBERT (alguien que no ha sido nombrado hasta ahora, pero cuyas opiniones suelo recoger) llegó a decir que Un Mundo Perfecto era una película que cualquier director vivo se enorgullecería de firmar.
Sea como fuere, una gran película (amarga, eso sí), y una grata sorpresa la participación de un Lowther que por entonces tendría unos seis o siete años y del que, tras trabajar en productos menores durante los noventa, no se supo mucho más. Para Costner supuso un punto álgido en su filmografía, en lo concerniente a la crítica.
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| Costner y Clint, los dos grandes últimos señores del western, durante el rodaje |
En 1994 no hubo nada nuevo de Clint, y llegado 1995, realizó un pequeño cameo sin acreditar (compartido con Mel Gibson, por cierto) en la película infantil CASPER, de BRAD SILBERLING. Pero lo que realmente haría de ese año uno a tener en cuenta dentro de su carrera, fue el estreno de THE BRIDGES OF MADISON COUNTY (LOS PUENTES DE MADISON), una de sus cintas más recordadas y mejor valoradas, y de paso, un cambio de registro a todos los niveles como probablemente no había conocido su carrera hasta entonces (a excepción de Primavera En Otoño). Se trata de un drama romántico que podría pasar por una variante de dicha Primavera En Otoño, salvando las obvias distancias y protagonizada por él, junto a una de las mejores actrices de todos los tiempos y probablemente la mejor actriz viva, la inigualable MERYL STREEP. Basada en una novela de 1992 y de igual nombre, escrita por ROBERT JAMES WALLER, cuenta el corto e improbable romance entre FRANCESCA, una mujer italiana y ROBERT KINCAID, un fotógrafo de NATIONAL GEOGRAPHIC que viaja a Madison para fotografiar sus famosos puentes. La trama se cuenta desde la perspectiva de ella, como un prolongado flashback, a través de una serie de material que los sorprendidos hijos de Francesca encuentran en la casa familiar, ya en el presente y una vez fallecida la propia Francesca.
Una serie de nombres y circunstancias se asocian al proyecto antes de que éste se lleve a cabo, ya que los derechos los había comprado Spielberg antes de publicarse el libro (?) y éste había contactado con SYDNEY POLLACK para dirigir, mientras que Eastwood había sido desde muy pronto la opción protagonista. Pollack se borró y Spielberg pensó en ser él el director. Un tercer borrador del guion (escrito por RICHARD LAGRAVENESE, e incluyendo lo relativo a los hijos de la protagonista, las cartas, etc, algo bastante acertado, en mi opinión) era del gusto de todos, pero cuando Spielberg no quiso dirigir, se trajo a BRUCE BERESFORD, y con éste vino otro borrador. El entorno de Eastwood prefirió el borrador de LaGravenese y Beresford abandonó el asunto y Clint acabó dirigiendo.
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| Francesca, Kincaid y uno de los pintorescos puentes |
Esta película volvió a ser otro éxito de taquilla, con una muy positiva acogida en Japón (?), de entre todos los sitios. Dicho éxito fue acompañado por una generalizada aclamación crítica, que destacó el acierto de Eastwood al elevar con la cinta el material del que ésta partía (se habla de una mirada poco discreta por parte del libro y de una mucho más observadora en la película). Yo recuerdo haber leído el libro tiempo después de ver la peli y no me dijo gran cosa, con lo que esta película perfectamente puede ser uno de esos raros ejemplos en los que un libro queda por debajo de su adaptación a la gran pantalla. Quién lo iba a pensar, pero tras una larga carrera de personajes brutos y polémicos, y sus respectivas burradas verbales y físicas, un crítico llegó a decir que este film era el regalo de Clint Eastwood a las mujeres. Cómo se te queda el cuerpo?
Lo he escuchado varias veces, y por parte de distintos espectadores: aburrida, peli para tías, qué hace Clint en una película así, etc. Lo que sea, pero es una gran película, como grande es la interacción entre los protagonistas y la química entre ellos, lejos de lo empalagoso (algo que sí se atribuye al libro), con un ritmo tranquilo y un montón de silencios. Continuamente se reivindica una de las escenas finales a la hora de recordar ciertos momentos de la historia del cine y todo eso, pero sin embargo yo recuerdo más cómo los hijos de Francesca, ambos en matrimonios con problemas, usan lo que acaban de conocer para poner en orden su vida, o al menos ese aspecto de la misma. Lo toman como una cierta llamada de atención. Al fin y al cabo, el padre de ambos era una persona buena a la que su madre quería, y aún así, ella no pudo evitar ciertas cosas. Ni siquiera darse cuenta de ellas.
Es mejor no decir mucho más. Pero si curiosa es la propuesta que se hace al espectador, acerca de entender a Francesca y sus actos, sorprendente es también el comportamiento de Kincaid. Hay que ver la película, ya que la misma puede dar lugar a ciertos debates.
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| Hay algo por aquí más interesante de fotografiar que los puentes |
Streep obtuvo por este film una de sus muchas nominaciones a los premios de la Academia, aunque sin suerte, y exactamente lo mismo les pasó a ella y a la película en la categoría de drama en los Globos De Oro. Hubo premios de sobra, de todas formas, y también alguna anécdota que contar:
- La cinta obtuvo inicialmente la etiqueta de restringida, debido a una frase subida de tono, pero sarcástica, de Streep. Se apeló con éxito y la peli pasó a ser no apropiada para menores de trece años.
- Al contrario de lo que se suele hacer, la historia de los protagonistas se rodó de forma cronológica. Eastwood lo quiso así, ya que se trataba de que los actores y sus personajes se fuesen conociendo poco a poco.
- Se barajaron actrices tan famosas como ISABELLA ROSELLINI o CATHERINE DENEUVE para el papel de Francesca, pero Eastwood fue tajante desde el principio en lo relativo a Meryl Streep.
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| Una pareja de altura |
1996 volvió a ser otro año sin que el nombre del personaje apareciese en cartelera, pero 1997 trajo ABSOLUTE POWER (PODER ABSOLUTO), otro thriller a la altura del gran momento de forma del cineasta, y para el que volvió a contar con Gene Hackman, además de con actores tan respetados como ED HARRIS, la gran LAURA LINNEY (en su primer trabajo con Eastwood), SCOTT GLENN o RICHARD JENKINS. Clint dirige e interpreta a LUTHER WHITNEY, un ladrón de guante blanco que es testigo de un asesinato. La cinta adapta la novela de igual nombre escrita por DAVID BALDACCI y publicada en 1996. Los derechos de la misma también se habían vendido tiempo antes de publicarse, y el guion, que también se empezó a escribir antes de 1996, fue retocado a petición de Eastwood, para que se diesen ciertos cambios que no merecen ser comentados aquí para no estropear el visionado de la película o la lectura del libro.
Las críticas no fueron tan buenas como las más recientes, pero a mí me encantó esta película, sobre todo lo relativo a sus juegos de poder, el papel de Eastwood como ladrón y la participación de Linney como la hija del protagonista, siendo como es una de mis actrices preferidas. Se habló de una trama ilógica que lastraba la cinta, a pesar del reparto de estrellas y la diestra dirección de Eastwood. De todas formas, el público fue bastante más benevolente (se queda cerca del notable en IMDB), y la verdad es que yo sólo recuerdo buenas palabras acerca de Poder Absoluto por parte de las personas con las que coincidí en el momento de verla. Es más, pensaba leer críticas más entusiastas al investigar un poco para escribir sobre ella aquí, dado el buen recuerdo que tengo. Supongo que se trata de ver la película otra vez y averiguar cómo ha envejecido.
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| Eastwood y su hija en la pantalla, Laura Linney |
No hay mucho más que decir sobre esta cinta, también por miedo a un potencial spoiler (arruinar la película contando de más sobre su argumento). Al menos se quedó muy cerca de doblar su propio presupuesto en taquilla, por lo que supongo que puede considerarse un éxito comercial. He hablado ya de lo que yo considero películas menores de Eastwood, y no es que tenga a ésta como una de ellas (tampoco está entre sus títulos más populares, desde luego), pero quizás llegó en un momento de forma bastante dulce de Eastwood, y la calidad y repercusión de las pelis que la rodean hacen que Poder Absoluto pase más desapercibida y pueda parecer no tan buena como realmente es. Sea como sea, no tiene nada que ver con sus momentos más flojos de la década previa. Todo lo contrario.
Eastwood compuso la canción KATE'S THEME, que abre la banda sonora.
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| Un observador Luther Whitney |
Aún en 1997 se estrenó otra película de Eastwood de la que yo guardo un gran recuerdo, pero sobre la que también me sorprende leer que la acogida de la crítica no fue para nada entusiasta. Se trata de MIDNIGHT IN THE GARDEN OF GOOD AND EVIL (MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y EL MAL), para la que Clint se quedó detrás de la cámara, contando con otro reparto de perfil muy alto en el que destacan JOHN CUSACK, un muy joven y aún poco conocido JUDE LAW, y KEVIN SPACEY. Alison, la hija de Clint, tiene también una buena cuota de pantalla.
La película es un nuevo thriller de corte judicial y ambiente sureño que se vuelve a basar (con unas cuantas alteraciones) en otra novela (también con el mismo nombre), el best seller escrito por JOHN BERENDT (en quien se basa ligeramente el papel de Cusack) y publicado en 1994. La trama se centra en el anticuario JIM WILLIAMS (Spacey), investigado por la muerte de un chapero. Se rodó en su mayoría en la pintoresca ciudad sureña de Savannah y cuenta con unos cuantos personajes bastante peculiares (animales incluidos), algunos de ellos interpretados por sí mismos, ya que el libro entra en la categoría de novela testimonio, mezclando hechos y personajes reales con ficción. De hecho, el episodio en el que se basan libro y película es real, y aconteció en 1981. Algunas de las localizaciones utilizadas en la cinta son edificios reales que además tuvieron que ver con aquella historia, y unos cuantos vecinos aparecen como extras.
En lo que respecta a excentricidades, destacó sobre todo la participación de la ya fallecida actriz transgénero conocida como THE LADY CHABLIS, quien alcanzó una cierta notoriedad gracias al libro y a esta película, siendo uno de los primeros intérpretes transexuales en llegar al gran público.
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| Kevin Spacey, un peculiar señor sureño |
Para variar, con respecto a las últimas pelis de Clint, ésta fracasó en taquilla, no pudiendo recuperar lo invertido en su realización. Las críticas tampoco fueron buenas, y esto me vuelve a sorprender leerlo, ya que no sólo me gustó bastante esta película si no que siempre había pensado que estaba muy bien considerada. Estaba equivocado, ya que se habla de chapuza sureña que se arrastra sin considerar los detalles culturales que daban intriga a la novela. Entiendo que los críticos han de hacer su trabajo y que si son críticos es por algo, y por eso saben de lo que hablan, pero en fin, una de las ventajas que tiene el espectador medio sin mucha idea de ciertas cosas es poder apreciar algo sin darle tantas vueltas.
Un detalle gracioso es el que contaba el propio Berendt, autor de la novela, quien no terminó contento con la interpretación de Spacey. Él había aconsejado al actor que escuchase grabaciones privadas que tenía guardadas con conversaciones suyas con Williams e historias de éste, y decía que aún así, Spacey parecía haber hecho su papel como si estuviese medio dormido, para darse cuenta después de que el actor, que había rechazado escuchar esas grabaciones alegando que ya había escuchado las de los juicios de Williams, quizás sólo escuchó las de uno de ellos, aquel en el que Williams iba hasta arriba de valium.
En otro orden de cosas, ambos Clint y Alison cantaron en la banda sonora.
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| Clint, Cusack y Alison Eastwood durante el rodaje |
Ya en 1999, Clint acomete su cuarta adaptación consecutiva de un libro llamado igual que la posterior película, que sería TRUE CRIME (EJECUCIÓN INMINENTE). También actúa, dando vida al periodista STEVE EVERETT, quien es encargado de cubrir la ejecución de un convicto llamado FRANK BEECHUM. Este personaje fue interpretado por ISAIAH WASHINGTON, un actor que pocos años después lograría mucha fama gracias a su participación en la serie GREY'S ANATOMY (ANATOMÍA DE GREY). También participan el muy conocido JAMES WOODS, e incluso tiene un papel otra de las hijas de Eastwood, la pequeña FRANCESCA, nacida en 1993 de su relación con la actriz FRANCES FISHER, a quien a su vez se pudo ver en Sin Perdón.
Poco puedo decir de esta película, la verdad, ya que la vi muy poco después de estrenarse y nunca he repetido. La vi con mi amigo GONZALO (el legendario POTITO), que estará leyendo esto, cuando me invitó a su casa en La Palma. Recuerdo, eso sí, la tensión creada por la cuenta atrás en la que derivaba la trama, pero poco más. No tengo ninguna duda, una vez más, de que comparada con algunas de las cintas más flojas de la carrera de Clint, Ejecución Inminente sale muy bien parada. Y cuanto más leo sobre ella, más ganas me entran de volver a verla.
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| Clint, la pequeña Francesca y la actriz Diane Venora, a quien ya se pudo ver en Bird |
Las críticas del gran público fueron mayormente positivas, aunque sin muchos alardes. Hubo quien dudó de que Eastwood, como actor, fuese la elección más adecuada para su papel, lo que unido a una trama algo ordinaria, arrastraba el potencial del film. Dicho papel es el de un alcohólico en proceso de recuperación cuya vida es un absoluto caos, sobre todo debido a su propia personalidad (parece haber algún parecido entre ciertas actitudes de Everett y las propias de Clint), cuya tarea le viene dada tras el fallecimiento de un colega, y según los críticos puede que Eastwood dejase un poco de lado los detalles del crimen en cuestión para que su personaje pudiese lograr sus fines, pero más por él que por otra cosa, para así poder lograr cierta paz personal. En la mayoría de estos casos suele ser una ventaja no haber leído los libros en los que se basan las películas (ya que estos suelen ser superiores) y tener sólo éstas en cuenta, sin poder hacer ninguna comparación con el material original. Así se valora la película por lo que es, y no por ser una más o menos correcta adaptación de algo previo.
Peor lo más llamativo fue el fracaso en taquilla, ya que esta cinta ni siquiera recaudó un tercio de su presupuesto, siendo su peor película de los noventa en ese sentido (obviando Cazador Blanco, Corazón Negro, que recaudó bastante menos que ésta, pero su distribución había sido muy limitada).
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| El caótico Everett |
Para finalizar la década de los noventa, Clint dirigió el que supongo será el único videoclip de su carrera, para la canción WHY SHOULD I CARE?, que él mismo ayudó a componer y que interpretó la elegante DIANA KRALL. En dicho vídeo, imágenes de Ejecución Inminente se mezclan con las de la propia Krall interpretando el tema.
Fin de la cuarta parte
La actividad de Eastwood se había ido reduciendo poco a poco, a todos los niveles (lejos quedaban los tiempos en los que había un estreno suyo, o varios, cada año), para poder seguir concentrándose en proyectos más íntimos y personales (tendencia que ya se había asentado en los noventa) que además le iban a permitir estar menos tiempo delante de la cámara.
Aún así, el siglo XXI lo empezaría actuando y dirigiendo, como tantas otras veces, y asegurándose de paso de arreglar los relativos fracasos (comerciales, que no artísticos) previos con SPACE COWBOYS, estrenada en 2000. Esta cinta cuenta los tejemanejes de un veterano grupo de antiguos pilotos, cuya historia juntos viene de décadas atrás, que son enviados al espacio. Clint es FRANK CORVIN, uno de ellos, y los otros tres, Donald Sutherland, TOMMY LEE JONES y JAMES GARNER, completan un reparto de primer nivel. También aparecen otras caras conocidas, como JAMES CROMWELL, MARCIA GAY HARDEN y JOHN HAMM (quien debutó en esta peli). Los dos últimos, con mención especial para Gay Harden, volverían a trabajar con Eastwood después.
Los exteriores se rodaron en algunos de los centros más importantes del programa espacial americano, y con respecto a la parte del metraje correspondiente a cuando los protagonistas eran jóvenes (1958), se utilizaron actores jóvenes cuyas voces fueron dobladas por los cuatro protagonistas.
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| Garner, Jones, Eastwood y Sutherland |
Esta película fue, como ya he dicho, un éxito en taquilla que, si bien no estuvo a la altura de otros de Eastwood, sí se las arregló para recaudar más que Medianoche En El Jardín Del Bien Y El Mal y Ejecución Inminente juntas. La crítica también fue benevolente con ella, señalando que, si bien la historia iba a lo fácil, estando llena de tópicos y siendo algo que se había contado muchas veces antes (supongo que se refieren con esto al tema de las segundas oportunidades y quedar en paz con uno mismo), las interpretaciones y los efectos hacían que mereciese la pena. Se puso énfasis en la tensa interacción entre los personajes de Eastwood y Jones, cuya relación se había torcido en el pasado. Hubo incluso una nominación a los Óscar para esta película, en la categoría de mejor edición de sonido.
Recuerdo haber visto anunciada esta película en su día, en una época en la que mi interés por Clint Eastwood no era el actual (algo que cambiaría muy poco después, gracias a ciertos trabajos que se comentarán en breve), y tras ver el argumento lo primero que se me vino a la cabeza fue la palabra pereza. Algún año más tarde la pusieron en la tele, me decidí a verla y me di cuenta de lo equivocado que estaba. La recuerdo como una película más que entretenida y que me hizo pensar que cualquier cinta asociada al nombre del personaje merecía como poco una oportunidad.
Eastwood también colaboró en la la banda sonora, cuya composición quedó a cargo, cómo no, de Lennie Niehaus.
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| O lo que es igual, Tank, Hawk, O'Neill y Frank |
La fallida BLOOD WORK (DEUDA DE SANGRE), estrenada en 2002 (siendo la enésima adaptación de una novela con igual título, esta vez de 1998 y escrita por el muy famoso MICHAEL CONNELLY), fue la película que, en mi opinión, terminó con la gran racha artística de Eastwood que había comenzado con Sin Perdón, dando paso a su vez a otra de igual o mayor calibre. Clint dirige y además interpreta al protagonista, TERRY MCCALEB, un ex agente del FBI a la caza de un sádico asesino, completando el reparto principal los famosos JEFF DANIELS y ANJELICA HUSTON.
Poco que decir con respecto a esta cinta, ya que tengo imágenes vagas de la cinta, la cual vi hace mucho. Sí que recuerdo una trama un tanto rebuscada, pero a la vez previsible, y alguna cosa un poco salida de madre, no sé si en forma de relación entre alguno de los personajes. Es más, en este caso sí que he leído el libro, aunque no sé si antes o después de ver la película, y tampoco recuerdo que me dijese gran cosa. Los críticos tampoco la apreciaron mucho, hablando de ritmo lento y de un thriller que era más de lo mismo, aunque alguno valoraba el coraje del viejo protagonista, dedicándose a lo suyo una vez más. Les quedaba mucho por ver aún.
Esta película volvió a quedarse por debajo de lo esperado en taquilla, no pudiendo recuperar más que poco más de la mitad de su presupuesto.
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| El atormentado McCaleb junto a Buddy, personaje interpretado por Jeff Daniels |
El dato curioso lo pone una nueva aparición (ya se la había visto en Ejecución Inminente) de DINA RUIZ, la entonces mujer de Clint (bastantes años más joven que él y con quien tuvo en 1996 a su hija MORGAN), interpretando a una periodista, algo que ella es (o lo era en su día) en la vida real. De hecho se conocieron debido a una entrevista que la periodista hizo a Eastwood. Junto a su hija Morgan, además de la ya mencionada Francesca, otra de las hijas del actor, protagonizó en 2012 un reality show llamado MRS. EASTWOOD & COMPANY (ella y Clint aún no se habían divorciado) que felizmente (teniendo en cuenta el argumento y la pobre nota de IMDB) sólo duró una temporada de diez episodios, en tres de los cuales apareció Clint.
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| La doctora Fox (Anjelica Huston) vigila la salud de un Clint con problemas cardíacos en Deuda De Sangre |
2003 trajo una de las películas más brillantes de la carrera de Eastwood, y una de esas cuya respuesta positiva fue casi unánime, la sobresaliente MYSTIC RIVER, para la cual se echó a un lado y se dedicó sólo a la dirección. La trama, basada en la novela de DENIS LEHANE, y guionizada por BRIAN HELGELAND (responsable también del libreto de la aclamada L.A. CONFIDENTIAL estrenada en 1997 y dirigida por CURTIS HANSON), sigue las andanzas de tres antiguos amigos de Boston, unidos veinticinco años después. No creo que queden muchas personas amantes del cine y un poco sensatas que no hayan visto esta película, pero por si las hay y alguna de ellas decide leer esto, me ahorraré dar ningún detalle más sobre la trama. En cuanto a Lehane, no recuerdo si era muy conocido antes de la adaptación por parte de Eastwood de su novela, pero en cualquier caso encontró notoriedad tras ella, y merecida, ya que es el autor de otros libros llevados con éxito a la gran pantalla, como GONE, BABY GONE (DESAPARECIÓ UNA NOCHE), SHUTTER ISLAND o THE DROP (LA ENTREGA). Para el cinéfilo medio, las películas que adaptaron los libros recién nombrados no necesitan presentación. Pero hay más, ya que entre otros trabajos, Lehane es responsable de haber escrito cuatro episodios THE WIRE, probablemente una de las tres mejores series de televisión de la historia.
Con estos mimbres el proyecto pintaba bien, pero además estaba el espectacular reparto. Cuando hablé de Sin Perdón dije que el de esa cinta podía ser el reparto de más nivel de la carrera de Eastwood hasta ese momento, pero es muy posible que se viese superado por el de Mystic River. Clint no actúa esta vez, pero en su lugar aparece un espectacular KEVIN BACON, en un papel que, salvando ciertas distancias, podría haber interpretado un Eastwood más joven. Le acompañan SEAN PENN, un fuera de serie, y TIM ROBBINS, sobre quien también sobran las presentaciones. De hecho, estos dos últimos ya habían triunfado juntos en 1995, como protagonista y director, respectivamente, en la espectacular DEAD MAN WALKING (PENA DE MUERTE). Estos tres actores daban vida a los tres amigos protagonistas, pero aún quedaban otro trío de lujo, con el siempre fiable LAURENCE FISHBURNE, y sobre todo con las dos brillantes repetidoras Laura Linney y Marcia Gay Harden. Además, Mystic River supuso la carta de presentación para el gran público de la entonces muy joven y polifacética EMMY ROSSUM. Hasta el legendario Eli Wallach aparece sin acreditar.
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| Eastwood dirige a Penn y Bacon |
La cinta fue un gran éxito comercial y crítico, y además triunfó en la siguiente edición de los premios de la Academia, y con todo merecimiento. Pero más sobre esto último luego. Comentar primero que Mystic River recaudó cerca de ciento sesenta millones de dólares en todo el mundo, lo que superó con creces los menos de treinta que usó como presupuesto. La crítica generalizada estuvo con el film, con notas que rondan o superan el notable alto en las webs más populares (7,9 en IMDB tras unos cuatrocientos ochenta y cuatro mil votos, nada menos), y la especializada alabó, sobre todo, el factor humano, las impecables actuaciones y la compenetración de Eastwood con sus actores, además de la evolución de este último como cineasta, volcando todo lo que sabía sobre su oficio en la película.
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| Dave Boyle, víctima de su infierno personal, interpretado de manera brillante por Robbins |
En lo que a mí respecta, recuerdo un día de verano de 2004, en el que una comercial del Círculo De Lectores llamó a la puerta para ofrecer una suscripción. Hubiese dicho que no, como se suele hacer en ese tipo de situaciones apresuradas y muchas veces incómodas, pero tras valorar una oferta más que buena, y ver que, de todos los libros que podía elegir primero, uno de ellos era el de Lehane, me animé. Había visto la película de Eastwood el año anterior, al estrenarse, y me había gustado muchísimo, pero el libro es otra maravilla, y ni siquiera haber visto antes la peli estropeó su lectura lo más mínimo. Es más, recuerdo a mi padre, alguien poco dado a emocionarse con este tipo de cosas, viendo la peli tras mi consejo, alabándola como es raro en él, y poniéndose a leer el libro acto seguido. Tras leerlo me dijo que había estado a punto de llorar.
No es para menos, y es difícil no sentirse incómodo al recordar el punto de partida de la trama, y por supuesto el final de la película. O aquella escena en la que la más brutal de las desesperaciones hace que uno de los personajes haya de ser reducido por unos cuantos (muchos) policías. En general, el espectador es testigo del peso insoportable de la fatalidad, que parece estar a punto de caer sobre los protagonistas durante todo el metraje. No hace falta que lo diga, pero se trata de un drama de primer orden. La tragedia en estado puro. Como si el mal mismo hubiese decidido instalarse en ese barrio irlandés de Boston y llevarse todo consigo.
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| Laura Linney es Annabeth, la leal segunda esposa de Jimmy (Penn) |
Como curiosidades hay que decir que esta película fue la primera en la que Eastwood compuso la banda sonora. Además, MICHAEL KEATON fue la primera opción para el papel que acabaría interpretando Kevin Bacon, aunque acabaría abandonando el rodaje debido a diferencias artísticas con Clint Eastwood.
En cuanto a los Óscars, si esta peli no logró entrar en la lista de las películas que habían logrado el Big Five (en cuanto a nominaciones, para empezar) del que ya hablé en Sin Perdón (como recordatorio, comentar que esto consiste en nominaciones para la película, director, actor principal, actriz principal y guion), fue porque no hubo nominación para la actriz principal (no hay ninguna en Mystic River). A cambio, a las otras cuatro nominaciones les acompañaron una nominación para Gay Harden como actriz de reparto y otra para Robbins por lo mismo en el ámbito masculino. Ganaron la estatuilla Sean Penn (tras tres nominaciones anteriores) y Tim Robbins. Ambos triunfarían también en los Globos De Oro y la lista completa de premios, nominaciones, etc, es más que extensa.
Esos Óscar de Penn y Robbins, como actores principal y secundario, significaron la primera vez desde 1959, con BEN HUR (WILLIAM WYLER), que algo así pasaba. En aquella ocasión lo habían ganado CHARLTON HESTON (principal) y HUGH GRIFFITH (secundario).
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| Espectacular Marcia Gay Harden, aquí junto a Sean Penn |
Ese mismo 2003 Clint participó en una serie documental de Scorsese, acerca de la historia del blues como género musical, llamada THE BLUES, con la dirección del episodio PIANO BLUES. No he visto dicho episodio ni nada de esa serie, así que no puedo comentar nada al respecto.
Todo lo dicho sobre Mystic River se vio incluso aumentado al año siguiente con el estreno de la maravillosa MILLION DOLLAR BABY, con la que Eastwood (participando también como actor) completaría (junto a Mystic River, obviamente) el que es muy posible que sea el doblete más espectacular de su carrera, con permiso quizás de las tres películas seguidas que rodó a las órdenes de Sergio Leone.
Million Dollar Baby es una nueva adaptación literaria, aunque esta vez no se trata de una novela, sino de una historia corta llamada MILLION $$$ BABY, que formaba parte de un libro llamado ROPE BURNS: STORIES FROM THE CORNER. Tengo dudas acerca de si el guion de PAUL HAGGIS (quien triunfaría en 2005 con el guion de la película CRASH, la cual también dirigiría) se basó sólo en dicha historia o si también cogió cosas de las demás. El libro, publicado en 2000, fue escrito por JERRY BOYD, un antiguo entrenador de boxeo que escribía con el pseudónimo F.X. TOOLE. Boyd falleció en 2002, y el éxito de la cinta de Eastwood ayudó a que su novela POUND FOR POUND se publicase en 2006 de manera póstuma.
La trama de la película se centra en la figura de MAGGIE FITZGERALD (HILARY SWANK) una valiente boxeadora amateur que se gana la vida como puede y prefiere mirar hacia adelante para no hundirse en el pozo que es su propia vida. Con vistas a lograr su sueño de dedicarse al boxeo de manera profesional, contacta con un reacio y cascarrabias entrenador llamado FRANKIE DUNN (Eastwood), quien a su vez es ayudado en las labores de su gimnasio por su amigo y antiguo boxeador SCRAP, interpretado por un reincidente e inolvidable Morgan Freeman.
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| Dunn y Scrap han conocido mejores tiempos |
Por lo visto, Haggis escribió el guion por su cuenta, mientras estaba desempleado, sin que esta tarea le fuese asignada por nadie. Tardó en poder venderlo, y después de conseguirlo el guion estuvo un tiempo olvidado y fue de rechazo en rechazo, incluso por parte de Warner, a pesar de haber aceptado Eastwood dirigir y actuar. Al final, el presupuesto necesario se logró gracias a una coproducción. La mayor preocupación para Clint era el físico de Swank. Nada que objetar a su capacidad actoral, al revés (ella ya había ganado un Óscar en 1999 por su papel en BOYS DON'T CRY, de KIMBERLY PEIRCE), pero su constitución estaba lejos de ser la de alguien dedicado al boxeo. Así fue como la actriz se metió en una salvaje dinámica de entrenamiento para estar a la altura del personaje, y de hecho recuerdo una entrevista con ella que leí, con motivo de esta película, en la que decía que una vez terminado el rodaje no quería perder todo el músculo ganado, ya que se veía mejor así que estando tan delgada como antes. No hay más que verla en los dos papeles nombrados y comparar.
A pesar de ser Clint Eastwood quien es, alguien del todo legendario mucho antes de este rodaje, y a pesar del reciente éxito de Mystic River, Clint no lo tuvo nada fácil para sacar adelante este proyecto. Este artículo (en inglés) lo cuenta bien, así como el interés previo de la conocida SANDRA BULLOCK por llevarlo a cabo.
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| Dunn, un tipo con mal carácter y buen corazón, encontrará en Fitzgerald motivaciones más allá del boxeo |
La película triunfó en los Óscars de 2005, recaudó una barbaridad de dinero en taquilla (cerca de doscientos veinte millones de dólares en todo el mundo, en contraste con otro presupuesto de unos treinta) y fue alabada por la crítica, pasando en un principio de ser candidata a mejor peli del año, a serlo de esa década, del siglo XXI (la mejor para THE NEW YORK TIMES, ya en 2017) y, finalmente, de todos los tiempos (puesto sesenta y tres para la revista PARADE en 2023). Y con todo merecimiento, si se me pregunta.
Las webs de cine indican una nota general de notable alto (digamos entre el 8 y el 9, siempre teniendo en cuenta la inmensa dificultad que supone llegar a un 9 de nota cuando una cinta muy popular tiene montones de votaciones; en IMDB tiene un altísimo 8,1 tras unas setecientas veinte mil votaciones) y los críticos más especializados llegaron a usar la manoseada frase obra maestra, pero esta vez con acierto. No todos los comentarios al respecto del film fueron tan rabiosamente entusiastas, pero eso lo comentaré un poco más abajo, debido a que es imposible no hablar de esta cinta sin el uso de spoilers, de los cuales voy a tirar por primera vez, aunque con anuncio previo, eso sí.
Million Dollar Baby reventó la entrega de los Óscars, como ya he dicho. Una vez más tengo que volver a Sin Perdón, cuando dije que me ahorraba ciertos comentarios sobre Eastwood y esos premios, más allá de la propia Sin Perdón, para hacerlos en el momento adecuado. Éste es. Million Dollar Baby es la contribución de Clint a esa famosa lista, formada por cuarenta y tres películas, que incluye a todas las que lograron el llamado Big Five de la gala, del que también acabo de hablar en relación con Mystic River. La cinta logró las cinco nominaciones de dicho logro y además otras dos, al mejor secundario y a la mejor edición. Ganó el premio a mejor película, mejor director y mejor actriz, fallando Haggis con el guion y el propio Clint como actor principal, a la hora de unirse a las tres películas que además de lograr el Big Five, acabaron ganando los cinco premios. Además, al igual que con Sin Perdón, Clint se quedaba a falta de ese premio como mejor actor de lograr el triplete inédito de película, dirección y mejor actor principal. Freeman también ganó como actor secundario y, además, Eastwood y Swank ganaron un Globo De Oro cada uno, como director y actriz, respectivamente. Pero hubo muchos premios más.
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| Te apuesto a que no dejas KO a la próxima en menos de treinta segundos |
Alerta spoilers
Million Dollar Baby va mucho más allá del típico drama deportivo, o de la búsqueda del sueño americano. Recuerdo estar leyendo la revista FOTOGRAMAS (antiguo referente en su día y ridiculez woke a día de hoy, por lo que leo de ella en redes sociales) poco antes de ir a ver la película y esta cinta aparecía en su sección de críticas. No pude evitar cometer el error de leer la suya, y con esto me refiero a que los encargados de la crítica fueron tan estúpidos (pensarán que todo el que lee su revista ya ha ido al cine a ver las pelis) de, para poner énfasis en lo buena que era, comentar en el apartado de lo peor que lo único malo que se podía decir de esta peli es que ponía en su triste lugar a MAR ADENTRO, de ALEJANDRO AMENABAR. Dicha película, conocida por todos por su trama basada en hechos reales, se había estrenado meses antes. En ella, JAVIER BARDEM interpretaba a RAMÓN SAMPEDRO, un señor que había pasado buena parte de su vida postrado en una cama, luchando por que le dejasen morir. No tengo nada en contra de esta película, ya que la vi en su día y me gustó, pero esa estúpida e innecesaria revelación me hizo darme cuenta de que la cinta de Eastwood iba a tratar sobre la eutanasia. Y en efecto. Dicho esto, he de reconocer que saber aquello no estropeó la experiencia para nada. Recuerdo estar con mi amigo SAMUEL y comentarle, tras recomendarle la peli, que iba a ser, con casi total seguridad, la mejor del año, a lo cual me preguntó si no estaba exagerando un poco. De ninguna manera. Yo me terminé quedando corto y él me acabaría reconociendo que mi afirmación no era exagerada para nada.
Muchas veces se nos habrá preguntado cuáles son nuestras películas preferidas, o incluso cuál es la que más nos gusta. Sólo una. Hay gente que lo tiene claro, pero yo considero este debate, si bien algo entretenido, un poco ridículo, ya que hay tantos géneros y tantas películas buenas que la elección de una sola me parece algo como poco difícil, por no hablar de que no hay por qué elegir una por encima de otras. No son incompatibles. Pues bien, a pesar de todo, hace tiempo que llegué a la conclusión de que no me importaría para nada quedarme con ésta a la hora de contestar a esa pregunta. Sería una opción mucho más que factible y digna.
Pero el caso es que lo antes mencionado llevó a que hubiese críticas por una supuesta estrategia de marketing engañosa, ya que ésta no mencionaba nada sobre el giro de la trama. Pero, cómo hacerlo? Las quejas venían de publicitar una especie de ROCKY (JOHN G. AVILDSEN, 1976) femenina sin apenas pistas sobre lo que vendría después, algo que considero lógico. Un crítico llegó a decir que ninguna película le había deprimido tanto, refiriéndose a lo que hay detrás del boxeo.
También hubo críticas (con concentraciones de protesta y todo) por parte de asociaciones defensoras de los derechos de los discapacitados, basadas en que muchos de ellos encuentran la felicidad en una vida distinta que merece la pena ser vivida. Esto, en mi opinión, es una estupidez mayúscula, ya que si bien todo lo anterior es cierto, no todas las personas que se ven en una situación así la afrontan de igual manera. Pero es que además, cualquiera que haya visto el film habrá sido consciente de que en esta historia quien se ve en esa situación decide no querer vivir más e incluso hay algún intento de suicidio.
Hubo también quien hubiese preferido un final feliz y triunfante, lo que es otra bobada. Hay películas en las que eso pasa, pero ésta no es una de ellas. Eastwood se defendía de estas críticas en una entrevista con una afirmación bastante lograda y muy suya, viniendo a decir que él hacía películas, pero se distanciaba de lo que pasaba en ellas. Que se había pasado años reventando criminales con una Magnum 44, pero que eso no significaba que él pensase que algo así estaba bien. Él cuenta una historia pero no se posiciona al respecto. El ya mencionado Rogert Ebert comentó, en defensa del film, que una película no es buena por su contenido, si no por cómo lo trata.
Y en este sentido, Clint trata al de Million Dollar Baby de manera artesanal. Desde el pasado de Scrap, pasando por las confesiones y preguntas que Dunn le hace a un cura que claramente no puede darle respuestas y que acaba harto de él, hasta las relaciones que se dan entre los personajes: afecto y buen rollo entre Scrap y Maggie, tirantez inicial de Dunn con respecto a la propia Maggie, quien parece idolatrar a su malhumorado mentor, y amistad llena de silencios entre Dunn y Scrap. Cómo olvidar la conversación entre ambos sobre los calcetines de Scrap o aquella escena en la que Dunn comenta educadamente la escasa habilidad de una risueña Maggie con el punching ball.
Pero nada como el giro de la historia y su inevitable y triste final, que son los golpes más brutales que pega la película, junto con saber que toda la narración de Scrap es en realidad una carta de éste a la hija de Dunn, de la que llevaba tiempo separado (algo que atormentaba al bueno de Dunn), para que ella conociese la verdadera dimensión de su padre como persona.
Ah! También hay escenas de boxeo y unos cuantos combates.
Y a pesar de no haber seguido demasiado la ya larga e irregular carrera de Hilary Swank, y de no haber visto muchas películas en las que aparezca ella, todo eso me da exactamente igual. Haga lo que haga siempre será la actriz que protagonizó esta película.
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| Maggie Fitzgerald |
Hay también alguna que otra anécdota digna de contar:
- El título de la historia en el que se basa la película está sacado de un insulto que el legendario boxeador MUHAMMAD ALI, en aquella ocasión aún como aspirante con todas las de perder, recibió de SONNY LISTON en el previo de un combate.
- Eastwood compuso la canción BLUE MORGAN para la banda sonora, en la que también participa Kyle Eastwood.
- La hija de éste, la ya mencionada Morgan, tiene una minúscula aparición en el película.
- El apodo gaélico de Fitzgerald, Mo Chuisle, se deletreó de manera incorrecta en el film como Mo Cuishle. Esta expresión viene de la frase A Chuisle Mo Croi, que viene a ser el latido de mi corazón. Por lo visto, esta frase y su uso en la cinta llevó a un inesperado interés en dicho idioma.
- Alguna edición más elegante del DVD se completó con una copia de bolsillo del libro de Toole.
- El tremendo entrenamiento de casi cinco horas diarias al que se sometió Swank le llevó a ganar casi nueve kilos de músculo, pero también a contraer una muy peligrosa infección a través de ampollas en los pies. La cosa no fue a más, pero parece que algo así puede hasta poner en riesgo la vida de quien lo padece. Swank no le comentó nada a Eastwood al respecto, al pensar que eso no sería algo que la propia Maggie hubiese hecho.
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| Una de las mejores películas de la historia |
Banderas De Nuestros Padres se centra en los cinco marines, y el médico de la Armada americana, que izaron la bandera americana en el monte Suribachi de dicha isla, tras la victoria de su ejército, como se puede apreciar en la más que famosa e icónica foto que valió a su autor, JOE ROSENTHAL, un premio Pullitzer aquel mismo año 1945.
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| La famosa foto, tratada para el cartel del film |
Esta cinta se basó en el libro de igual nombre escrito por JAMES BRADLEY (su padre, John, fue inicialmente una de esas seis personas de la foto, la única que no era un marine, aunque ésa fue sólo la versión oficial durante muchos años, ya que en 2016 se supo que en realidad él y otro de los seis de la foto en realidad no eran ellos) y RON POWERS, editado en 2000. En la peli aparecen muchos rostros habituales del cine y la televisión de este siglo, destacando RYAN PHILLIPE, la tristemente fallecida estrella de la saga FAST & FURIOUS, PAUL WALKER, y JAMIE BELL. Otros actores incluso más conocidos que los anteriores, como BRADLEY COOPER o JARED LETO, estuvieron relacionados con el proyecto, aunque al final no participaron en él. Además, esta película supone el debut actoral de otro de los hijos de Clint, el relativamente famoso SCOTT (recuerdo haberlo visto en un videoclip antiguo de la omnipresente y más que famosa cantante americana TAYLOR SWIFT, lo que a día de hoy supondría ponerlo en el mapa incluso sin haber hecho nada más), nacido en 1986 de la relación del figura de Eastwood con la asistente de vuelo JACELYN REEVES. Es un no parar lo de este hombre.
El guion volvió a contar con Paul Haggis, aunque Spielberg, coproductor del asunto, se trajo también a un tal WILLIAM BROYLES JR., quien entre otras cosas ya había escrito el guion para APOLLO 13 (RON HOWARD, 1995) y CAST AWAY (conocida aquí como NÁUFRAGO y dirigida por ROBERT ZEMECKIS, 2000), ambas con el bueno de TOM HANKS como protagonista.
Por lo visto, a la hora de documentarse acerca de los eventos que se narran en la película, Eastwood también se dedicó a informarse al respecto desde el punto de vista japonés, y eso le llevó a decidir hacer otra película que no estaba prevista en un principio y que sirviese de contrapartida a ésta, teniendo a los japoneses esta vez como protagonistas. Sería, obviamente, Cartas Desde Iwo Jima.
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| Clint, durante el rodaje |
Ésta es una de esas películas cuyas anécdotas acerca de su visionado son ahora mismo más nítidas para mí que la propia peli, algo que también pasa con su compañera. Las dos son muy buenas y, por mucho que la segunda esté rodada prácticamente entera en japonés y pueda parecer menos atractiva, a priori, por este motivo u otros (en mi caso, por ejemplo, que la pereza que me da todo lo asiático suele ser infinita), la recuerdo incluso mejor que Banderas De Nuestros Padres, y quizás más cercana a los personajes. Pero a lo que iba. Recuerdo haberlas visto las dos seguidas (lo que supone algo más de cuatro horas y media de sesión de cine bélico), en un poco ocupado turno de trabajo nocturno. Poco había que hacer aquel día, lógicamente, y recuerdo que, habiendo previsto eso, tenía el ordenador a mano (no la mejor opción para ver cine, lo sé), y en cuanto acabé con lo que tenía que hacer me puse con ellas. No con muchas ganas, no lo puedo negar, y es que el cine bélico me suele resultar de mucha recompensa, pero siempre a posteriori. A la hora de verlo me cuesta más, y no sé por qué, ya que los resultados suelen ser muy buenos. Creo recordar que Eastwood le tenía preparada una sorpresa bastante poco agradable a su hijo Scott, en lo que a la trama se refiere. Algo muy bestia, si no estoy equivocado. Pero todo bien, en general. Se trata de un bonito homenaje a aquellas personas que izaron la bandera, en un film que se centra también en sus vidas (no sólo en los aspectos bélicos) y en las consecuencias que el evento narrado en la película tuvo en ellas, ya que es de sobra conocido el afán de los Estados Unidos por exagerar y magnificar cualquier hazaña propia, y también por fabricar héroes.
Por lo demás, no he seguido el trabajo de Walker, pero Phillipe y Bell me parecen muy buenos actores, y al segundo le tengo especial aprecio porque pude verlo mientras rodaba una de sus películas, HALLAM FOE (del muy interesante director escocés DAVID MCKENZIE, 2007), en el transcurso de una estancia en Edimburgo.
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| Ryan Phillipe, interpretando a John Bradley |
Aunque las cifras de la película me bailan un poco, sea como fuere, no tuvo mucha suerte en taquilla, quedándose por debajo del presupuesto en algunos casos, o en el mejor de ellos, un poco por encima de él. Pero sí que fue alabada por la crítica, con notas que superan el notable en las webs típicas de consulta y buenos comentarios por parte de los críticos especializados, ensalzando su descripción de la guerra y el trabajo de Eastwood, que le valió una nominación al mejor director en los Globos De Oro (hubo dos nominaciones menores, sin suerte, en los premios de la Academia). En cuanto a lo comentado antes sobre la relación de los Estados Unidos con sus héroes, la crítica alabó el patriotismo que supone que la cinta rinda homenaje a aquellos que lucharon en el Pacífico, mientras nos recuerda que esas personas no eran superhéroes ni nada parecido, criticando así el cuestionable manejo que este país suele hacer de estos asuntos.
El propio Clint Eastwood compuso la partitura para la película.
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| Scott Eastwood y Paul Walker a lo suyo |
A pesar de su bastante menor presupuesto, Cartas Desde Iwo Jima tuvo más éxito y dio más que hablar que su colega, para empezar por ser la primera película americana en describir una confrontación bélica completamente desde el punto de vista de un enemigo americano. Ojo, que Eastwood no se casa con nadie, ni siquiera con el Tío Sam. Ya dije antes que la idea para esta película (rodada justo después de la anterior) surgió de la investigación de Eastwood acerca de las tácticas, etc, japonesas en la misma batalla, y de eso es de lo que trata: la misma historia desde el otro lado, incluyendo las cartas que los soldados japoneses enviaron a sus familias durante el conflicto, ya que la cinta se basa en los libros PICTURE LETTERS FROM THE COMMANDER IN CHIEF, escrito y publicado de manera póstuma (creo que en 1992) a partir de las cartas del general TADAMICHI KURIBAYASHI, y SO SAD TO FALL IN BATTLE: AN ACCOUNT OF WAR, por KUMIKO KAKEHASHI (2005). En cuanto al reparto, destaca la presencia de Ken Watanabe, interpretando al general anterior, y con respecto a los demás actores (en su inmensa mayoría asiáticos) yo no conozco a ninguno y no sé si serán conocidos o no. Supongo que no, porque Watanabe fue el único actor que no fue elegido a través de una audición. Él, por cierto, y como ya mencioné antes, protagonizaría en 2013 el remake asiático que se hizo de Sin Perdón.
Lo que comenté antes acerca del visionado de Banderas De Nuestros Padres se puede trasladar aquí, aunque sí que tengo más recuerdos de esta película, sobre todo de los túneles, del peculiar sentido del honor de los japoneses y de cómo reaccionan y se preparan cuando intuyen que van a pasar ciertas cosas. Y si recuerdo bien, creo que esta película me gustó más que la otra, lo que me sorprendió.
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| Eastwood y Watanabe |
Esta película, al igual que la otra, no tuvo un excesivo éxito comercial, recaudando poco más que su compañera. La diferencia es que ésta contó con un presupuesto bastante menor que el de su hermana mayor. Aún así, este éxito, en comparación con el presupuesto de partida, necesitó del empujón recaudatorio que recibió la cinta en el extranjero (tuvo bastante éxito en Japón), ya que la recaudación americana no hubiese igualado dicho presupuesto por sí misma.
A los críticos les volvió a gustar esta nueva incursión bélica de Eastwood, incluso más que la anterior, con halagos en todos los frentes. Hubo unos cuantos que la nombraron mejor película del año e incluso alguno usó la expresión obra maestra para referirse a ella. Lo mismo pasa con la nota de este film, en comparación con el otro, en las webs habituales de consulta. En IMDB, el notable corto de Banderas De Nuestros Padres (7,1) se ve ampliamente superado por el 7,8 de esta película, contando además con unas decenas de miles de votos más.
En general, se comentó que este film era más fuerte y directo que Banderas De Nuestros Padres, aunque también hubo alguna crítica negativa, como la que destacó que la cinta demostraba que los americanos podían ser tan empalagosos con los soldados enemigos como lo eran con los suyos, y que los japoneses podían ser gente mayormente decente, siempre que hubiesen estado en Estados Unidos. No me acuerdo de lo que se contaba en la peli, pero el general Kuribayashi sí había pasado tiempo en el país americano, y quizás alguna conversación de Watanabe durante la trama pudiese indicar algo en ese sentido.
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| Eastwood y algunos de sus actores durante la Berlinale de 2007 |
Japón acogió la cinta incluso mejor aún, desde luego en cuanto a lo comercial, aunque a los críticos también les gustó, y supongo que tiene que ser difícil narrar un evento así y tener contentas a ambas partes. Se destacó el respeto con el que Eastwood había retratado al bando japonés, la correcta descripción de la sociedad japonesa de la época, y el hecho de que, al contrario que muchas otras veces antes, la mayoría de los actores fuesen nativos, dotando a la trama de un mayor realismo, al menos para los japoneses, al evitar el problema de los acentos extranjeros, etc. Los japoneses agradecieron la ausencia de los habituales estereotipos sobre ellos.
Además, Cartas Desde Iwo Jima tuvo hasta más presencia en los premios. Se llevó un Óscar a la mejor edición de sonido, pero contó con nominaciones en los apartados de dirección, película y guion. Eastwood también fue nominado como mejor director en los Globos De Oro y, de paso, la cinta ganó la categoría de Mejor Película En Idioma Extranjero. Amén de un buen goteo más de premios, nominaciones y apariciones en las listas Top Ten.
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| Clint Eastwood congraciándose con el enemigo |
Esta película también dejó unas cuantas curiosidades:
- Se estrenó primero en Japón, teniendo un estreno posterior y muy limitado en los Estados Unidos, a finales de Diciembre de 2006, para así poder optar a los premios de la Academia de 2007.
- SAIGO, uno de los personajes principales de la trama, es ficticio, aunque este hecho es una rareza dentro del total de la cinta, ya que la mayoría de los mandos y el grueso de la batalla se basaron en la realidad.
- Hubo unas pocas escenas menores rodadas en la propia Iwo Jima, algo que se logró con permisos especiales desde Tokyo, y es que el acceso civil a la isla está muy restringido porque, entre otras cosas, hay soldados japoneses caídos en combate y desaparecidos bajo el suelo.
- Hay un acorazado que se puede observar en ambas películas que en la realidad también participó en el ataque a la isla.
- CHARLES W. LINDBERG es la única persona real en aparecer en ambas películas. Fue un marine que participó en la toma del monte Suribachi, y el actor que interpretó a este señor fue ALESSANDRO MASTROBUONO.
- Debido al éxito japonés de la película, el conjunto de islas conocido como Ogasawara Islands, del cual Iwo Jima es parte, experimentó un subidón turístico.
- En esta ocasión fue Kyle, el hijo músico de Eastwood, uno de los encargados de componer la música.
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| Cartel de la película |
Como ya se comentó al hablar de Bird (que es cuando parece que empezó el asunto), Clint tuvo, a consecuencia de estas dos películas, una serie de encontronazos con Spike Lee, nuevamente por temas raciales. Por resumir, Lee dijo que cómo Eastwood había podido hacer dos pelis seguidas sobre Iwo Jima sin que apareciese ningún marine negro en ellas. Eastwood se centró en la exactitud histórica y le contestó que se callase, ya que, si bien hubo marines negros en Iwo Jima, estos estaban segregados y la historia se centra sólo en aquellos que pusieron la bandera (ninguno de ellos de color). Clint acusó a Lee de estar buscando esta confrontación para dar bola a la peli que éste estaba rodando, sobre un pelotón estadounidense compuesto en su integridad por soldados negros y que luchó en Italia durante la II Guerra Mundial (MIRACLE OF ST. ANNA, 2008). Y Lee contestó diciendo que Eastwood se estaba comportando como un viejo gruñón. Por lo visto, el propio Spielberg medió entre ambos e incluso Lee mandó una copia de su peli a Clint para que éste la viese de manera privada, quizás como disculpa. Y es que al contrario de lo que decía Lee, sí que aparecen marines negros en Banderas De Nuestros Padres. Y lucharon en Iwo Jima, claro está, pero mayormente en funciones defensivas y de ayuda. De hecho, aparecen en el metraje y en fotos históricas que se pueden ver durante los créditos. Clint 2, Lee 0.
Ya en 2008 llegó un nuevo éxito (como poco moderado, al menos en lo que a la recaudación se refiere) tras las cámaras para Eastwood (quien acabó sustituyendo a Ron Howard por problemas de agenda de éste) gracias al estreno de CHANGELING (EL INTERCAMBIO), un drama de altura basado en hechos reales que contó con la participación estelar de la que era, con casi toda seguridad, una de las actrices más importantes del momento, ANGELINA JOLIE (según Clint, su cara se ajustaba bien a la época en la que transcurre la trama). También aparecían John Malkovich (tras su participación en En La Línea De Fuego), JEFFREY DONOVAN, MICHAEL KELLY y la habitual y brillante secundaria AMY RYAN, entre otros. Jolie da vida a CHRISTINE COLLINS, una mujer que, tras supuestamente recuperar a su hijo tras la desaparición de éste, varios meses después, denuncia que esa persona no es su hijo, lo que le lleva a una larga odisea de acusaciones, hospitales, demandas y juicios. Y a una injusta falta de credibilidad.
El proyecto parte de la larguísima e interrumpida investigación sobre Collins y su hijo WALTER que el guionista de la cinta, JOSEPH MICHAEL STRACZYNSKI, inició en los ochenta tras conocer el caso de esta señora (después de recibir un chivatazo acerca de documentación sobre todo esto que iba a ser quemada), inmerso en los conocidos como crímenes de Wineville, en los cuales unos cuantos niños fueron secuestrados y asesinados en el área de Los Ángeles a finales de los años veinte del siglo pasado. Todo esto supuso exponer, de paso, casos de corrupción por parte de la policía de Los Ángeles. El guion se basa en un montón de documentación (tanta que el sufrido guionista tuvo serias dificultades para ponerlo todo en orden y poder contar la historia) sobre este sórdido capítulo de la América más negra. Tan sórdido que al llegar los años treinta, los habitantes de Wineville cambiaron el nombre del pueblo a Mira Loma, para evitar la atroz fama que todo este tema había supuesto para la zona.
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| Malkovich (el reverendo Gustav Briegleb en la ficción) y Jolie |
A pesar del impacto más que positivo que dicho guion tuvo en los círculos en los que se movió, y de que Ron Howard lo acogiese, su elección de otros proyectos por encima de éste supuso que todo acabase en manos de Eastwood. Clint estuvo encantado de ponerse al mando por su afinidad con la época de la Gran Depresión, en la que él creció, y por el propio guion de Straczynski, centrado sobre todo en Collins (de quien éste opinaba que parecía ser la única persona en toda la historia sin intenciones ocultas) y no en otros personaje de la historia o en ciertas barbaridades que ocurrieron en la misma. Pero mejor no decir mucho más. Y es que el guionista confesaba haber recurrido a veces a recortes de periódico, etc, para recordar que lo que había pasado era real, dado el bizarro carácter del asunto. La intención final era honrar la tenacidad de Collins y lo que ésta fue capaz de hacer, y para ello no fue necesario añadir mucha ficción al tema, por lo ya comentado. Se pretendía presentar el film como una historia real, en vez de algo basado en una historia real. Y todo era real, pero a la vez tan grotesco que parecía mentira, y según Straczynski, sólo hubo un par de momentos en los que la poco habitual falta de información le llevó a imaginarse qué era lo que había pasado.
Para estar a la altura de todo lo comentado, Eastwood rodó, hasta el límite de lo posible, todo según estaba escrito en el primer borrador (el guionista había hecho otros dos más para Howard, pero Eastwood quería el primero). Sin más. Para ello también se ayudó de sus recuerdos acerca de la zona cuando él era niño, aunque hubo que hacer cambios con respecto a las localizaciones, ya que ciertas áreas del Los Ángeles de los años veinte habían desaparecido, lo que incluía el vecindario de Collins. De ahí que se recurriera a zonas cercanas que habían cambiado poco con respecto a aquella época, con los convenientes cambios y reformas, etc. Parecido con otras localizaciones claves en la trama, además de todo lo relativo al vestuario, coches, extras, un muy cuidadoso y particular uso de la iluminación, y la utilización de efectos visuales para crear ciertos añadidos, basándose en datos históricos, fotos aéreas de la época, la conducta de la gente en esos tiempos, etc.
Me ha sorprendido la cantidad de trabajo necesaria para recrear todas estas cosas, al menos en comparación con otras películas de Eastwood, pero me doy cuenta de que, quitando sus westerns, la inmensa mayoría de su cine cuenta historias ambientadas en la época en la que se rodó cada película, con la excepción de algunas, como ésta, que hablan sobre épocas más tempranas del siglo XX. Un buen ejemplo sería El Aventurero De Medianoche, también ambientada en la Gran Depresión, pero que en comparación con El Intercambio resulta una historia mucho menos ambiciosa y más modesta, además de haber sido rodada unos veinticinco años antes, con todo lo que eso supone. De ahí el despliegue de medios para llevar El Intercambio a buen puerto.
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| Eastwood divierte a Jolie con algunas de sus célebres frases de El Sargento De Hierro |
La película tuvo más éxito en taquilla en el resto del mundo que en Estados Unidos y, a pesar de que se habla de un éxito modesto en este aspecto, los más de ciento diez millones de dólares recaudados en todo el mundo superan el doble del presupuesto usado para rodarla. Este dato se me antoja bastante positivo, pero si no lo es tanto será por otras consideraciones que desconozco.
En lo relativo a la crítica, ésta fue bastante buena, al menos en general (un nuevo 7,8 en IMDB, tras unos doscientos sesenta y cinco mil votos), pero al igual que pasó con la recaudación, el reconocimiento en este sentido fue mejor en otras partes del mundo que en Estados Unidos. Tras una exitosa presentación en Cannes, se habló de que El Intercambio podría ser una seria candidata para los Óscars de 2009, pero cualquier tipo de entusiasmo al respecto quedó casi disipado por la reacción más comedida de los críticos en el país de origen. Hay excepciones, claro está, pero los mejores halagos se los llevan Angelina Jolie (a pesar del peso de su estatus y todo lo que eso conlleva) y un sorprendentemente bueno (según la crítica) elenco de secundarios. En cuanto al Eastwood director, la mayoría de los críticos apreciaron que no se detuviese en los aspectos más sensacionalistas y horribles del caso (se apunta a ellos para luego pasar por encima), aunque para otros eso (junto a la falta de matices que sí se aprecian en otras obras suyas) supuso cierta monotonía. También, y como era de esperar, se apreciaron los aspectos más técnicos del producto final y la cuidada recreación de la época.
Cualquiera que fuese la excitación inicial de cara a los premios de la Academia, la cosa no llegó para nada a los niveles de otras películas muy exitosas de Eastwood, ya que El Intercambio se fue de vacío, pero ahí quedaron sus tres nominaciones a la mejor actriz, cinematografía y dirección artística. Parecido pasó en los Globos De Oro, donde además Eastwood fue nominado a la mejor banda sonora, y es que Clint volvió a ejercer de compositor aquí. Añadir, de paso, ocho nominaciones sin éxito en los premios BAFTA, lo cual es bastante llamativo.
Fui al cine en su día a ver esta película, y la recuerdo bastante brillante. Recuerdo haber pasado al verla por algo que he leído sobre ella, y es que los hechos y el trato que recibe Collins (especialmente llamativo el papel de Jeffrey Donovan en este sentido, interpretando al capitán Jones, en quien se reunían algunas de las peores cosas que la peli denuncia) llevan al espectador a pasar del disgusto al cabreo, pasando por empatizar con la impotencia de la protagonista. Angelina Jolie es una actriz que, sin disgustarme, no me chifla, pero esta película es suya, cargando con el peso de la misma durante casi todo el metraje.
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| El capitán Jones, un auténtico cabronazo, interpretado por un convincente Jeffrey Donovan |
Pensaba que esta cinta era una de esas pelis menores de Eastwood a las que a veces me he referido, e incluso menor dentro de su obra en este siglo, pero estoy empezando a cambiar de idea. Independientemente de lo que yo piense sobre ella, veo que el nivel de éxito y el esfuerzo puesto en llevar a cabo el proyecto hacen de esta película algo mucho más grande de lo que yo pensaba (lo ya comentado acerca del trabajo de Straczynski con el guion dice mucho sobre esto). Y a mí mismo me está costando mucho más tiempo y trabajo hablar de ella que el promedio habitual que requieren otras. A veces enumero curiosidades y anécdotas sobre algunos trabajos de Clint, y la dimensión de El Intercambio hacen que eso también sea apropiado ahora, pero es que además hay muchas otras cosas que decir sobre la peli que no entran en esa categoría. Intentaré hablar de todo ello, señalando aquellos datos que supongan estropear la trama a quien no haya visto la película.
- Como era de esperar, la inmensa mayoría de personajes de la trama y sus nombres son reales, aunque algunos son una mezcla de varias personas. Ejemplos serían los personajes de Michael Kelly (el detective LESTER YBARRA) y Amy Ryan (CAROL DEXTER en la ficción), creado este último para dar idea de cómo era la mujer que se salía de las normas de la época y que muchas veces llegaba a ser ingresada de manera injusta en un psiquiátrico.
- Al escribir el guion, Straczynski incorporó al diálogo citas y testimonios realizados en juicio, para incidir en la veracidad de la historia. Y a la hora de poder vender dicho guion, añadió fotocopias de artículos de la época de tanto en cuanto, para que el lector no olvidase que lo que estaba leyendo había pasado de verdad. De cara a esto último, el guion fue repasado junto al departamento legal de los estudios Universal para que todo quedase corroborado.
- Ese guion incurría en un error temporal, eso sí, al nombrar el juego del Scrabble en un momento en el que aún faltaban dos años para que dicho juego saliese a la venta. Esto se arregló cambiando Scrabble por crucigrama.
- Alerta spoiler. La madre del culpable GORDON NORTHCOTT, SARAH LOUISE, quien también participó de sus barbaridades, fue omitida de la trama, así como las violaciones perpetradas por Northcott.
- El título original, Changeling, hace referencia a niños cambiados por otros, y viene de la criatura de igual nombre del folclore de la Europa occidental que las hadas dejaban a cambio de niños humanos. Este título iba a ser provisional, con idea de usar otro, para evitar una conexión con lo sobrenatural, pero el cambio no se produjo, aunque no sé por qué.
- Hillary Swank fue considerada para el papel de Collins. Ya comenté lo que Eastwood pensaba de la cara de Jolie y que tanto jugó a favor de ésta, pero la propia actriz tenía sus dudas, como madre, por la naturaleza de la historia. Acabó de convencerse por el hecho de que Collins fuese alguien capaz de recuperarse de la adversidad.
- Alerta spoiler. Donovan, al interpretar al capitán Jones, citó declaraciones reales del personaje. El actor declaró sentirse fascinado por su personaje y el poder de éste en aquella época. Y es que hay que tener en cuenta que ese tipo hizo ingresar a Collins en un hospital sin una orden judicial por considerarla problemática (el llamado Código 12, algo que después se prohibiría a la policía), y después de que ésta ganase una demanda contra la policía de Los Ángeles por este motivo, fue condenado a dejar su puesto y a pagar a Collins una buena multa, pero tiempo después recuperó dicho puesto y la multa jamás la pagó.
- Con John Malkovich se dio uno de esos casos en los que un actor es contratado para hacer un papel muy alejado de su línea habitual (ejemplo: el típico bueno habitual que interpreta a un criminal), y es que Malkovich, conocido mayormente por sus personajes retorcidos y maquiavélicos, interpreta aquí a una especie de cómplice de la protagonista.
- Alerta spoiler. El actor JASON BUTLER HARNER, visto, por ejemplo, en la famosa serie OZARK, interpretó a Northcott. Eastwood se mostró sorprendido por el parecido entre el actor (tras el proceso de maquillaje) y su personaje, y por la capacidad de Harner para interpretar lo que Harner definía como una maravillosa persona horrible con ciertas trazas de locura, pero sin llegar a recordar a tarados tipo CHARLES MANSON.
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| Tú no eres mi hijo |
- Eastwood, famoso por sus austeros y veloces rodajes, dio una nueva vuelta de tuerca a todo esto en esta cinta, al menos según sus actores. Él espera que un actor llegue sabiendo lo que tiene que hacer y lo haga, sin halagos vacíos ni tontas inseguridades, y por eso las instrucciones son mínimas (por lo visto, el tipo ni siquiera usa lo de acción! o corten!), los ensayos y las tomas escasas, y la tranquilidad abundante. Todo por el bien de la mayor autenticidad posible en lo que a las interpretaciones se refiere. Tom Hanks (de quien habrá que hablar en breve) bromeaba (con bastante salero además, el muy cabronazo) al respecto en el británico show de GRAHAM NORTON, diciendo que Eastwood, tras sus experiencias de toda una vida en ciertos rodajes, trataba a sus actores como si fuesen caballos, y así, evitando gritos y ciertas expresiones, simplemente les decía All right, go ahead (lo que vendría a ser un simple Ok, adelante).
En este sentido, Donovan reconocía no haber recibido instrucciones del director ni tampoco un solo comentario acerca de su decisión de interpretar a Jones con cierto acento irlandés (?), mientras que Jolie reconocía que Eastwood solía pedirle que interpretase ciertas escenas con tranquilidad, como si fuesen sólo para él, mientras que mandaba empezar a rodar antes de tiempo, sin que ella lo notase, para lograr esa comentada autenticidad.
- El montaje original era de unas tres horas. Fue recortado a unas dos horas y veinte minutos.
- Alerta spoiler. Como en otras ocasiones, Clint tiró de ambigüedad con respecto al final, de cara a dejarlo abierto y provocar la incertidumbre del espectador. Aquí juega un papel importante la escena de cierre, la cual fue añadida después de la presentación de la cinta en Cannes (no había tiempo, y en su lugar, el final se iba volviendo de color negro), y que además es un buen ejemplo de todo lo ya comentado sobre los efectos, etc, utilizados en la película. Esta escena hace que el espectador no se aparte de la película al momento, de manera abrupta, y se quede pensando en lo que ha visto y en qué habrá podido pasar, además de, creo, incluir una leyenda antes de los créditos. No recuerdo nada de esto último, y quizás fui tan poco listo de salir del cine antes de que apareciese.
- Alerta spoiler. Algunos de los temas principales de la película son la vulnerabilidad femenina en aquella época, los prejuicios hacia ellas y la relación de todo esto con la psiquiatría. Así, Collins, una mujer herida en busca de justicia e independencia es percibida como un problema para el hombre y, visto que es necesario, sus aptitudes mentales se manipulan para reducirla, algo en lo que colaboraba la propia policía. Ojo, Clint Eastwood vuelve a sus andadas feministas. Pero más que un panfleto al respecto, la crítica lo percibió (al igual que en Million Dollar Baby) como el debido respeto a las mujeres fuertes. Por lo que se ve, estando localizada esta historia pocos años después de que las mujeres pudiesen votar y empezar a ser independientes, el sistema masculino, por así llamarlo, empezó a usar la psiquiatría como un medio para restar poder a las mujeres. De todas formas, el tratamiento de electro-convulsión que se ve en la peli no se daba en la época.
- Alerta spoiler. La Gran Depresión llegó tras el derrumbe financiero de 1929, por lo que se usa a menudo la expresión los locos veinte para referirse a esa década, pero la cinta deja de lado todo tipo de romanticismo y glamour para centrarse en el despotismo, la corrupción e incluso el sadismo y la falta de piedad de ciertas autoridades. Eastwood compara aquello con los tiempos actuales y dice no reconocer que alguna vez hubiese habido una época dorada en Los Ángeles.
- Alerta spoiler. En cualquier caso, la violencia contra la infancia, considerada por Clint como la mayor manifestación de la misma, es el principal tema del film, lo que la emparenta con Mystic River. El director llega hasta el punto de decir que no deja de sorprenderle la crueldad humana, y que un crimen de estas características está, en su opinión, en la cúspide de los motivos que puedan justificar la pena capital. Northcott fue ahorcado en 1930, y según Eastwood, un defensor de dicha pena podría llegar a pensar que, en un mundo perfecto, alguien como Northcott es el candidato perfecto para recibirla, tras cometer un crimen así. Sea como fuere, la barbarie que un castigo como ése supone, queda expuesta gracias a una escena realizada a propósito para que al espectador le resulte insoportable (hay que verla), y Clint comentó que, por mucho que pueda hacerse justicia al exponer al reo ante los familiares de la víctima (costumbre de la época), él dudaba que la familia pudiese encontrar paz tras presenciar algo así.
- Tras la participación de Mystic River en Cannes pocos años antes, y su éxito posterior, Eastwood hizo lo posible para que El Intercambio (cuya presencia en el festival no estaba prevista) participase en el evento, buscando el mismo tipo de efecto.
- Dado el perfil de Angelina Jolie como estrella en aquellos años (aún lo es, pero no parece tan activa últimamente), y para capitalizar el mismo, se consideró un estreno a lo grande en las principales ciudades del país, pero al final se optó por la estrategia habitual de otras pelis de Eastwood, con un estreno más modesto antes del mayoritario, con la esperanza de que aficionados al cine, por así decirlo, más serios, hiciesen buena la película a través del habitual boca a boca.
- Esta película supuso la primera vez desde Poder Absoluto (1997), en que Eastwood trabajó con un estudio (Universal) que no fuese Warner.
- El Intercambio fue, de todas las películas dirigidas por Eastwood hasta ese momento, la de apertura más exitosa en España, logrando el primer puesto de taquilla en su primera semana (finales de Diciembre de 2008), con dos millones de dólares, que ascendieron a once después de cinco semanas más.
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| Cartel de la película |
Aún le quedaba mucha cuerda a Clint, y un buen puñado de películas (algunas muy buenas) por delante, pero en 2008 volvería a actuar (además de dirigir) en la que seguramente sea su última gran película, la genial GRAN TORINO. Si tenemos en cuenta su flamante 8,1 en IMDB (ochocientas trece mil votaciones, nada menos) no sólo es uno de sus grandes más recientes logros, si no que además es una de las grandes películas de toda su carrera, ya que esa nota (igualada por Million Dollar Baby) sólo es superada por el 8,2 de Sin Perdón (en lo que a su labor como director se refiere), así como por La Muerte Tenía Un Precio (8,2) y El Bueno, El Feo Y El Malo (8,8). Por si esa nota no fuese suficiente, no está de más destacar que esta película no sólo supuso el fin de semana de apertura más recaudador de toda su carrera, sea como actor, director o ambos, si no que las cifras totales revelan que Gran Torino seguramente sea una de las dos películas más exitosas de toda su carrera en ese sentido. Y todo esto con el hándicap de haberse estrenado apenas dos meses después de El Intercambio. Hay que ajustar la inflación y tal, pero estamos hablando de una cinta que ha de estar, con casi total seguridad, en un hipotético top diez comercial, y por supuesto artístico, de toda su carrera. Y eso, tratándose de alguien como él, es mucho decir.
Llamada así por el Ford Torino que tanto aprecia y atesora el protagonista de la película, ésta cuenta la historia de dicho protagonista, WALT KOWALSKI, un viudo ex combatiente en Corea, lleno de prejuicios y enfadado con un mundo al que ya no reconoce, que acaba haciéndose amigo de un joven vecino Hmong (yo no sé si la palabra Hmong tiene una traducción española, ni cuál es, pero se trata de una etnia asiática que, en el caso de Estados Unidos, inmigró mayormente desde Laos) llamado THAO (interpretado por BEE VANG) después de que éste intente robarle el coche. La gran mayoría del reparto (y buena parte del personal detrás de la cámara) está compuesto por integrantes de dicha etnia Hmong (casi todos ellos sin experiencia y algunos sin un manejo decente del inglés), ya que la trama se centra en Kowalski y en ellos, aunque Scott, el hijo de Eastwood, vuelve a aparecer de manera mínima y bastante desafortunada, ya que su padre lo hace quedar como una auténtica puta mierda en la ficción. De hecho es él mismo quien lo avergüenza en pantalla.
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| Walt Kowalsky, el vecino ideal |
El guion de Gran Torino corrió a cargo de NICK SCHENK (quien volvería a trabajar con Eastwood), familiar con la etnia Hmong desde tiempo antes por ciertas circunstancias y que quería escribir una historia acerca del choque cultural entre una familia Hmong y alguien como Kowalski en un vecindario americano. Se cuenta que se le advirtió de que no podría vender un guion protagonizado por un anciano con tintes racistas, pero precisamente Eastwood valoró del asunto el hecho de que por muchos prejuicios que pueda haber, nunca es tarde para aprender. De hecho, aparte de trasladar la acción desde Minneapolis a Detroit (en Michigan se había empezado a incentivar con beneficios fiscales la producción de películas, lo que hizo todo más fácil de cara a la relación con Warner), no se cambió nada del guion original, algo que resulta bastante inusual y que en el caso de Eastwood empezó a ser tendencia desde Sin Perdón, ya que según él, los cambios castraban el producto. El caso es que dicho guion llegó a Warner y Clint aprovechó el retraso en el rodaje de la que sería su siguiente peli para concentrarse en ésta.
Como se comentó en la anterior película, a pesar de las escasas dotes interpretativas de muchos actores y sus problemas con el idioma, las instrucciones fueron mínimas (Eastwood también es conocido por no decir nada en absoluto si una toma le es satisfactoria), optando Clint por la paciencia con los actores, por aconsejarles cierta improvisación (para empezar, el guion estaba en inglés, por lo que los actores tuvieron que improvisar lo que se hablaba en el idioma Hmong, haciendo a veces difícil su traducción de cara a los subtítulos) y por un ritmo que no les permitiese pensar demasiado, para lograr espontaneidad.
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| Kowalski con su nuevo e improbable amigo Thao |
Ya he hablado antes sobre el impacto del film en la taquilla, con casi treinta millones de dólares de recaudación en su primer fin de semana en USA, y un total de doscientos setenta en todo el mundo, según se contabilizó en 2021. Creo que a ello contribuyó la inmensa popularidad adquirida por la cinta gracias a una buena cantidad de público más joven que descubrió a Eastwood gracias a ella. La crítica también acompañó, y así lo demuestran las puntuaciones de las principales webs, aunque me llama la atención que la muy famosa ROTTEN TOMATOES hable de una película menor en la filmografía del artista.
Los críticos hicieron hincapié en cómo Kowalski era una amalgama de los personajes mas famosos de su carrera, que más o menos vienen a ser William Munny, El Hombre Sin Nombre y sobre todo Harry Callaham, de quien se comenta que si bien no está físicamente presente, es un fantasma que ronda todo el film, siendo el pétreo rostro del actor la señal más evidente de esto. También se dijo, una vez más, aquello de que era imposible contemplar la película con otro protagonista, destacando que Eastwood sonase y pareciese creíble en sus momentos más amenazantes a sus entonces setenta y ocho años largos. En este sentido, la película incluye unas cuantas frases dignas de unirse a la ya abultada lista de líneas geniales del actor, impulsadas, cómo no, por el magistral doblaje al español del de casi siempre, Constantino Romero. El crítico de referencia Roger Ebert, ya mencionado antes, resumía correctamente el espíritu de la película y buena parte de las críticas positivas hacia ella, diciendo que se trataba del tardío aparecer de la mejor naturaleza de un hombre en la América del siglo XXI, donde diversas razas conviven y se van acercando cada vez más entre sí.
A pesar de todo, la cinta fue ignorada por la Academia y sólo obtuvo una nominación menor, lo que supuso cierta polémica. Pero premios y distinciones hubo, de todas formas, como el de mejor película extranjera en los César franceses, o una nominación a la mejor canción original en los Globos De Oro. Dicha canción, llamada igual que la película, fue compuesta por el propio Eastwood, su hijo Kyle, un tal MICHAEL STEVENS (colaborador habitual de Kyle, con quien ya había trabajado en Mystic River, Million Dollar Baby y Cartas Desde Iwo Jima) y el cantante inglés JAMIE CULLUM, que fue el intérprete, aunque hay una versión más larga en la que al principio canta (o más bien recita) Clint. Es una triste canción de piano que, en mi opinión, tiene ese aire de despedida que parecen tener todas las cada vez más escasas apariciones de Eastwood como actor en los últimos tiempos.
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| Eastwood junto a Ahney Her, quien interpreta a Sue Lor, hermana mayor de Thao. Qué coño come esta gente? |
Como ha pasado con muchas de las últimas películas de Eastwood, ésta la fui a ver al cine nada más estrenarse, y por supuesto me pareció a la altura de todo lo que poco después se iría diciendo de ella. Al igual que la canción anterior, la encontré bastante triste también. Y si bien hay ciertas cosas que se alaban de la cinta en relación con el tema multicultural y todo eso, creo que la misma película se encarga de señalar que hay ciertos aspectos negativos del mismo que a día de hoy tienen difícil arreglo.
Pero es imposible pasar de puntillas por la mítica escena en la que SUE, la hermana de Thao, es retenida por unos matones negros y Kowalski llega para poner orden. Sí, aquella en la que Eastwood, antes de bajarse del coche, suelta eso de Qué tramáis, morenos? No quiero ser pesado, pero hay que nombrar nuevamente a Constantino Romero y su doblaje, ya que la escena no tendría el mismo impacto sin él. Como ya he dicho, la voz de Eastwood es un susurro en comparación con la de este señor y, además, la frase española añade ese final racial, y seguramente racista, acorde con el carácter de Kowalski, ya que la original es What the hell are you spooks up to?, que vendría a ser, por simplificar, Qué tramáis, fantasmas? La intención es igualmente ofensiva, o como poco irritante, a pesar de que los matones se burlan en un principio de alguien tan mayor. Pero lo de morenos añade una sutileza condescendiente que no hubiese tenido un negratas o un putos negros, lo que convierte a la frase en algo incluso más molesto y divertido de presenciar. Los macarras no tardarán en cambiar de actitud. De paso, también es esta la escena en la que Scott Eastwood queda como un auténtico imbécil en la ficción, y un buen ejemplo de los temas negativos que comento en el anterior párrafo.
A líneas como la anterior se unen otras como I blow a hole in your face and sleep like a baby (que más o menos vendría a ser Te atravieso la cara de un tiro y duermo como un bebé). Clint Eastwood en estado puro.
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| Qué tramáis morenos? |
Como curiosidad hay que comentar que el cambio ya comentado en la localización de la trama, del estado de Minnesota (donde se encuentra la mayor concentración de población Hmong en Estados Unidos) al de Michigan, se debió no sólo a las anteriores ventajas fiscales, si no a que Kowalski es un antiguo trabajador de una fábrica de coches y en Detroit se originó la Ford. Esto supuso que, según el guionista, algunas de las frases del guion sonasen fuera de lugar ambientas en el entorno de Detroit y no en el de Minneápolis, algo que le disgustó. Por ejemplo, referencias a partidos de beisbol que en un principio se centraban en un equipo de Minneápolis perdían su sentido al referirse a otro de Detroit, donde el seguimiento no era el mismo, etc. Me parece un error fácilmente subsanable, y en cualquier caso no creo que sea algo que vaya a hacer a la gente cambiar su opinión sobre la cinta, y por supuesto, cosas así sólo son perceptibles para aquellos que estén familiarizados con la zona y ciertas costumbres.
Pero no podía ser todo bueno, y más importante que lo anterior es que la cinta reflejase ciertas imprecisiones culturales en relación con los Hmong (aunque en general apreciaron y alabaron la película, que, no en vano, es el primer y más importante retrato de las familias de esta etnia en Hollywood) algo que hizo especial mella en Bee Vang, al que volveré en breve. Esas inexactitudes, y el relativo malestar al respecto de esta etnia, se concentraban en exageraciones y distorsiones de ciertas actitudes con fines dramáticos y exóticos, y en el hecho de que algunos miembros del rodaje se sintiesen incómodos al sentir que se hacía un espectáculo de su cultura.
Puedo entender cierto malestar por parte de esta gente y el hecho de que, a pesar de cobrar (obviamente) por su trabajo y no ser todo esto una decisión suya (una de las críticas era que se trataba de esta etnia, pero visto el trato que se le daba, podía haber sido otra), pongan sus objeciones y comenten sobre ello, de cara a un producto más veraz y más justo con la realidad de su cultura (nombres chinos, por ejemplo, que aparecían en el primer guion y que fueron corregidos). Y es que hay imprecisiones que son distintas de otras. Así, veo importante y digno de corrección, por ejemplo, el hecho de que los Hmong se muestren violentos con clanes afines o cometan ciertos actos bárbaros dentro del suyo propio, algo que ocurre de manera incorrecta en la película, pero veo poco llamativos errores relativos a ciertas costumbres básicas que no van a ningún sitio en lo relativo a la trama (uso de cierta ropa, etc), y las quejas en este sentido me parecen un poco vacías. Esto ha pasado muchas veces y seguirá pasando. Al fin y al cabo, el cine rara vez pretende ser una crónica exacta y completamente veraz de aquello que va a contar, y las inexactitudes, involuntarias o no, están a la orden del día, muchas veces de cara a un mayor impacto dramático.
Y cómo no, se criticó el eterno y arquetípico tema del salvador blanco que sobrevuela toda la cinta. Me aburro. Esta película dio visibilidad a esta etnia a gran escala (por no hablar de la decisión, vista como muy positiva por parte de los Hmong, de utilizar actores y personal de la misma, y no a otros asiáticos que de alguna manera la imitasen), habló de superar ciertos prejuicios y portaba un evidente mensaje de inclusión y multiculturalidad, y para algunos lo único que queda es la estupidez anterior y el hecho de que la cinta fuese ofensiva. Esto, sin tener en cuenta el que, a pesar de ser una peli de Clint Eastwood con él de protagonista, en la que como es lógico él va a contar lo que le venga en gana, ya que para eso es parte del personal que arriesga su dinero, el guion de Nick Schenk hace lo posible por retratar a los Hmong con la máxima sensibilidad.
Hasta alguien creó un blog para detallas las imprecisiones de la película con respecto a los Hmong. Lo he intentado visitar, pero ya no existe la página.
Por suerte, no todo el mundo lo vio así, y hubo quien dijo que Eastwood había creado algo que no era una historia en la que el blanco salvaba a la minoría, si no una vuelta de tuerca a la imagen de machote blanco que el propio cineasta había ayudado a crear.
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| Choque cultural más allá de la pantalla. Una buena cantidad de cervezas vacías, por cierto |
Pero sí que me sorprende y me hace gracia (poca) lo del actor Bee Vang, quien pareció querer canalizar la inmensa mayoría de críticas relacionadas con lo ya dicho. Este señor, convertido a día de hoy en actor muy ocasional y activista por la justicia social (qué sorpresa), debe toda la fama, mucha o poca, que pueda tener a día de hoy, a su participación en Gran Torino, y aún así, aparte de incurrir en ciertas contradicciones con respecto a lo que pensaba entonces y lo que ha dicho después, basa su actividad actual en torno a poco menos que poner a parir la película y todo lo que la relaciona con la cultura Hmong, que no es poco. Aún con todo, dice no arrepentirse de haber participado en ella. Nos han jodido, como que le sigue dando de comer más de quince años después.
Él y AHNEY HER (su hermana mayor en la ficción), fueron preguntados acerca de si se habían sentido ofendidos por todos los comentarios raciales vertidos en la trama (EN LA TRAMA), y ella dijo que para nada, a lo que él contestó que le habían llamado muchas cosas vulgares que no estaban bien y le habían molestado, pero que no dejaba de ser un guion. No tardaría en verlo todo de otra manera.
Poco después, comentó en una entrevista que Eastwood no había permitido que los actores cambiaran sus frases, cuando tiempo antes él mismo había dicho que el propio director les había animado a improvisar. También dijo que se les había tratado injustamente (?) y que Clint no les había dado indicaciones a la hora de construir sus personajes. Con respecto a esto, ya se comentó que el director quería la mayor espontaneidad por parte de unos actores que, en su mayoría, no tenían ninguna experiencia, y en cuanto al supuesto trato injusto anterior, quizás se refiriese a lo que dijo acerca de que otros miembros de la producción habían dado un poco de lado a los Hmong, al asumir que estos últimos no entendían el inglés. De ser esto cierto, en este punto he de darle la razón.
También se quejaba de que se suponía que la etnia Hmong era aquella en torno a la cual giraba la trama, pero ese hecho había terminado siendo poco relevante. Y de que, siendo ésta una producción blanca, ellos (los Hmong) no habían tenido control sobre ciertas cosas. Es verdad que había una serie de consultores Hmong a los que preguntar, y que servían de guía y apoyo, pero los productores habían escogido sólo los puntos de vista de estos que eran más acordes a la hora de poner de manifiesto los estereotipos que la película quería describir, a pesar de las objeciones interpuestas por algunos de los miembros de esta etnia que habían participado en el rodaje. Como ejemplo, el propio Kowalski, quien se suponía que había luchado en Corea, no era capaz de distinguir en la ficción entre Hmong coreanos y otras etnias asiáticas.
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| No pusiste tantas pegas a la hora de cobrar, chaval |
Otra queja, según él, se centró en que ciertas frases que los Hmong decían en su propio idioma no hubiesen sido subtituladas, lo que llevó a que la gente tuviese una percepción distorsionada de ellos. Alguien tendría que haberle dicho a este chico que se trataba de una película, con una historia concreta que contar, y no un estudio detallado acerca de la cultura Hmong, algo que es lo único que parecía tener este tipo en mente. Además, si esas frases no se subtitularon, por qué iba la gente a pensar algo malo de ellos y no al revés, si no se entendía lo que se estaba diciendo. No eres el centro del universo.
Todo esto después de haber dicho en 2009 que, en general, la descripción que se hace de la cultura Hmong es precisa, y que al no ser esto un documental no se puede esperar una total corrección. Ese mismo año también admitió haber quedado satisfecho con el resultado final, para años después decir que muchos Hmong habían quedado desencantados con ciertas trazas racistas y así se lo hacían saber en sus conferencias. Afirmaba haber tenido una obligación como actor durante el rodaje, pero como Hmong no se sentía dueño de lo que tenía que decir en la peli, además de sentirse incómodo con las divertidas reacciones de las audiencias ante ciertas frases y comentarios, lo que, según él, le hizo ignorar aún más el supremacismo blanco y el racismo. La incomodidad la entiendo y en eso le doy la razón, a pesar de que se trate de una película. Pero por eso mismo, lo segundo es una idiotez mayúscula. Reírte de un comentario racista (puede que hasta más por soez que por racista) vertido en la ficción, mientras ves una peli, no te convierte en un racista, y mucho menos en un supremacista. Y a la escena anterior con los matones negros me remito, por poner un ejemplo.
Hay más. Él mismo protagonizó una parodia en YouTube, a modo de escena no incluida en la película, en la que se daba una visión de la masculinidad distinta a la de la escena que sí apareció en Gran Torino. Se llama THAO DOES WALT: LOST SCENES FROM GRAN TORINO. He hecho por verla pero tras un vistazo rápido me parece una chorrada mayúscula y bastante previsible.
Alerta spoiler
Otro dato (que es más que probable que el inigno Vang pase habitualmente por alto en sus charlas), es el hecho de que al final de la peli, Thao recibe en herencia, como parte del testamento de Walt, el coche que da nombre a la peli. En la cinta se podía ver cómo una muy pija, interesada y bastante despreciable sobrina (creo) de Walt, mostraba su interés en el Gran Torino, cosa que Kowalski no tuvo en cuenta de ninguna manera en cuenta, dejando el coche a Thao, quien aparece al final de la cinta al volante. Thao es alguien de una raza distinta a la de Kowalski, y que fue elegido por delante incluso de la propia familia de Walt, lo que demuestra que éste no sólo había aprendido ciertas cosas de sus vecinos, si no que valoraba su amistad con Thao y su familia hasta el punto de sacrificarse de la manera en que lo hizo y tenerlos en cuenta en la herencia. Esto, a mi juicio, tumba cualquier supuesto prejuicio racial por el que Gran Torino pueda ser acusada.
Lo dicho, una serie de contradicciones y comentarios por parte de Vang que en su mayoría ponen de manifiesto la poca gratitud de esta persona hacia una película que básicamente le ha convertido en lo que es. Desconozco si, al igual que en el caso de Spike Lee, Eastwood ha dicho algo al respecto, pero en los comentarios de la parodia anterior en YouTube, además de cuestionarse las actitudes interpretativas de Vang, hay uno que me ha gustado mucho y que comenta que el próximo vídeo del chaval tratará de su incapacidad para encontrar trabajo tras Gran Torino (apenas ha hecho nada como actor después) y del proverbio Hmong acerca de no morder la mano que te da de comer. Brillante. Quizás se pueda aplicar a Vang lo que otra persona de la misma etnia, que optó a un papel en la peli, dijo (tras primero mostrar su respeto por el hecho de que la peli hubiese empleado a personas Hmong) acerca del resultado final: lo primero es lo primero, pon tu pie en la puerta y ya te quejarás luego. Es bastante gráfico, la verdad, ya que Vang trabajó, cobró y se dio a conocer gracias a Gran Torino, para después pasar a ganarse la vida a costa de quejarse de todo lo relacionado con un rodaje que la cambió para bien, y desde muy joven.
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| Película legendaria se mire como se mire |
El ubicuo Morgan Freeman volvió al redil para el rodaje de INVICTUS, una de las películas biográficas tan habituales en la filmografía más reciente de Eastwood, aunque creo que, si no estoy equivocado, ésta fue sólo la segunda de sus películas con esas características, tras Bird. En esta ocasión la trama gira en torno a la figura de NELSON MANDELA (interpretado por Freeman), pero con un matiz deportivo, ya que se habla de lo sucedido en 1995 en relación con el Mundial De Rugby de ese año (el tercero y primero hasta entonces en el que todos los partidos se jugaron en el mismo país), celebrado en Sudáfrica y sorprendentemente ganado por los SPRINGBOKS, el equipo anfitrión, que acababa de volver a la élite tras el final del apartheid y que obtuvo una plaza para el mismo sólo por celebrarse el evento allí. Por dar un poco más de contexto a la historia, decir que Mandela había sido liberado en 1990 de un cautiverio que había durado veintisiete años, y en 1994 había sido elegido presidente del país, el primero de color de su historia, teniendo mucho trabajo por delante, sobre todo en materia de división racial en el país. Mandela aprovechó la ocasión para reconciliar a su nación con sí misma.
Esta peli se basó en un libro de JOHN CARLIN, de 2008, llamado PLAYING THE ENEMY: NELSON MANDELA AND THE GAME THAT MADE A NATION (en español EL FACTOR HUMANO), se estrenó a finales de 2009 y contó, además de con Freeman, con una estrella del calibre de MATT DAMON, quien interpretó a FRANCOIS PIENAAR, capitán de los Springboks. Scott Eastwood también participó, en el papel de JOEL STRANSKY, otro de los miembros del equipo, y esta vez no recuerdo que hiciera el ridículo de ninguna manera. Todo lo contrario, ya que Stransky anotó todos los puntos de su equipo en la final (incluido el drop goal que resultaría definitivo) de Johannesburgo contra Nueva Zelanda, gran rival de los Springboks. Supongo que su padre ya le había hecho suficientes novatadas.
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| Otra vez tú por aquí, macho? No tengo ni que decirte lo que has de hacer |
Dados el calibre de los nombres implicados en esta producción, el tema a tratar en la misma, y el hecho de que mayormente se rodase en Sudáfrica, Invictus se convirtió en una de las películas más importantes en haber sido hechas en dicho país. Incluso uno de los miembros de aquel equipo triunfador, CHESTER WILLIAMS, se encargó de dar lecciones de rugby a los miembros del reparto que no lo habían jugado nunca y del entrenamiento de Damon.
La película lo hizo bastante bien en taquilla, doblando por poco su propio presupuesto, y para sorpresa de casi nadie fue la película centrada en este deporte con mejor recaudación en su fin de semana de estreno. Su 7,3 de nota en IMDB y las críticas de los entendidos indican que a la cinta también le fue bien en lo que al reconocimiento artístico se refiere, y sin embargo yo no la recuerdo demasiado brillante. Fui al cine a verla con mi amigo RAMÓN, también un gran entendido en cine, y ambos coincidimos, si recuerdo bien, en que la película tenía poca sangre (lo último que esperas de una película de Eastwood) para los mimbres con los que contaba. Una buena peli, bien hecha y bien actuada, pero carente de algo que la pusiese en otro nivel. Los críticos no vieron esto de igual forma, destacando no sólo las principales actuaciones, si no también momentos de gran emoción (la reacción de Pienaar al visitar la celda de Mandela es bastante buen ejemplo de esto), la precisión histórica de la cinta y su mensaje. Seguramente me haya perdido algo, así que tendré que ver la peli otra vez.
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| Nelson Mandela y Francois Pienaar |
Kyle Eastwood y Michael Stevens volvieron a encargarse del grueso de la música de la película, y creo que el propio Clint compuso el tema 9000 DAYS.
En cuanto a los galardones, muchas más nominaciones que otra cosa, yéndose de vacío en los principales. Freeman y Damon (como secundario) fueron nominados sin premio en los Óscar, y más de lo mismo pasó en los Globos De Oro, donde a la nula suerte de los dos anteriores en ambas ocasiones, se unió la nominación fallida de Eastwood como mejor director.
Eso sí, hay una serie de asuntos secundarios que son dignos de mención:
- Las escenas relativas a la final del Mundial fueron rodadas en el mismísimo Ellis Park Stadium, en Johannesburgo, lugar donde se jugó en realidad aquella final de 1995.
- La palabra que da nombre a la película es también el título de un poema de 1875 del escritor inglés WILLIAM ERNEST HENLEY, al que se refiere la propia peli.
- No sé hasta qué punto Eastwood estaba interesado en que Matt Damon interpretase a Pienaar, o qué otras posibilidades de casting había, porque si bien a casi nadie le son ajenas sus habilidades como actor (en mi caso, pasó de resultarme bastante indiferente al principio de su carrera, y eso siendo muy amable con él, a acumular una serie de méritos actorales y aparecer en tantas películas geniales, que mi opinión sobre él hace tiempo que cambió totalmente, y para bien), hay cosas que están más allá de su alcance. Y es que Damon es mucho más bajo en la vida real que la persona a la que interpretó en la pantalla (1'78 y 1'91, respectivamente), y más aún si se le compara con otros miembros del equipo, algo que supongo sería también aplicable al resto del reparto, empezando por el hijo de Eastwood (1,8). De ahí también el entrenamiento por parte de Williams, en un intento de paliar esto al máximo con una forma física digna de un deporte como el rugby.
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| Un completamente en forma Matt Damon |
- El fallecido jugador neozelandés JONAH LOMU, considerado como uno de los mejores jugadores de todos los tiempos y la primera gran estrella global de este deporte, también aparece en la película, interpretado por otro jugador de rugby, el también neozelandés ISAAC FE'AUNATI. Y es que, como ya se ha dicho, la final de aquel evento se jugó contra una Nueva Zelanda en la que Lomu (nacido en 1975) ya aparecía a pesar de haber acumulado sólo dos internacionalidades previas a este Mundial.
- John Carlin, el periodista y escritor autor del libro en el que se basó el guion, es hijo de madre española y bastante popular aquí. De hecho vive en Barcelona, donde se reunió con los responsables de la producción para ver cómo se podía adaptar su libro a la gran pantalla. Buena parte de su trabajo, normalmente relacionado con el deporte y la política, se centra en Sudáfrica, habiendo recibido elogios del propio Mandela, quien además escribió el prólogo de un libro en español sobre África (HERÓICA TIERRA CRUEL) previo al que da pie a la película. Pero también fue muy popular su colaboración con el tenista RAFAEL NADAL, el mejor deportista español de todos los tiempos y uno de los mejores de la historia, para escribir la autobiografía de este último, titulada RAFA (2011). Carlin pasó a escribir en el diario español LA VANGUARDIA, tras haberlo hecho durante casi veinte años en EL PAÍS, del cual fue despedido por la polémica suscitada por un artículo suyo en el que criticaba al gobierno español y al Rey de España, en relación con el referéndum catalán de independencia. Y por lo visto, su relación con el ya mencionado tenista también se ha torcido en tiempos recientes.
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| Cartel de Invictus. Viendo a Freeman es difícil imaginarse a otro actor interpretando a Mandela |
Fin de la quinta parte
Eastwood y Damon se volverían a juntar para el rodaje de una de las pelis más infravaloradas y sobre la que más de puntillas se ha pasado de la carrera del primero (esto, como siempre, es una opinión personal), la muy interesante HEREAFTER (MÁS ALLÁ DE LA VIDA), estrenada a finales de 2010. Clint vuelve a recurrir a lo sobrenatural y la cinta se centra en tres historias paralelas sobre personas afectadas de alguna manera por la muerte, y sobre sus propias comunicaciones con personas muertas. Matt Damon interpreta a GEORGE LONEGAN, un vidente que deja de tener interés por su don, y lo acompaña la guapa actriz belga CÉCILE DE FRANCE, dando vida a MARIE LELAY, una periodista francesa que, estando asignada en la India, sobrevive al brutal tsunami acontecido en el Océano Índico en Diciembre de 2004. Otros actores que aparecen son BRYCE DALLAS HOWARD, la bastante conocida hija del ya nombrado Ron Howard, y JAY MOHR.
La película parte de un guion espontáneo del muy reputado guionista y dramaturgo londinense PETER MORGAN, quien lo escribió sin tener que hacer frente a ningún encargo. Este guion terminó llegando a un Clint Eastwood atraído por el hecho de rodar una peli de tintes supernaturales y por cómo Morgan había incluido sucesos reales en la ficción
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| Cartel del film que muestra una fecha de estreno ya en 2011, como fue el caso de España |
Más o menos como pasó con Invictus, Más Allá De La Vida no tuvo problemas para recaudar de forma holgada algo más del doble de su presupuesto, pero justo al contrario que con aquella, las críticas fueron mixtas pero a mí me gustó mucho. Me llamaron la atención las escenas rodadas en Londres, y es que creo que este film es, junto con Million Dollar Baby, el único en la filmografía de Clint en la que aparece dicha ciudad (Maggie y Frankie viajan a Europa para que ella pelee y creo que hay algún combate en Inglaterra, ya que me parece recordar haber visto por ahí la bandera del Reino Unido). Sea como fuere, me gustan los dos papeles principales y el trabajo de Damon y De France. Y al igual que una película como THE IMPOSSIBLE (LO IMPOSIBLE, de J.A. BAYONA, 2012) pondría de manifiesto muy poco después, las escenas relativas al tsunami antes mencionado son bastante impactantes. Pero sobre todo me atrae, sin que sirva de precedente, la relación de la película con lo sobrenatural y el tema del más allá, y el uso poco escrupuloso que hacen ciertas personas de él para así explotar la impotencia, la buena fe y el desconocimiento de otras.
Los críticos no están conmigo, aunque el habitual Roger Ebert se mostraba sorprendido para bien, debido al trato amable que según él la cinta da al tema de la hipotética vida después de la muerte. En general, opiniones del estilo fueron la excepción (las webs habituales tampoco indican mucho entusiasmo por parte del público), haciendo notar la crítica que la premisa da que pensar, pero la trama no está a la altura. Algún crítico comenta que el film incluso cruza a veces la línea del ridículo (no recuerdo nada así, la verdad, aunque han pasado unos cuantos años y no he vuelto a ver la película), aunque esto se equilibra con cierta emoción, un peculiar sentido del humor y un enfoque realista de lo fantástico, si es que algo así tiene sentido. También es cierto que recuerdo haber visto alguna vez por ahí como a esta película se la mete en el mismo cajón de cintas como EL SEXTO SENTIDO (M. NIGHT SHYAMALAN, 1999), etc, y no creo que eso sea correcto.
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| De France y Damon en una escena de la película |
Más Allá De La Vida tuvo una nominación a los Óscar, en la categoría de Mejores Efectos Visuales, pero de nuevo la cinta se fue de vacío.
Clint Eastwood compuso la banda sonora, una vez más.
En cuanto a las curiosidades, hay que comentar que Clint Eastwood había quedado muy favorablemente sorprendido con el trabajo de Matt Damon en Invictus, por lo que llegó incluso a cambiar su agenda para que un muy ocupado Damon (inmerso en el rodaje de THE ADJUSTMENT BUREAU, de GEORGE NOLFI, 2011) pudiese cumplir sus otras obligaciones y estar también en esta película. Antes de eso, y debido a su apretada agenda, el propio Damon recomendó que su papel pasase a otros actores, entre los que estaba uno de mis preferidos, CHRISTIAN BALE. Eastwood no quiso, por lo que se llegó a la solución anterior, lo que supuso parar el rodaje unos dos meses hasta que Damon volvió a estar disponible.
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| Eastwood instruye a una atenta Cécile De France |
Para interpretar a la pareja de gemelos ingleses, JASON y MARCUS, Eastwood prefirió niños sin ninguna experiencia en actuación antes que chavales con ella. Estos niños, los hermanos FRANKIE y GEORGE MCLAREN, interpretaron cada uno a un gemelo, aunque luego terminaron interpretando ambos al mismo.
El rodaje tuvo lugar en varios países (Francia, Inglaterra y Estados Unidos), pero todo se basó en el Reino Unido, por las ventajas fiscales y por la financiación británica.
Y como coincidencia dramática y desafortunada, decir que esta peli se estrenó en Japón a finales de Febrero de 2011, pero el once de Marzo siguiente aconteció en la región japonesa de Tõhoku el terremoto (junto a un tsunami) registrado más potente de la historia de ese país (y cuarto del mundo) desde que la sismografía moderna comenzó a principios del siglo XX. Cerca de veinte mil personas perdieron la vida, sin contar heridos y desaparecidos, además de los enormes daños materiales, por lo que Más Allá De La Vida fue retirada de la cartelera japonesa antes de tiempo, debido a que sus terribles escenas relativas al tsunami de 2004 no eran las más apropiadas para presenciar en ese momento.
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| Lonegan intenta pasar página junto a Melanie (Howard) |
En una carrera como la suya es más que lógico que Clint Eastwood se haya codeado con algunos de los nombres de más prestigio de la historia del cine, ya sean directores o actores, y su siguiente película, el biopic J. EDGAR (2011), añadiría otro de un calibre gigantesco a la lista: nada menos que el inigualable LEONARDO DICAPRIO, con toda seguridad uno de los cinco actores americanos más importantes de los últimos treinta años. En esta película DiCaprio dio vida al polémico J. Edgar Hoover, afamado primer director del FBI, y en ella también participaron el ahora caído en desgracia ARMIE HAMMER, la siempre genial NAOMI WATTS, el a día de hoy ubicuo ADAM DRIVER, quien debutó en esta cinta con un pequeño papel, y la más que prestigiosa actriz inglesa JUDI DENCH. Un reparto de muchos quilates que además contó con la muy conocida LEA THOMPSON (LORRAINE en la saga BACK TO THE FUTURE, o REGRESO AL FUTURO, de ROBERT ZEMECKIS), una nueva aportación de Jeffrey Donovan, JOSH LUCAS y DERMOT MULRONEY.
En J. Edgar se usa una narración no lineal, y la película alterna entre los años de trabajo de Hoover a la hora de instituir el FBI, su posterior intento de salvaguardar esta oficina frente a lo que él percibía como amenazas, y las narraciones sobre lo acontecido en los primeros años de la misma que él mismo hace, ya de anciano (Hoover falleció en 1972), a una serie de escritores fantasma.
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| Di Caprio junto a Clint en el rodaje |
A pesar de que no fue prevista, la colaboración entre Eastwood y el guionista DUSTIN LANCE BLACK, activista por los derechos LGTB, fue percibida por la crítica como sorprendente. Black había escrito el guion para MILK (2008), la triunfante película de GUS VAN SANT sobre el político y activista gay HARVEY MILK, primera persona abiertamente homosexual en ser elegida para un cargo público en California. Esta cinta obtuvo un buen chorro de nominaciones para los Óscar, suponiendo el segundo de su carrera para Sean Penn y además otro para Black como guionista, a quien después se le encargó un guion para una película sobre Hoover, que acabaría llegando a Eastwood algún año después. Quizás por este motivo, la película entra en el tema de la supuesta homosexualidad de Hoover (sobre la cual hay discordia, aunque se trató de una persona acerca de quien se rumoreaba que, entre otras cosas, aún vivía con su madre pasados los cuarenta años, y que solía amenazar a todo aquel que hiciese insinuaciones sobre su sexualidad), centrada en su relación con su ayudante y posterior heredero CLYDE TOLSON, interpretado por Hammer.
Como venía siendo tendencia en las películas recientes de Clint, la película volvió a hacerlo bien en taquilla. Una de las razones por las que fue contactado fue su famosa eficiencia en cuanto a tiempo y dinero a la hora de rodar, y nuevamente estuvo a la altura de dicha fama terminando la película por debajo del presupuesto previsto, para acabar recaudando, una vez más, más del doble del mismo.
Los críticos fueron, como era de esperar, muy entusiastas con la interpretación de DiCaprio, de quien se dijo que insinuaba aspectos poco conocidos sobre Hoover, incluso quizás para él mismo. Pero el resultado total no fue recibido con tantos elogios. Se destacó la descripción de los aspectos más controvertidos, públicos y privados, del personaje, e incluso lo patético de algunos de ellos, siempre de forma medida y sin que la cinta se recrease más de la cuenta en ciertas cosas. Pero también se habló de un producto pomposo, con problemas narrativos y algunos más en asuntos como la iluminación o el maquillaje.
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| Un muy airado J. Edgar Hoover |
He hecho la cuenta y creo que, de las dieciocho películas que Eastwood ha dirigido en este siglo, he ido al cine a ver once de ellas, pero esto no pasó con J. Edgar. Es más, no tengo ningún recuerdo de esta película estando en cartelera o de mí pensando si ir a verla o no, algo que es raro porque si se trata de una película de Clint difícilmente me lo voy a pensar. Me pasó totalmente desapercibida y la vi tiempo después, con cierta precaución y mucha pereza, al tratarse de la biografía de alguien sobre quien, por muy famoso que fuese, no sabía apenas nada, y que encima se dedicaba a la política y la burocracia. Pero se trata de Eastwood y DiCaprio, y el resultado fue mucho mejor del esperado, la verdad. Como decía una crítica, una película sobre una persona con tanto poder como esa, tenía que ofrecer algo que mostrase las motivaciones de la misma, o resignarse a que el público viese que los tejemanejes de su trabajo resultaban mucho más atractivos que los suyos propios, y la película no conseguía estar por encima de este dilema. Yo no llego a tanto, es un análisis que me queda grande pero desde luego Eastwood muestra a un Hoover muchas veces sobrepasado, gracias a un impecable DiCaprio, y no sé si los asuntos relativos al FBI de la época eran más interesantes que los de Hoover, pero la peli desde luego lo es. Y luego está lo de la vida sexual del tipo, de quien también se decía que era completamente ajeno a algo así. Tenía que ser difícil contar con ciertas inclinaciones, y lidiar con ellas, siendo quien era esta persona en los Estados Unidos de mitad del siglo pasado.
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| Di Caprio junto a Hammer y Judi Dench, su madre en la ficción |
Se rumoreó que DiCaprio, para entonces una estrella más que consolidada, bajó su caché de los usuales veinte millones de dólares a sólo dos, para así poder participar en la película. No sé los motivos, ni tampoco la veracidad de este dato, pero de ser cierto, el detalle sería bastante llamativo, aunque no creo que tuviese nada que ver con Eastwood, ya que, por muy atractivo que pueda ser trabajar con él, he leído que lo de dicha bajada de caché, de haber ocurrido, pasó antes de que Clint se hiciese cargo del proyecto. En cualquier caso, es probable que el bueno de Leonardo se terminase arrepintiendo de haber trabajado con Eastwood, y no precisamente por las insoportables sesiones de maquillaje necesarias para interpretar a un envejecido Hoover. Ya se ha comentado la austeridad de Clint al rodar, y su poca afición por repetir tomas, algo que en un momento dado debió chocar con la intensidad y el perfeccionismo de un Leonardo acostumbrado a otras cosas. No hubo comentarios al respecto, pero parece que la relación se enfrió por ese motivo, lo que unido a las no muy entusiastas críticas recibidas por la película (dejando de lado el trabajo de DiCaprio), hacen que esta colaboración entre las dos estrellas vaya, con toda seguridad, a ser la única.
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| Haré tantas tomas como quiera, Clint. Espera sentado, chavalote. |
HELEN GANDY, la (según el propio Hoover) indispensable y duradera secretaria del personaje, fue interpretada por Naomi Watts, pero no antes de que otra estrella, CHARLIZE THERON, se bajase de la producción. Antes que a Watts, Eastwood consideró a la también genial AMY ADAMS, con quien se juntaría en muy poco tiempo.
Clint volvió a componer la partitura y su hijo Kyle también participó, apareciendo además en escena como miembro de una banda musical, y en cuanto a los premios, DiCaprio consiguió una nominación no concretada como mejor actor en los Globos De Oro.
En lo concerniente a la precisión histórica de lo que se narra en la película, ésta acierta al presentar a Hoover como un reformista que buscó modernizar y profesionalizar su departamento, introduciendo en él métodos científicos, pero la treta narrativa que muestra a Hoover dictando sus memorias es ficticia. Como también parece serlo el hecho, narrado en la trama, sobre Hoover y una carta dirigida en 1964 a MARTIN LUTHER KING, con la intención de chantajearlo usando ciertas indiscreciones sexuales del político. King entendió que lo que se pretendía era que se suicidase, aunque hay quien vio aquí un intento de que declinase el Premio Nobel De La Paz, que ganó ese mismo año. Sea como fuere, dicha carta existió, pero parece poco probable que fuese escrita por Hoover, como dice la cinta. Aunque sí parece posible que delegara esta tarea en otras personas del FBI, lo que viene a ser casi lo mismo, no?
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| Cartel de la película |
Eastwood volvió a actuar en la película sobre beisbol TROUBLE WITH THE CURVE (GOLPE DE EFECTO), estrenada en 2012, y por primera vez desde En La Línea De Fuego (sin contar su cameo en Casper), no se dirigió a sí mismo. De hecho me parece recordar haber leído que, a estas alturas, Clint no sólo se planteaba no trabajar más como actor para otros directores, si no que tras Gran Torino se planteaba no volver a actuar más en absoluto. Por eso, creo que esta película no iba a contar con él pero aceptó trabajar en ella como favor personal al director, ya que el proyecto acabó en manos de su colaborador habitual ROBERT LORENZ.
Eastwood hace de GUS LOBEL, un muy veterano ojeador para los ATLANTA BRAVES, que intuye que su puesto corre peligro por ser considerado un dinosaurio incapaz de adaptarse a nuevos métodos. Lobel se verá inmerso en la que podría ser su última tarea como scout, para la que contará con su hija MICKEY, una abogada con la que tiene una relación tirante. Mickey (interpretada por Amy Adams) se apunta debido a que Pete (JOHN GOODMAN), buen amigo de Gus, se lo pide porque sospecha que Gus puede tener algún problema de salud.
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| Goodman, Adams y un señor que no me suena |
Scott Eastwood tiene también un papel (el jugador BILLY CLARK, probablemente en homenaje a un antiguo jugador de los Braves), y puedo pasar sin la presencia de un tipo como JUSTIN TIMBERLAKE, que interpreta a JOHNNY FLANAGAN. Y es que los cantantes petardos metidos a actores, o viceversa, me generan cierta desconfianza. Pero tengo que ser justo, he visto otras pelis en las que aparece él y en ninguna he pensado que me molestase su presencia, la verdad. Golpe De Efecto no es una excepción y la película, siendo como es una cinta predecible y poco ambiciosa sobre deportes, me encantó. Me pareció más que entretenida, a pesar de que todos sabemos lo que de una u otra forma va a pasar, y el papel de Lobel le viene perfecto a Eastwood, siendo (esto es una ocurrencia mía) una réplica no violenta de Walt Kowalski en Gran Torino, salvando las debidas distancias, claro está. El mundo que Kowalski ya no conoce es aquí el deporte con el que Lobel ha convivido toda la vida, y el propio Lobel, desconfiado y reacio a ciertas cosas tendrá que aprender a lidiar con ellas.
Y no lo puedo evitar, soy muy fan de Amy Adams y tengo que reconocer que me encanta verla junto a Eastwood. Al igual que me pasa con Hilary Swank y su papel en Million Dollar Baby, me da igual lo que Adams haga, ya que siempre será la protagonista de ARRIVAL (LA LLEGADA, dirigida por el genial DENIS VILLENEUVE, 2016). Tiene muchos otros trabajos dignos de mención, también en la televisión, pero en lo que a mí respecta, La Llegada es suficiente.
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| Clint Eastwood rejuveneciendo por momentos junto a Amy Adams |
De una película así no se podían esperar grandes titulares ni críticas entusiasmadas por el valor artístico de la misma, pero a la gente en general le gustó (un respetable 6,8 en IMDB) y además, a quién le importa eso a estas alturas? La crítica habló de una película predecible y poco impresionante a efectos dramáticos, pero elevada por el carisma de Eastwood y su química con una encantadora Amy Adams. Para qué quieres más?
La cinta empezó bien en taquilla pero fue perdiendo fuelle, y con sus cerca de cincuenta millones de dólares recaudados en todo el mundo creo que ni siquiera llegó a recuperar su presupuesto, siendo la segunda recaudación más baja de una peli con Eastwood de actor, sólo superada (y con creces) por Deuda De Sangre.
El título original viene, si recuerdo bien, de los problemas que tiene el bateador al que Gus y Mickey tienen que echar el ojo, para golpear una bola con curva.
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| Lobel con su hija y Flanagan, interpretado por Timberlake |
Y como último apunte, más que negativo, triste, destacar que ésta fue la última película en la que Constantino Romero prestaría su voz a Eastwood. Como ya se comentó, el afamado y polifacético Constantino fallecería de manera temprana en Mayo de 2013, y sólo entonces se supo que el motivo de su pronta jubilación (el Diciembre anterior), y causa de su temprana muerte, fue la Esclerosis Lateral Amiotrófica que padecía desde pocos meses antes. Comentar que, si bien Clint Eastwood fue el actor al que más veces dobló, su filmografía como actor de doblaje incluye títulos míticos en los que puso voz en español a las interpretaciones de ROGER MOORE, Sean Connery, ARNOLD SCHWARZENEGGER, CARL WEATHERS, MR. T, DONALD SUTHERLAND, JAMES EARL JONES, JAMES COBURN, DAN AYKROYD o RUTGER HAUER, entre otros. Joder, si hasta dobló al mismísimo PELÉ en ESCAPE TO VICTORY (EVASIÓN O VICTORIA, dirigida por JOHN HUSTON y estrenada en 1981) y participó en la famosa serie de dibujos MAZINGER Z!
Un grande. Descanse en paz.
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| Uno de los carteles de la película, concentrado sólo en Eastwood, en vez del habitual con los tres protagonistas |
Lo siguiente fue el estreno como director de JERSEY BOYS en 2014, una cinta sobre de THE FOUR SEASONS, un cuarteto vocal de Nueva Jersey. Veo que en ciertos sitios la película se vende como un musical y no creo que eso sea correcto. Tiene que ver con la música, obviamente, y hay canciones, pero estas no son parte de la narración ni los protagonistas cantan o bailan (en vez de hablar) para llevar a cabo sus interpretaciones, como es costumbre en las películas de ese género. O eso, al menos, es lo que yo recuerdo. De hecho, este film se basó en el musical del mismo nombre, estrenado en 2004 y presentado en Broadway hasta 2017 (con algunas giras fuera de Estados Unidos), cuyos autores también escribieron el guion de la peli.
Los tres años que pasaron desde que se estrenó J. Edgar (2011) hasta esta película, suponen el lapso de tiempo más largo sin que Eastwood dirigiese ningún proyecto desde los tres que a su vez transcurrieron entre Ruta Suicida y Bronco Billy, a finales de los setenta. Y esa fue la única otra ocasión en la que Eastwood dejó pasar tanto tiempo sin ponerse a dirigir desde que se puso tras la cámara en 1971, con Escalofrío En La Noche. Como en otras ocasiones, él no era quien iba a dirigir la película en primer lugar y, una vez que el asunto acabó en sus manos, excepcionalmente pidió que se reescribiese el guion (en vez de usar el primer borrador) ya que, según él, faltaban muchas cosas.
Sin contar al muy famoso CHRISTOPHER WALKEN (quien interpretar al mafioso GYP DE CARLO), el resto del reparto me es totalmente desconocido. Es más, buena parte del reparto principal está compuesta por los actores que tomaron parte en las distintas representaciones del propio musical. Clint dijo que había sido presionado para que los protagonistas fuesen actores más famosos y con más tirón, pero que se había negado porque era imposible que otros actores pudiesen hacer mejor el papel que alguien que ya lo ha interpretado cientos de veces sobre las tablas. También hay un pequeño papel para dos de las hijas de Eastwood: Francesca, de quien ya se habló, y Kathryn, otra miembro del numeroso clan.
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| The Four Seasons: Valli, Gaudio, Massi y De Vito, sin orden aparente, ya que no recuerdo quién es quien |
La historia abarca desde principios de los años cincuenta, cuando los cuatro chavales se conocen y empiezan con el grupo, hasta el ingreso de The Four Seasons en el Rock & Roll Hall Of Fame, en 1990, y la trama incluye algo relativo al actor JOE PESCI, aunque he de reconocer que lo estoy leyendo ya que no me acuerdo mucho de la película, y eso que la vi hace relativamente poco. Y es que si J. Edgar me pasó desapercibida en su día, ésta mucho más, y cuando me decidí a verla fue sólo por el afán de completar la filmografía de Eastwood. La pereza era infinita porque, seamos serios, la historia llena de canciones de un grupo vocal repipi de hace décadas es de lo último que me apetece ver. Y sin embargo, sin ser una peli que me impresionase, me entretuvo bastante más de lo esperado, ya que no esperaba ninguna conexión con el mundo del hampa y todo eso. No es precisamente GOODFELLAS (UNO DE LOS NUESTROS, la muy conocida e icónica cinta de MARTIN SCORSESE estrenada en 1990), no nos vayamos a engañar, pero la trama se mueve en esos ambientes y lo que yo pensaba que era el ascenso a la fama de un grupo coñazo y poco más, es una historia mucho más dramática y con más impacto. Hay, por lo visto, inexactitudes entre ciertos asuntos de la trama y la vida real de los personajes que, por lo que leo, creo que son deliberadas y provienen ya del libreto de la propia obra musical.
Alerta spoiler.
No creo que esto pueda definirse exactamente como un spoiler, ya que no cuenta nada de la trama, pero pongo el aviso por si alguien quiere ver la película, ya que así no le estropeo la pequeña sorpresa del final. Y es que, si bien ya he dicho que ésta no es una cinta musical propiamente dicha, al final del todo sí que hay un número musical con todas las letras, en plan divertido y que, si recuerdo bien, es más una cosa del reparto que de los propios personajes. Es como poco curioso ver a un Christopher Walken, quien ya andaba por los setenta años en el momento del rodaje, bailando.
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| Eastwood con dos de los actores |
Jersey Boys superó su presupuesto con la recaudación total, aunque no por demasiado, y las críticas no fueron entusiastas, desde luego. A la par que se elogiaba la música, se criticaba que por cada momento brillante de la película tocase ver minutos de peleas y discusiones. Algunos de los mejores comentarios se los llevó Walken, a la vez que se dejaba caer que un hipotético papel más importante de éste en la trama hubiese beneficiado a la cinta.
El propio FRANCIS VALLI, uno de los miembros reales de aquel grupo, criticó la película diciendo que no se había hecho bien y que quizás Eastwood no fuese la persona correcta para dirigirla. Dijo que no era una mala película pero que podía haber sido mucho mejor y, dado que se trataba de una peli sobre gente real y que dicha gente estaba disponible, se le podía haber consultado para que todo saliese mejor.
Un paso raro en la carrera de Clint, pero en lo que a mí respecta, bastante mejor de lo esperado.
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| Jersey Boys, una rareza en la filmografía de Eastwood |
También en 2014 se estrenó la polémica y muy exitosa AMERICAN SNIPER (EL FRANCOTIRADOR), que contaba la historia de CHRIS KYLE, el muy condecorado y más letal tirador del ejército americano tras cuatro servicios en la guerra de Irak (2003-2011), y cómo su éxito militar pasó factura a su vida personal (fue dado de baja con honores en 2009) . Esta película se basó libremente en el libro que el propio Kyle escribió (junto con Scott McEwen y Jim DeFelice) en 2012, llamado AMERICAN SNIPER: THE AUTOBIOGRAPHY OF THE MOST LETHAL SNIPER IN U.S. MILITARY HISTORY.
Kyle, quien falleció en 2013 a los treinta y ocho años, fue interpretado por el muy famoso BRADLEY COOPER, en su primera colaboración con Eastwood, mientras que la espectacular SIENNA MILLER dio vida a TAYA STUDEBAKER, la mujer de Kyle.
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| Bradley Cooper, a la izquierda, caracterizado como Chris Kyle, quien aparece a la derecha con el libro en el que se basa la película |
Hubo cierto baile de nombres una vez que Warner se hizo con los derechos del libro en 2012, ya que Cooper (uno de los productores) quería que CHRIS PRATT interpretase a Kyle (hay también cierto parecido físico entre ambos), pero Warner dijo que sólo estaría en el proyecto si era Cooper el protagonista. En un principio, el director DAVID O. RUSSELL, quien venía de encadenar una serie de éxitos importantes, iba a ponerse tras las cámaras, pero no sé si la repentina muerte de Kyle trajo cierto oportunismo (además del inevitable aumento de interés en la historia), ya que lo siguiente que se supo es que un director de más perfil, nada menos que Spielberg, iba a ser el encargado de la dirección. Spielberg buscaba un enfoque más psicológico y sus ideas llevaron a que su visión del asunto no entrase dentro del presupuesto que manejaba Warner, por lo que se bajó de un proyecto al que se subiría Eastwood en el verano de 2013.
El presupuesto de menos de sesenta millones de dólares fue ampliamente superado por los cerca de quinientos cincuenta que la película recaudó en todo el mundo, lo que supuso que no sólo se convirtiese en la película más exitosa comercialmente de la carrera de Clint Eastwood (además de la más exitosa suya en cada país en la que fue estrenada), si no también en el film bélico más exitoso de todos los tiempos en lo que a la cartelera mundial se refiere, batiendo el récord que el propio Spielberg tenía desde 1998 con SAVING PRIVATE RYAN (SALVAR AL SOLDADO RYAN). Entre otros récords, ya que por ejemplo, siendo candidata a la mejor película en los Óscar de 2015, recaudó tanto como todas las demás nominadas juntas.
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| El francotirador apuntando directamente a la taquilla |
Las puntuaciones de las principales páginas de referencia indican una buena acogida del film (7,3 en IMDB), valorada como un gráfico homenaje a la historia real en que se basa. Los críticos valoraron la película, en general, así como la dirección de Eastwood y una grandiosa interpretación por parte de Cooper (otro ejemplo de actor guaperas que salió de la nada y acabó demostrando mucho más de lo que en un principio apuntaba para acabar siendo, a día de hoy, uno de los mayores referentes en cuanto a intérpretes masculinos), pero el film, como era de esperar tratando de lo que trata, fue una enorme fuente de controversia.
Alerta spoiler.
Antes de empezar con lo que se dijo de ella, diré que, una vez más, fui al cine a ver la cinta y me gustó mucho. Ya sé que no soy muy objetivo y que todo lo relativo a Eastwood lo miro de otra manera, pero eso es algo que él se ha ganado. Recuerdo esta película como muy tensa y bastante triste, y es que Kyle tuvo que lidiar con los recuerdos que lógicamente han de perseguir a alguien que, aunque sea en el contexto de un conflicto bélico, ha terminado con la vida de decenas y decenas de personas. Esto le llevó a, una vez dado de baja, tener problemas para lidiar con la vida civil. En la película, sin embargo, después de que un psiquiatra le preguntase si se sentía perseguido por lo que hizo estando de servicio, él contestó que era pensar en todos aquellos a los que no pudo salvar lo que le perseguía, por lo que se le aconsejó, como terapia, ayudar y estar al lado de veteranos seriamente heridos y con problemas parecidos. Esto hizo que, poco a poco, la propia cabeza de Kyle fuese ajustándose a su nueva realidad, hasta que fue asesinado (junto a un amigo suyo) por una de esas personas (afectada por estrés post-traumático) a las que estaba ayudando.
En cuanto a la tensión antes comentada (además de su tremendo impacto), destacar la escena en la que Kyle ha de terminar con dos personas, presumiblemente madre e hijo (el niño, por lo visto, fue añadido en la película y no existió en realidad), ya que iban a atentar con un explosivo contra un tanque americano. Kyle se queda mirando el cadáver del niño a través de su objetivo, consciente de lo que ha tenido que hacer, y reacciona con desdén cuando su compañero lo felicita. Más impactante aún me resulta otra en la que el protagonista abate a un tipo que porta un lanzacohetes o algo así, y tras eso, un niño muy pequeño llega donde el muerto y con mucho esfuerzo consigue coger el arma con la intención de usarla. Kyle murmura varias veces Don't pick it up (No lo cojas), y cuando se ha resignado a tener que matar al niño, que ya está apuntando, éste finalmente suelta el arma y se va corriendo. La cara de Cooper va mucho más allá del alivio, dada la angustia de la misma. Brutal.
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| Clint junto a un musculoso Cooper |
La crítica fue, como ya he dicho, mayormente positiva, calificando la cinta como tensa, triste y desgarradora, con elogios para un muy cachas Cooper. Uno de los comentarios que más me gustan al respecto de la película fue cosa del crítico DAVID DENBY, quien dijo que la película era una devastadora cinta bélica y a la vez antibélica, una tenue celebración de las habilidades de un soldado, y un triste lamento el aislamiento y mala suerte final de éste. Curiosamente, también se criticó que la peli no aprovechase para ahondar en la factura que la guerra pasa a quienes combaten en ella, y se dijo que las misiones y los objetivos del protagonista carecían de contexto.
Se habló mucho, cómo no, del patriotismo implícito en la película, y se destacó que se homenajease el propio patriotismo del tejano Kyle no rechazando ni sus dudas ni su ansiedad, y tampoco el peaje que para él supuso. Se habló de esta película como de una advertencia a los Estados Unidos, debido al enorme precio que han de pagar quienes combaten en una guerra, independientemente del objetivo. Se trata de evitar la guerra, no de celebrarla.
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| Miller y Cooper |
Pero también se criticó un enfoque descontextualizado y sin término medio del conflicto de Irak, como otra historia de buenos y malos, con hechos distorsionados y concentrada más en lo físico que en lo moral. Así mismo, fue objeto de crítica el hecho de que, según algunos, se retratase al pueblo de Irak como salvajes, con evidente miedo e ignorancia. Recuerdo que mi amigo Ramón (el mismo de antes) dijo que esta vez, Eastwood le había decepcionado, al presentar un relato pro-bélico o algo así, y muy patriota. Yo no estuve de acuerdo. Obviamente, los encargados de contar una historia dan a la misma el enfoque que creen conveniente. Eso para empezar. Pero además, no hay que olvidar que estamos hablando de una historia real, y si ésta parece un relato patriótico, o si, sobre todo, Kyle es representado como tal, es porque seguramente lo fuera. Como ya había dicho Eastwood con relación a su personaje en las películas de Harry Callahan, él cuenta una historia y se aparta de ella, lo que supone no tener por qué estar de acuerdo con lo que en ella se narra. Al fin y al cabo nadie trata de ladrón al responsable de una película en la que un atraco sea llevado a cabo con éxito.
Es curioso que, en este sentido, el bando republicano alabase la cinta por ser patriótica, republicana y por apoyar la guerra contra el terror, a lo que Eastwood contestó hablando de Análisis estúpido y diciendo que la peli no tenía que ver con los partidos, mientras que los demócratas lo acusaron de belicista y de propagandista republicano, contestando Clint esta vez que la película era una declaración antibélica.
Se trata, en cualquier caso, de un tema complejo, y el propio Clint se defendió diciendo que la peli trataba sobre lo que la guerra hace con aquellos que la sobreviven y sus familias, algo que según él es una gran declaración en contra de la misma. Cooper comentó que buena parte de la crítica negativa ignoraba el hecho de que la cinta tratase sobre la negligencia y el olvido hacia los veteranos de guerra, siendo llamativo el número de suicidios entre estos. También dijo que, en vez de criticar a alguien como Kyle, había que criticar primero a quienes lo pusieron a él, y a muchos otros como él, en su situación.
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| Chris Kyle |
El Francotirador recibió un buen goteo de premios y nominaciones y, a pesar de no contar para los Globos De Oro, recibió hasta seis nominaciones de la Academia (incluidas película, actor y guion adaptado por parte de JASON HALL), aunque sólo se llevó el Óscar a la Mejor Edición De Sonido.
La película contiene una serie de incongruencias o imprecisiones con respecto a lo que cuenta Kyle en su libro, aunque no sé si son premeditadas o no, además de algún personaje creado para la trama. Buena parte de lo que se cuenta en la película pasó de verdad, pero, según se dice, se exageró a veces convenientemente la implicación de Kyle en los sucesos.
Lo triste de todo es que muchas de las virtudes de la película, o el propio debate sobre la misma, quedaron eclipsados o directamente olvidados debido al desafortunado uso de un muñeco en la película, si recuerdo bien para hacerlo pasar como el hijo recién nacido de Kyle en brazos de Cooper. La verdad es que yo no me acuerdo de lo que pensé al verlo y quizás ni me di cuenta, pero esto supuso ataques de risa en las salas de cine ante lo cutre del asunto, predicciones negativas de cara a los premios gracias a esto y la sensación de que algo así iba a perseguir al resultado final para siempre. Ya se sabe, aquella peli en la que había un muñeco. El guionista Jason Hall argumentó que el primer bebé tenía fiebre y que el segundo no se presentó, por lo que el rápido y eficiente Eastwood debió decir que le trajesen un muñeco. Si esto es verdad, no es consuelo alguno ni mucho menos una excusa.
Clint escribió la canción TAYA'S THEME para la película y aparece en la misma sin acreditar, como un tipo que asiste a misa.
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| La imagen que se usó habitualmente para el cartel de la película |
Descanso en la cartelera en 2015 y vuelta a la acción con el estreno en 2016 de la nuevamente exitosa cinta biográfica SULLY. Como ya dije con respecto a J. Edgar y Leonardo DiCaprio, es más que normal que Clint Eastwood se haya codeado y se siga codeando con los actores y directores más grandes, y para Sully contó con otro de ellos, el mismísimo Tom Hanks, que dio vida aquí a CHESLEY SULLENBERGER (apodado Sully), el piloto que en 2009 se vio forzado a amerizar con éxito un avión comercial en el neoyorquino río Hudson, evitando daños para pasajeros y tripulación. Dicho avión, un Airbus A320 que iba a hacer la habitual ruta 1549 de US Airways desde Nueva York, con destino a Charlotte y Seattle, había salido del aeropuerto de La Guardia el quince de Enero de 2009, con ciento cincuenta y cinco pasajeros a bordo. En su subida golpeó a una bandada de pájaros y, a consecuencia de ello, ambos motores fueron seriamente dañados. Debido a las características de los daños y la distancia con respecto a los aeropuertos más cercanos, Sullenberg juzgó apropiado el amerizaje en el Hudson, algo que logró sin ninguna lesión seria para ninguna persona a bordo y en menos de cuatro minutos desde que el avión había chocado con los pájaros, algo que fue considerado poco menos que un milagro (EL MILAGRO DEL RÍO HUDSON). La película también trata los efectos de este suceso en la vida de los protagonistas y la consiguiente investigación llevada a cabo.
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| Hanks en una imagen publicitaria de la película |
Hanks se acompaña del muy poco valorado AARON ECKHART (quien interpreta a JEFF SKILES, copiloto de Sully), ANNA GUNN (conocidísima para el gran público gracias a su participación en la grandiosa serie BREAKING BAD) y, atención, nuevamente Laura Linney. Hay muchos actores que han trabajado más de una vez con Eastwood (ya sea a sus órdenes o como compañeros de reparto), como Gene Hackman, Matt Damon, John Malkovich, Marcia Gay Harden o Donald Sutherland, pero creo que, quitando miembros de su familia (donde voy a incluir a Sondra Locke), algunos actores que dieron vida a personajes distintos en las películas del Hombre Sin Nombre y en las de Harry Callahan, y secundarios tan nombrados por aquí como Geoffrey Lewis, Bill McKinney, etc, sólo Morgan Freeman y ella han llegado a trabajar tres veces con él. Linney da vida a LORRAINE, esposa de Sully.
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| Eastwood y Tom Hanks, uno de los actores más importantes y reconocidos de los últimos cuarenta años |
La película está basada en la autobiografía del propio Sullenberger, HIGHEST DUTY: MY SEARCH FOR WHAT REALLY MATTERS, escrita junto al autor y periodista JEFFREY ZASLOW y publicada el mismo 2009. El guion lo desarrolló el dramaturgo y novelista TODD KOMARNICKI, quien admitió que lo más difícil de su tarea no fue describir el amerizaje, si no la posterior investigación, ya que la persona que era percibida como un héroe a ojos del mundo podía ser vista de otra forma por los encargados de la investigación.
La cinta no lo hizo nada mal en taquilla a pesar de ser estrenada en Septiembre, un mes tradicionalmente difícil para los estrenos, debido a la vuelta al cole y a la habitual avalancha de series nuevas. Pero las buenas críticas recibidas y la transmisión de boca en boca ayudaron, y la recaudación total indica que terminó multiplicando por cuatro su presupuesto de sesenta millones de dólares. Además, tuvo otro montón de nominaciones (aunque la mayoría no cristalizaron en premios), destacando una nominación al Óscar a la Mejor Edición De Sonido.
Tampoco falló Sully en su cita con la crítica, que alabó el homenaje al típico (o no tan típico) héroe cotidiano, seguro de sí mismo pero a la vez humilde, y que nunca se consideraría a sí mismo como tal. Ya sea por el atractivo de la historia real, o por los nombres relacionados con su adaptación a la gran pantalla, la opinión popular también fue bastante buena, mejorando la de El Francotirador incluso. Llovieron los esperados elogios para la interpretación de un inspirado Tom Hanks (como prácticamente siempre, siendo uno de esos actores capaces de salvar y mantener el interés en una película sólo con su mera presencia), pero también para la dirección de Eastwood, cuyo papel tras la cámara fue equiparado al de Hanks delante de ella.
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| Eastwood junto a Linney, quien casi veinte años antes había interpretado a su propia hija en Poder Absoluto |
Yo (nuevamente como espectador en la propia sala de cine) encontré la peli brillante y ágil, con una historia digna de ser contada y con todos los mimbres para contarla de manera convincente. Le noté incluso ciertas trazas de documental en su manera de narrar los hechos, y los menos de cien minutos de duración (pocos para una peli de Eastwood) se me pasaron volando. Seguramente sea de las películas más cortas que Clint haya dirigido. Es difícil no sentir impotencia ante lo que se presencia durante la investigación, y es que cualquiera puede darse cuenta de que Sullenberg fue protagonista de una heroicidad, por lo que por qué tratarlo como si fuese todo lo contrario? Podría entender todo esto si su rápida decisión hubiese derivado en bajas humanas, pero no siendo ése el caso es difícil entender los motivos detrás de una investigación así, unida a la lógica persecución mediática. Pero supongo que las cosas no son tan sencillas.
Y de hecho, la cinta generó cierta controversia por la descripción que hace de la NATIONAL TRANSPORTATION SAFETY BOARD (NTSB), encargada de dicha tarea, como un ente inmovilista y antagonista de Sully, ansioso por encontrar fallos en la conducta del involuntario héroe y por forzarle a reconocerlos. Se criticó que la cinta se alejase en tono y esencia de lo que quedó grabado en los registros oficiales, hasta el punto de que antiguos miembros de dicha junta expresasen su preocupación por que la película pudiese hacer quedar a la misma como un órgano incompetente.
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| Eastwood tratando de encontrar a Aaron Eckhart detrás de su tremebundo bigotazo |
Sully dejó unas cuantas anécdotas y curiosidades, y otras cosas como poco inquietantes:
- En los créditos de la película, los auténticos Sully y Lorraine aparecen dando un discurso a las personas que estaban aquel día en el avión.
- Algunos de las personas que intervinieron de una u otra manera en el suceso aparecen como sí mismas. Hay incluso imágenes de archivo del famoso presentador DAVID LETTERMAN, entrevistando a miembros de la tripulación, que fueron sustituidos digitalmente por sus homólogos en la película.
- El propio Sully tiene un cameo al final de la comedia DADDY'S HOME 2 (DOS PADRES POR DESIGUAL 2, dirigida por SEAN ANDERS y estrenada en 2017), cuando aparece como nueva pareja de la madre de uno de los dos protagonistas, BRAD (interpretado por WILL FERRELL). El otro protagonista, DUSTY (MARK WAHLBERG), se muestra encantado de saber quién es, dice que es un héroe, que Clint Eastwood hizo una peli sobre él que los dos protagonistas habían visto juntos (Brad recuerda que salía Tom Hanks y que le había gustado mucho) y que quizás podrían conseguir cupones de vuelo (me descojono). Brad parece estar de acuerdo, pero al ir a saludarlo le retira la mano y se aleja por el aeropuerto gritando que le da igual cuántas vidas hubiese salvado, que nunca podría sustituir a su padre. Muy bueno.
Por cierto, justo antes de eso aparece Mel Gibson, quien también protagoniza la cinta como padre de Dusty.
- Warner había pensado en estrenar la película más o menos por el Día Del Trabajo (primer lunes de Septiembre), pero algo así suponía coincidir, más o menos, con el decimoquinto aniversario del fatídico Once De Septiembre (quitando su estreno en un festival una semana antes, el estreno oficial americano tuvo lugar un nueve de Septiembre). Esto hizo que ciertos ejecutivos se mostrasen recelosos al respecto, ya que en la peli Sully sueña que su vuelo se estrella en pleno Manhattan, con todo lo que eso supone en relación con los atentados de quince años antes. Al final se decidió no cambiar lo previsto, por ser la de Sully una historia de esperanza sobre un héroe que hace lo que debe. De todas formas, parece que todo eso fue casualidad y nunca se quiso estrenar la película a principios de Septiembre para hacerla coincidir con el aniversario.
- Un poco en relación con lo anterior, comentar que algunas aerolíneas pasaron de incluir la película entre las opciones para ver durante sus vuelos, por si alteraba a los pasajeros, pero por ejemplo Virgin Atlantic sí que lo hizo, en homenaje a los pilotos.
- Sully supuso el segundo viernes de estreno más recaudatorio de una peli de Eastwood en Estados Unidos, sólo detrás de El Francotirador, y funcionó especialmente bien en cines IMAX (aquellos con pantallas especialmente grandes y asientos en forma de gradas), habiéndose rodado por completo en ese formato.
- Eastwood compuso el tema FLYING HOME (THEME FROM SULLY).
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| Sully y Skiles en la realidad y en la ficción |
- Y volviendo a la polémica antes mencionada, ya he dicho que miembros de la NTSB se mostraron preocupados por que los espectadores, y la sociedad en general, pudieran tener la idea de que éste era un órgano incapaz. Dijeron que los investigadores no tenían la intención de avergonzar a nadie y que la película se había desviado de lo que en realidad ocurrió (por ejemplo, la cinta muestra a los investigadores aportando simulaciones que indican que un aterrizaje en otros aeropuertos, o incluso un regreso a La Guardia, hubiesen sido posibles, lo que hubiese supuesto poner de manifiesto una negligencia por parte de Sullenberger, pero la investigación real no aseguró para nada el éxito de esas hipotéticas maniobras), llegándose a hablar de cruzar ciertas líneas para llegar a una falta de honestidad con mala leche.
El propio Hanks reconoció que Chelsey Sullenberger se vio afectado por lo recogido en la ficción y pidió que los nombres reales de los investigadores no apareciesen en la película, ya que en la vida real no actuaban como fiscales y así era como la cinta los había retratado.
Por mucho que me gustase la película encuentro esto bastante preocupante, ya que no entiendo los motivos de un hipotético retorcimiento de la realidad con malas intenciones, ni tampoco qué beneficio podría algo así traer para la película. Si se trataba de salvaguardar la integridad de Sully como héroe de cara a promocionar la cinta, no creo que ni la historia, ni la peli, ni el propio Sully lo necesitasen. Y todo esto es preocupante también porque, como decía ROBERT BENZON, uno de los investigadores, los pilotos que se viesen envueltos en accidentes aéreos a partir de entonces iban a estar esperando un trato injusto por parte de los investigadores.
Lo único que sé que dijo Eastwood al respecto fue que la NTSB había tratado de hacer ver que Sullenberger no había hecho lo correcto.
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| Héroes sin capa |
Ya en 2018 se estrenaría la, ya lo adelanto, algo decepcionante THE 15:17 TO PARIS (15:17 TREN A PARÍS), a pesar de volver a contar una heroica historia real que podía haber dado para mucho más. No en vano, su puntuación en IMDB (5,3) es la peor de cualquier película que haya sido o vaya a ser comentada aquí, junto a la de El Cádillac Rosa.
El guion (de la debutante DOROTHY BLYSKAL) se basó en el libro llamado THE 15:17 TO PARIS: THE TRUE STORY OF A TERRORIST, A TRAIN AND THREE AMERICAN HEROES, publicado en 2016, donde se cuenta como tres jóvenes americanos ayudaron a impedir una masacre en un tren de alta velocidad Thalys que cubría el trayecto entre Ámsterdam y París. Esto aconteció el veintiuno de Agosto de 2015 y dichos jóvenes fueron ANTHONY SADLER, SPENCER STONE y ALEK SKARLATOS, quienes también escribieron el libro junto a JEFFREY E. STERN. Pero hay más. Ya he comentado la lógica e inevitable tendencia de Eastwood a codearse con los más grandes, pero también es verdad que, en busca de espontaneidad y autenticidad, sus castings han contado (ya sea en parte o en su totalidad) unas cuantas veces con intérpretes desconocidos (como ha sido el caso de Jersey Boys, Gran Torino o Cartas Desde Iwo Jima). Pues bien, para esta película fue incluso más allá, ya que a pesar de no haber sido esa la idea inicial, acabó eligiendo como protagonistas a los tres chavales anteriores, quienes obviamente no tenían ninguna experiencia como intérpretes porque, para empezar, ni siquiera lo eran.
Otros actores, aparte de esos tres, también hicieron de sí mismos (incluido el americano-francés MARK MOOGALIAN, otro de los héroes, quien además resultó herido), y la trama sigue a los protagonistas a través de su niñez, etc, hasta llegar al suceso en cuestión. Actrices más conocidas como JUDY GREER o JENNA FISCHER (la simpática recepcionista en la versión americana de THE OFFICE) interpretan a dos de las madres de los protagonistas.
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| Póster promocional |
La cinta se quedó cerca de doblar su presupuesto en la taquilla mundial, lo que no está mal (lejos, por supuesto de las cifras de otras pelis recientes de Eastwood), pero las críticas fueron negativas, incidiendo, para empezar, en el error que supuso dar a los verdaderos protagonistas de la historia la oportunidad de hacer de sí mismos, a pesar de las buenas intenciones del film como homenaje. No todo fue malo, claro está, pero en general se habló de mucho relleno y ciertos diálogos que no ayudaron a los inexpertos actores. Eso sí, no faltaron los elogios para las escenas que muestran el hecho en cuestión, que es lo que realmente importa de la película y sobre lo que ésta se centra.
Yo, básicamente coincido. Así como un hecho como el principal ha de ser inevitablemente tenso y angustioso, y en eso la peli no falla, el resto parece prescindible. No sé hasta qué punto actores profesionales podrían haber paliado esto, pero la película parece haber sido inflada (a pesar de ser incluso dos minutos más corta que Sully) de manera deliberada con escenas sobre la niñez, la amistad de los protagonistas y sus cosas de adolescentes, etc, que verdaderamente no van a ningún sitio y carecen de mordiente. Es como si el acontecimiento principal no diese de ninguna manera para justificar hora y media de metraje y se hubiesen usado excesivos hechos previos (algunos eran, creo yo, necesarios, en cualquier caso) para conseguir llegar a lo que de verdad importa. La verdad es que creo que algo así dice menos del propio Eastwood que de los chavales.
Por otro lado, imagina haber sido parte indispensable de una heroicidad así, que obviamente va a cambiarte la vida, y que luego te llame Clint Eastwood para protagonizar una película sobre ti mismo.
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| De izquierda a derecha, Skarlatos, Sadler, Eastwood y Stone |
Lo que estas personas (junto a otras que también participaron) hicieron fue, en pocas palabras, detener a un terrorista llamado AYOUB EL KHAZZANI (que había sido ayudado por otras personas), quien luego admitiría querer matar americanos como represalia por la intervención americana en Siria. No sé qué posibilidades había de encontrar estadounidenses en un tren que recorre Europa, pero qué más da.
Este tipo se encerró en el baño para prepararse y, cuando un pasajero se dio cuenta de que llevaba mucho tiempo allí, fue a ver qué pasaba y empezó el follón, que afortunadamente sólo resultó en varios heridos, incluido el hijoputa en cuestión, cuando podían haber muerto decenas de personas. Tras herir a un par de pasajeros, el terrorista intentó abrir fuego, pero el arma falló. Ahí es cuando, tras haber escuchado un disparo (el que había herido al ya nombrado Moogalian), los tres protagonistas (dos de ellos militares fuera de servicio) entraron en acción, resultando Stone herido de cierta consideración por un arma blanca de El Khazzani. Stone hizo una llave estranguladora al sujeto, Skarlatos se hizo con el arma inutilizada y empezó a atizar al terrorista, mientras que Sadler y otros pasajeros ayudaron también a que éste quedara inconsciente. Tras eso, Skarlatos fue por todo el tren con el rifle inservible en busca de otros hipotéticos asaltantes, y Stone, médico militar, hizo todo lo posible por parar la hemorragia de Moogalian, quien fue evacuado con éxito a Lille después de que el tren se acabase desviando a la estación de Arras, también en Francia, donde los pasajeros fueron identificados y registrados. Había más de quinientos en el tren.
Entre otros honores, los tres chavales recibieron la nacionalidad francesa y, junto a un señor británico llamado CHRIS NORMAN, que también ayudó a someter al terrorista, recibieron la famosa Legión De Honor francesa (algo que, curiosamente, Eastwood ya había recibido también en 2007) de manos del entonces presidente FRANCOIS HOLLANDE. La investigación posterior señaló que el asaltante llevaba munición para dar y tomar, y que las probabilidades de que el arma del terrorista fallase y se atascase eran de menos de una entre mil, aparte de ser algo más que poco probable el que dicho fallo hubiese pasado en favor de un Spencer que se había dirigido hacia El Khazzani totalmente de frente y a cuerpo descubierto a través de un pasillo del tren.
Verdaderamente me queda muy lejos pensar qué puede pasar por la cabeza de alguien para, en un momento dado, decidirse a arriesgar su vida así, pero esto es emocionante y me están entrando ganas de ver la película otra vez, para ver si la encuentro mejor. Y es que ya lo dije arriba, ésta no está, en principio, a la altura de una historia tan tremenda.
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| Stone y Skarlatos en una escena en el tren, poco antes del suceso que cambiaría sus vidas |
Clint volvió a actuar en THE MULE (MULA), también estrenada en 2018, en la que interpretó a EARL STONE, un anciano que se convierte en mula (gente a la que las mafias de la droga recurre para que, de una manera u otra, haga contrabando, minimizando los riesgos) para un cartel de la droga y así poder hacer frente a sus problemas de pasta. El personaje de Eastwood se basa en LEO SHARP, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que se convirtió, pasados los ochenta años de edad, en mensajero del cartel de Sinaloa, siendo detenido en 2011. Nick Schenk, quien escribió el guion de Gran Torino, basó el de este film en un artículo que el periodista SAM DOLNICK escribió en 2014 para el periódico THE NEW YORK TIMES, llamado THE SINALOA CARTEL'S 90-YEAR-OLD MULE.
Bradley Cooper y Lawrence Fishburne vuelven a trabajar para Eastwood, interpretando a COLIN BATES, un agente de la DEA (DRUG ENFORCEMENT ADMINISTRATION), y a su supervisor WARREN LEWIS, respectivamente. También actúan en la cinta ANDY GARCÍA, DIANNE WEST (como MARY, la mujer de Earl), MICHAEL PEÑA (TREVINO, el colega de Bates) y TAISSA FARMIGA (GINNY, nieta de Earl). Además, aparece Alison, la hija de Eastwood, haciendo también de su hija en la pantalla (IRIS).
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| Dirigiendo el asunto |
El papel de Cooper se basó en JEFF MOORE, responsable del arresto de Sharp, quien fue entrevistado por el ya nombrado periódico en relación con el artículo anterior. Los derechos sobre éste fueron vendidos poco después, pero Clint no fue la primera opción para dirigir. Al final, como en otras ocasiones, el proyecto terminó en sus manos y además se animó a protagonizarlo y producirlo (entre otras personas) para Warner y la compañía que había adquirido los derechos del artículo.
La cinta funcionó y recibió buenas críticas, además de no quedarse muy lejos de cuadriplicar los cincuenta millones de dólares de presupuesto (se convirtió en la tercera película más exitosa de la carrera de Eastwood como actor tras su fin de semana de estreno). En cuanto a esas críticas, se hablaba de cierta predictibilidad (no deja de estar basada en una historia real), pero en general fueron bastante positivas, alabando la cinta como un apropiado y quizás posible canto del cisne para el Eastwood actor, de producirse dicha retirada.
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| Llevo frutas y verduras, señor agente |
En lo que a mí respecta, nuevamente fui al cine para una vez más salir sorprendido por el hecho de que alguien tan mayor y que no sólo dirige, si no que también actúa, sea capaz de hacerme pasar un más que buen rato. Es una pena no poder contar con el añorado Constantino Romero poniendo su voz a Eastwood (esta sería la única peli en la que el ya veterano ARSENIO CORSELLAS, quien fallecería al año siguiente, prestaría su voz al mito), y recuerdo que encontré el personaje interpretado por Andy García un poco estúpido, pero por lo demás, una película que, lejos de ser una obra maestra o algo parecido, resulta muy entretenida. Es curioso, y hasta divertido, ver como Eastwood se lanza otra vez a una especie de carrera contra el tiempo para volver a parecer un cowboy (sin pistola y sin caballo, pero con una camioneta) que no sabe muy bien qué pasará al día siguiente. El sentido del humor de Earl en algunas situaciones (muy buena la de una señorita con la que le juntan para que se de un homenaje) es también digno de ser considerado.
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| Con Bradley Cooper en el rodaje |
Por otro lado, hay que señalar que Eastwood vuelve a interpretar a otro antihéroe, ya que su personaje no sólo acaba dedicándose a lo que se acaba dedicando (aunque no recuerdo si el anciano parecía entender del todo de qué iba la cosa) y por los motivos por los que lo hace, si no que, además, en su vida privada es un egoísta que no duda en dejar a su familia de lado para salirse con la suya.
Peli predecible? Sí. Imperfecta? También. Emotiva y acertada? Más que las otras dos cosas juntas, y por encima de la media de lo que te sueles encontrar en las salas habitualmente.
Clint Eastwood tenía ochenta y ocho años cuando el film se estrenó.
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| No importa los años que cumpla; esa cara siempre será incentivo para ir al cine |
Un año después, en 2019, llegaría la brillante RICHARD JEWELL, su siguiente aventura como director. Este film vuelve a basarse en una historia real, acontecida esta vez durante los Juegos Olímpicos de Atlanta, en 1996. JEWELL era por aquel entonces un guardia de seguridad de treinta y tres años que se encontraba de servicio en dichas Olimpiadas, cuando el veintisiete de Julio de aquel año, durante un concierto que se estaba celebrando en el Centennial Olympic Park, descubrió una mochila sospechosa bajo un banco. Dio la alerta y él y otros agentes desalojaron la zona para que se pudiese investigar. Hubo una llamada de alerta y poco después el paquete explotó, matando a una persona (otra más moriría de un ataque al corazón) e hiriendo a más de un centenar, pero las consecuencias hubiesen sido mucho más catastróficas de no haber hecho Jewell lo que hizo. Inmediatamente fue considerado como un héroe por su labor durante el suceso, pero en pocos días se supo que el FBI iba a tenerlo en cuenta como sospechoso basándose en su perfil psicológico. Nunca fue acusado y unos tres meses después se le retiró la condición de sospechoso, pero la investigación y el juicio popular y mediático al que fue sometido hicieron mella en su vida privada.
El film fue escrito por el director y guionista BILLY RAY (autor del libreto de éxitos recientes como la genial CAPTAIN PHILLIPS, del no menos bueno director inglés PAUL GREENGRASS, y protagonizada, por cierto, por Tom Hanks en 2013) a partir de un artículo de la periodista MARIE BRENNER, publicado en 1997 en la revista VANITY FAIR y que se llamó AMERICAN NIGHTMARE: THE BALLAD OF RICHARD JEWELL (The Ballad Of Richard Jewell iba a ser el título de la película, en un principio), y del libro que tiempo después escribieron KENT ALEXANDER y KEVIN SALWEN, llamado THE SUSPECT: AN OLYMPIC BOMBING, THE FBI, THE MEDIA AND RICHARD JEWELL, THE MAN CAUGHT IN THE MIDDLE (publicado en 2019).
La película vuelve a presentar un reparto de muy alto nivel, contando con el todoterreno SAM ROCKWELL, la mítica KATHY BATES (como la madre de Jewell), una nueva interpretación de John Hamm a las órdenes de Eastwood, y la guapa actriz y directora OLIVIA WILDE, objeto de cierta controversia (o más bien su personaje) tras su paso por la cinta. Pero curiosamente el papel protagonista lo interpreta un polifacético PAUL WALTER HAUSER, a quien creo que no conocía de nada.
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| Walter Hauser (izquierda) y el verdadero Jewell (derecha) |
Este proyecto había despegado años antes, alejado del entorno de Eastwood, ya que Leonardo DiCaprio y su colega JONAH HILL iban a producir el asunto, con DiCaprio encargándose de dar vida al abogado en el que se apoyaría Jewell (papel que recaería en Rockwell) y el habitualmente rechoncho Hill dando vida al propio Richard. El ya mencionado Greengrass, quien ya había trabajado con el guionista, parecía ser la opción más factible a la hora de dirigir, pero todo terminó, ya en 2019, en manos de Clint, aunque Hill y DiCaprio coprodujeron la película. Supongo que la intención de este último (no anunciada de manera expresa) de no trabajar más con Eastwood se limita al plano actoral.
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| Eastwood instruyendo al Richard ficticio |
Y parece que al público, en general, sí que le gustó la película, o así al menos lo indican las puntuaciones de las webs más habituales. En IMDB, sin ir más lejos, su más que competente 7,5 de media la sitúa como la mejor película de Eastwood en ese sentido desde Gran Torino, superando a Sully, Invictus e incluso a El Francotirador.
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| Rockwell, Bates y Hauser |
Y creo que con razón. No estoy diciendo sin más que esta cinta sea mejor que las tres nombradas (aunque desde luego, con un único visionado de ambas, me parece bastante mejor que lo que recuerdo de Invictus), pero Richard Jewell tiene indudables méritos en lo que a mí respecta, y eso que se me escapó mientras estuvo en cartelera y ha sido de las últimas películas (puede que la penúltima) de Eastwood que he visto, aunque eso, dado el año en que se estrenó, no deja de ser algo bastante lógico.
Clint vuelve a centrarse en otro héroe involuntario, Jewell, quien ve cómo su vida se tuerce, más allá de su propio control, a pesar de haber hecho algo que es moralmente correcto, y haberlo hecho bien. Al igual que en Sully, el espectador asiste con impotencia a la, en principio, injusticia (muy bien reflejada ésta en los disgustos de la brillante Bates y en la cara de incredulidad del protagonista) que supone ver cómo alguien que ha salvado tantas vidas, haciendo lo que debía hacerse, es acosado de esa forma, a pesar de que es de suponer que una investigación tenga que mantener todos los ángulos cubiertos y no dejarse por las apariencias. De ahí que yo no tenga claro si, a la hora de buscar un responsable para todo esto, haya que poner el foco en la propia investigación (desde luego, el papel de Hamm en la ficción, como el agente del FBI que se encarga del caso, es bastante enervante y cumple perfectamente como antagonista, incluso llevando a cabo alguna que otra acción moralmente reprobable, aunque desconozco si eso se ajusta totalmente a la realidad), simplemente en la prensa o en la propia gente (y eso que por aquel entonces aún no había ninguna red social y todo era distinto en ese sentido).
Si recuerdo bien, en la película se veía como un deprimido Jewell (un, por otro lado, torpe, gordinflas y no muy espabilado sujeto con pinta de perdedor) decidía no salir apenas de casa. Cómo puede la gente pasar tan rápido de alabar a alguien a crucificarlo? Hay que tener en cuenta que, por mucho que la cosa se fuese de madre, Jewell ni siquiera había pasado de ser un mero sospechoso. El espectador conoce el final de la historia, claro está, pero es que la cara del protagonista (la del Richard Jewell real también) parece indicar una absoluta incapacidad para hacer algo malo. De hecho, él mismo le dice al personaje de Rockwell que lo eligió a él como abogado por ser el único en no tratarle como a una persona inferior.
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| Un molesto Hamm interpreta al agente Tom Shaw |
Sea como fuere, la cinta es más que entretenida, aunque resulta bastante triste, y si cada trabajo reciente de un Eastwood casi nonagenario ha de ser valorado y tenido en cuenta sólo por el mero hecho de existir, éste con más razón aún. Gran película.
Aunque con una losa bastante pesada, en mi opinión, en forma de un error derivado de una absurda falta de tacto. Se trata de todo lo relativo a la controversia anterior, centrada en cierta manera en el personaje de Olivia Wilde. Dicha controversia tuvo que ver con el hecho de que su personaje, KATHY SCRUGGS, fuese la periodista (del periódico THE ATLANTA JOURNAL-CONSTITUTION) que primero informó acerca de las sospechas del FBI con respecto a Jewell, a quien la ficción presenta como alguien sin escrúpulos y capaz de cambiar sexo por información. Por lo visto, esto no pasó así en la realidad, y el director de dicho diario se refirió a ello como algo falso y malicioso, a la vez que empleados del mismo pidieron que en la película hubiese un anuncio que avisase al público de que ciertos hechos habían sido inventados con propósitos dramáticos. Ni que decir tiene que se sacó a colación la perpetuación por parte del film del tópico machista relativo a las periodistas que se acuestan con alguien a cambio de información.
La propia Wilde denunció el hecho de que hubiese polémica por lo que su personaje hacía en la trama, cuando el personaje masculino con el que ella se acuesta en la ficción había hecho exactamente lo mismo que el suyo y nadie había dicho nada. También hubo debate al respecto, ya que se dijo que Scruggs era un personaje real y el de Wilde una amalgama de varios. Esto, en mi opinión, es una argumentación vacía, ya que no supone ninguna diferencia. En caso de que el personaje de Wilde no fuese exactamente real, qué importancia podría tener eso con respecto a la polémica en cuestión? Se argumentó también, que lo que realmente impotaba era denunciar el daño recibido por Jewell, a lo que hubo quien contestó que, haciendo lo anterior, se estaba dañando también a Scruggs. Más sobre esto un poco más adelante.
En la segunda temporada de la serie MANHUNT se trata la historia de Richard Jewell, y Scruggs recibe un tratamiento parecido.
Hay que ver con Clint Eastwood. Cuando, tras años de ser un golferas y dar vida a tipos duros, machistas y poco escrupulosos, había logrado por fin tener al feminismo comiendo de su mano, la vuelve a liar.
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| Olivia Wilde como Kathy Scruggs |
En Octubre de 1996, el FBI dejó de considerar a Jewell como persona de interés. Creo que dicha oficina incluso se disculpó con él por la investigación. Richard siguió con su vida y logró convertirse en policía, además de casarse y tener dos hijos, pero falleció de manera temprana en 2007, a los cuarenta y cuatro años de edad, debido a un problema cardiovascular relacionado con la diabetes y su sobrepeso. Triste y cruel final.
Tras otros atentados en los dos años siguientes, la policía sospechó de un tal ERIC RUDOLPH, quien fue arrestado y terminó confesando su culpabilidad en 2005 para evitar ser condenado a muerte. Sigue en la cárcel.
Pero siguiendo con la polémica anterior, es más que posible que la peor parte de toda esta historia se la llevase Kathy Scruggs, quien falleció en 2001 (tras una sobredosis de fármacos) a los cuarenta y dos años, sola, enferma y hecha polvo por las consecuencias derivadas de esta historia. Ya se ha dicho que fue ella quien adelantó que Jewell podía estar bajo sospecha por parte del FBI, y cuando el calvario de éste terminó y fue declarado inocente, empezó el de ella. De alguna manera, la misma sociedad que, en base al artículo de Scruggs y la posterior investigación, empezó a sospechar de Jewell y a crucificarlo, pasó a acusarla a ella por haber escrito aquello. Y es que el entorno de Richard Jewell interpuso una demanda por difamación al periódico en el que trabajaba Scruggs. Ella, a pesar de convencerse de la inocencia del protagonista de la historia, no se retractó, alegando que cuando ella había escrito su primicia, Jewell era el principal sospechoso para el FBI.
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| La Kathy Scruggs real, a la izquierda, y Olivia Wilde |
Lo que parecía un golpe de suerte en forma de primicia, se convirtió en una carga demasiado pesada para ella. Pasó a ser el centro del huracán y no pudo lidiar con ello, a lo que se unieron sus problemas de salud (agravados por la vida poco saludable que llevaba) y los financieros derivados de sus gastos médicos. Además, la sombra de la cárcel planeaba sobre ella, al no querer revelar sus fuentes, lo que empeoró todo. Ya he contado cómo conseguía Scruggs la información en la película, lo que, en mi opinión y conociendo la historia de esta mujer, supone una decisión desde luego poco afortunada, ya que no fue esa la realidad (y así lo argumentaban sus personas cercanas), pero más por el hecho de que ella ya pagó un alto precio en vida que por el tema del sexismo. Pasar por lo que pasó ella desde el atentado hasta su muerte ya es más que suficiente castigo como para que su recuerdo se vea manchado de esa manera por una licencia dramática, independientemente, insisto, de la polémica sexista de marras.
El hecho de que no se conociese aún quién había sido el responsable del atentado también atormentaba a la periodista, quien no vivió para ver la confesión de Rudolph (cuyos actos supusieron tanto daño más allá del propio atentado) como tampoco pudo verse reivindicada en vida cuando, diez años después de su muerte, se desestimó la anterior demanda por difamación. Por eso, esta historia de Richard Jewell es también la de Kathy Scruggs, y hubiese sido lógico no cometer el error de hacer pasar a esta persona como alguien que no era sólo por, quizás, mantener la atención del espectador (algo que la película no necesita).
Y mejor aún hubiese sido que a Eastwood se le hubiera ocurrido hacer, a continuación, una peli complementaria de ésta sobre lo acontecido con Scruggs. De hecho, el periódico en el que ella trabajó publicó un artículo (creo que en Noviembre de 2019), de la periodista JENNIFER BRETT, llamado THE BALLAD OF KATHY SCRUGGS, en clara referencia a aquel que Variety publicó sobre Jewell, donde se recogían testimonios de familiares, etc. Lo que pasó en esos cinco años previos al fallecimiento de la periodista y este artículo podrían ser un gran punto de partida.
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| Foto promocional. Tras Hauser, Bates y Rockwell, se puede ver a Hamm, lejos a la izquierda, y a Wilde detrás de Bates |
CRY MACHO es, a falta del estreno de Juror Nº2 (la cual se espera que sea la película final del ídolo), la última película de Eastwood por ahora, y una sobre la cual se hace algo más difícil escribir ya que, casi con toda seguridad, se convertirá en la última cinta de Clint Eastwood como actor. Esto es algo complicado de asimilar, por mucho que el tiempo no espere a nadie y la jubilación tenga completo sentido. Se lo merece totalmente, pero a la vez se hace difícil despedirle y hacerse a la idea de que no habrá más pelis del Clint Eastwood actor. Ya comenté que creía que Clint tenía intención de despedirse de su faceta interpretativa con Gran Torino (y esto no es sólo una sensación mía) para dedicarse sólo a dirigir (como hace aquí), producir, etc, y que si después de esa peli había vuelto a ponerse delante de la cámara había sido de manera imprevista y, bien por amistad (como la que le une a Robert Lorenz, en el caso de Golpe De Efecto), o por haber surgido la inesperada posibilidad de contar otra buena historia, y de paso acabar siendo él la persona más apta para protagonizarla, como quizás pasó con Mula, ya que él se hizo cargo del proyecto y, de paso, su edad encajaba perfectamente con la del ya nombrado Leo Sharp.
Y con respecto a Cry Macho, supongo que el motivo fue aprovechar una oportunidad rechazada hace tiempo y cerrar el círculo con respecto a una historia que se remonta a los años setenta. Pero hasta aquí. No creo que haya nada después.
Se estrenó en 2021 y se trata de un western moderno ambientado en los años setenta, en el que Eastwood interpreta a MIKE MILO, una antigua estrella del rodeo encargada de llevar a un chaval (RAFO, interpretado por EDUARDO MINETT) de México a los Estados Unidos, donde está el padre del mismo. El reparto es corto y mayormente compuesto por nombres para mí casi desconocidos, entre los que sólo destaca el cantante y actor DWIGHT YOAKAM.
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| Milo y el gallo Macho |
Como he dicho, la historia se remonta a los setenta, y supongo que por eso la acción transcurre a finales de esa década. Por aquel entonces, un guion del escritor RICHARD NASH, terminó siendo convertido por esa misma persona en una novela propiamente dicha, tras haber sido incapaz de venderlo. El libro tuvo mucha mejor suerte, por lo que retomó aquel guion y, sin cambiar nada del mismo, consiguió colocarlo (?). Pasó el tiempo, y la intención de hacer una película con él nunca llegó a buen puerto. De hecho, se ofreció el papel principal a Eastwood a finales de los ochenta y lo rechazó. No creo que la novela presente a un protagonista tan mayor como el Clint actual (me da que ni siquiera contiene un salto en el tiempo desde la retirada de Milo y la trama principal, como sí hace la película), pero de hacerlo, se me antoja un movimiento un poco ridículo el de ofrecer ese papel a alguien que entonces tenía unos cincuenta y ocho años. Es más, el propio Clint, tras decir que no, sugirió nada menos que a un veterano como el legendario ROBERT MITCHUM, que al menos ya pasaba de los setenta por aquella época.
Otros nombres importantes fueron relacionados con el proyecto según fueron pasando los años, y parecía que el mismísimo Arnold Schwarzenegger iba a ser el definitivo, ya en el siglo actual, pero su implicación en la política californiana primero, y un escándalo relacionado con un posterior divorcio después, hicieron que el proyecto quedase en nada. Fue en 2020 cuando se supo que Eastwood se haría cargo a todos los niveles, incluyendo la contribución al guion del recurrente Nick Schenk (Gran Torino, Mula). El rodaje terminó en Diciembre de aquel mismo año y Clint, fiel a su fama, lo finiquitó un día antes de lo previsto. Hay que observar que, por aquel entonces, Eastwood ya había cumplido los noventa años y a su notoria eficiencia a tan avanzada edad hay que añadirle su labor como actor, incluso montando a caballo por primera vez desde Sin Perdón (a los noventa!). Y todo en una época llena de protocolos Covid y a pesar de lo difícil que, según el propio Clint, fue rodar las escenas del gallo, para las que se llegaron a usaron once pájaros.
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| Alguien está enfadado |
Una de las señales que indicarían al público que ésta iba a ser la última ocasión para ver a Eastwood en pantalla, fue una campaña promocional más llamativa de lo habitual, lo que incluyó presentar el tráiler de la cinta junto a imágenes de archivo de la carrera de Clint, a modo de homenaje, además de mensajes de colegas de profesión como Morgan Freeman, Meryl Streep, Mel Gibson, Hilary Swank o Gene Hackman. Todo esto, si bien para los críticos no ayudó en exceso a aumentar las ganas de ver la película, sí que mostraba un aprecio necesario hacia el mito que sin duda iba a emocionar a los fans de Eastwood. También hubo quien dijo que Cry Macho sería una nota a pie de página en la taquilla (acertando en este sentido), ya que toda la promoción terminaría perdiendo su efecto (no creo que esa fuese la razón de lo anterior). Además, junto a su estreno en la gran pantalla, HBO MAX ofreció la película en su servicio durante un mes.
En cuanto a la recaudación, ésta fue bastante pobre, quedándose a medio camino de recuperar los treinta y tres millones invertidos. Antes del estreno, ya se había criticado, incluso desde dentro de los propios estudios, la decisión de Warner de financiar la peli, pero la propia compañía era consciente de que era difícil que Cry Macho obtuviese beneficios. Simplemente se sentía en deuda con alguien con quien había trabajado varias décadas y que había sido capaz de terminar películas a tiempo y por debajo del presupuesto. A Warner se le olvidó comentar que además, y por lo general, esas películas habían sido tremendamente exitosas. Es de Clint Eastwood de quien estamos hablando.
También es verdad que el Covid no ayudó a nadie durante esa época y que no sé si se tiene en cuenta a la hora de fijar la recaudación los más de millón y medio de visionados a través de HBO que se contabilizaron en los hogares estadounidenses.
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| Milo junto a Rafo (Eduardo Minett) y uno de los gallos encargados de dar vida a Macho |
Con respecto a la acogida crítica, empezaré dando mi opinión. Cry Macho es una película floja. Sin más. No es mala, de ninguna manera, pero es bastante inofensiva. Cuenta una historia de carretera e improbable amistad (en esto se parece a otras, como Un Mundo Perfecto, Million Dollar Baby o Gran Torino) que ya se ha visto muchas veces antes, pero lo peor del conjunto es que cuenta dicha historia con, en mi opinión, poca fuerza y escasa pasión. Está claro que, tras tantos años e incluso un buen puñado de pelis más que buenas en los últimos tiempos, el resultado artístico de esta cinta era lo de menos, y lo importante era verlo a él otra vez. Una última vez. Pero me da un poco de pena que este último baile no haya podido ser algo más brillante y entretenido, como sí había sido, sin ir más lejos Mula. A pesar de todo, creo que la peli acierta al mostrar a un Eastwood muy mayor actuando de una manera acorde a su edad, por mucho que la trama se preste a según que situaciones. Otra cosa hubiese sido ridícula. Aún así, está el detalle de montar a caballo (él mismo reconocía que el encargado de los caballos estaba un poco preocupado), y recuerdo también que un tipo se llevaba una hostia bien dada de manos del mito. Hay cosas que no cambian. La escena en la que aparece bailando junto a NATALIA TRAVEN (MARTA en la ficción) resulta optimista y bonita como despedida.
Creo que el doblaje español de Eastwood corrió a cargo de CAMILO GARCÍA.
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| Eastwood y Traven |
Con respecto a las críticas, obviamente no todo fue bueno. Se señaló lo torpe y extraño de que Eastwood fuese el protagonista. Ya he comentado que creo que en el libro, Milo no es ni de lejos tan mayor. También se criticó el guion de Schenk por débil, aunque creo que él sólo añadió cosas a lo que Nash había hecho.
Se comentó que la historia era repetitiva, sin nada que aportar y parecida a otras como Mula o Gran Torino. Y, contrariamente a lo que parecía quedar claro sobre ella, en THE NEW YORK OBSERVER dijeron que decepcionaría al espectador, dejándolo con la nostalgia de lo que una vez fue. Esto puede ser cierto hasta tal punto, de haber sido ésta una más de las pelis recientes de Eastwood como actor, pero no la última. En mi opinión, creo que una crítica así pierde su razón de ser ante el hecho de que Clint no vaya a actuar más. Nostalgia sí. Decepción? Ninguna. Más bien agradecimiento.
Pero voy a dejar lo positivo para el final. La cinta tiene un discreto 5,7 en IMDB, algo que la aleja de las más que buenas (en algún caso extraordinarias) puntuaciones que sus compañeras de este siglo han logrado (quitando la del tren a París), pero la crítica sí que destacó el carisma de Eastwood y el encanto de verlo una vez más, además de la naturaleza sencilla y sin prisas de la trama. En este sentido, hay una serie de declaraciones que me gustan bastante y que resumen bien lo bueno del film:
- El crítico GLENN KENNY, escribiendo para la web del ya mencionado Roger Ebert, una vez fallecido éste, decía que la honestidad de la peli acerca de lo que merece la pena en la vida es la razón por la que la película existe.
- BILGE EBIRI (Vulture), periodista y cineasta, dijo que la mera presencia de Eastwood bastaba, y que la cinta funcionaba cuando tenía que hacerlo, al igual que el protagonista, al que no observamos como un actor pasados los noventa años de edad, si no como un icono que, más que no envejecer, se conserva en su propia y resistente gloria. El eterno y torturado cowboy del cine.
- DAVID SIMS (THE ATLANTIC) alabó que Eastwood usase la película para reflexionar sobre su carrera con una historia sobre alguien que aún tiene cosas que aprender.
- ANTHONY SCOTT (New York Times) habló de una peli para pasar el rato con poco que probar y lo suficiente que decir. Aconsejaba que si era el viejo (Eastwood) quien conducía, lo mejor era subirse y disfrutar del viaje.
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| If the old man's driving, my advice is to get in and enjoy the ride |
Fin de la sexta parte
ALGO MÁS DE CINE Y TELEVISIÓN
Cronológicamente hablando, esto debería aparecer en la primera parte, ya que se trata de un listado con el material de Eastwood que aún no he podido ver y que, al ser mayormente el más antiguo, pertenece casi en su totalidad a la segunda mitad de los años cincuenta. Con este breve resumen queda cubierta toda la trayectoria de Eastwood como actor y director. Que yo conozca, al menos (ver asterisco más abajo).
Como director, lo único que me falta es el cortometraje, ya nombrado, The Beguiled (The Storyteller) (1971), relacionado con El Seductor, la película de Don Siegel. Aparte de eso, el episodio número doce de la primera temporada de Amazing Stories (Cuentos Asombrosos), llamado Vanessa In The Garden (1985), y el séptimo y último episodio de la serie documental producida por Martin Scorsese, The Blues, conocido como Piano Blues (2003). Ya se sabe que el propio Eastwood es también pianista y muy aficionado a este tipo de música, además de al jazz.
Como actor, la lista es algo más larga:
- Revenge Of The Creature (La Venganza Del Hombre Monstruo), de Jack Arnold (1955). Clint no está acreditado. Interpretando a JENNINGS.
- FRANCIS IN THE NAVY (FRANCIS EN LA MARINA), de Arthur Lubin (1955). Interpretando a JONESY.
- LADY GODIVA OF COVENTRY (LADY GODIVA), de Arthur Lubin (1955). Sin acreditar. Él es ALFRED.
- COCHISE, GREATEST OF THE APACHES, episodio dieciséis de la segunda temporada de TV READER'S DIGEST (SELECCIONES DEL READER'S DIGEST), dirigido por HARRY HORNER en 1956. Clint es el teniente WILSON.
- NEVER SAY GOODBYE (HOY COMO AYER), dirigida por JERRY HOPPER en 1956. Sin acreditar. Su papel es WILL.
- MOTORCYCLE A, episodio número veintisiete de la primera temporada de la serie HIGHWAY PATROL (PATRULLA DE TRÁFICO), dirigido por LAMBERT HILLYER en 1956. Clint interpreta a JOE KEELEY.
- STAR IN THE DUST (EL ÚLTIMO SOL). CHARLES F. HAAS (1956). Sin acreditar. Él es TOM.
- THE FIRST TRAVELING SALESLADY (LA PRIMERA VENDEDORA AMBULANTE), de Arthur Lubin, nuevamente (1956). Interpreta a JACK RICE.
- AWAY ALL BOATS (ZAFARRANCHO DE COMBATE), de JOSEPH PEVNEY (1956), sin acreditación tampoco. Interpreta a un médico del ejército.
- THE LAST LETTER, séptimo episodio de la quinta temporada de DEATH VALLEY DAYS (LA LLAMADA DEL OESTE), dirigido por STUART E. MCGOWAN en 1956. Comentar que WIKIPEDIA habla en este caso de dos episodios, algo que no recoge IMDB. Eastwood es JOHN LUCAS.
- WHITE FURY, episodio número veinte de la primera temporada de WEST POINT, dirigido por JAMES SHELDON (1957). Interpreta al cadete BOB SALTER.
- ESCAPADE IN JAPAN (ESCAPADA EN JAPÓN) (1957), de Arthur Lubin. Sin acreditar. Es DUMBO.
- THE LONELY WATCH, capítulo diecisiete de la tercera temporada de la serie NAVY LOG (DIARIO DE A BORDO), dirigido por SAMUEL GALLU (1958). Como curiosidad, destacar que en este episodio aparecía también el famoso actor clásico JAMES CAGNEY, a quien Clint Ha citado alguna vez como su actor favorito. Eastwood interpreta a BURNS.
- AMBUSS AT CIMARRON PASS (ATAQUE BAJO EL SOL), de JODIE COPELAN (1958). Como nueva curiosidad, decir que el propio Eastwood definió esta película como, probablemente, La película del oeste más horrible que se haya hecho. Su papel fue KEITH WILLIAM.
- LAFAYETTE ESCADRILLE (LA ESCUADRILLA LAFAYETTE), dirigida por WILLIAM A. WELLMAN en 1958. Clint es GEORGE MOSELEY.
- DUEL AT SUNDOWN, episodio número diecinueve de la segunda temporada de MAVERICK (protagonizada por un joven JAMES GARNER), una vez más con Arthur Lubin en la dirección (1959). Eastwood interpreta a RED HARDIGAN.
- HUMAN INTEREST STORY, episodio treinta y dos de la cuarta temporada de la muy famosa serie ALFRED HITCHCOCK PRESENTS (ALFRED HITCHCOCK PRESENTA), dirigido por NORMAN LLOYD en 1959. Aquí, Clint hacía de reportero y compartía créditos con el propio Hitchcock y con STEVE MCQUEEN, nada menos.
- CLINT EASTWOOD MEETS MISTER ED, capítulo veinticinco de la segunda temporada de la serie MISTER ED, otra vez de Arthur Lubin (1962). Clint hace de sí mismo
- Y finalmente la serie de televisión con la que empezó a hacerse un nombre, Rawhide, emitida entre 1959 y 1965, y en la que interpretaba a Rowdy Yates.
Como se habrá podido comprobar, el tal Arthur Lubin fue una persona bastante importante para él en esta época. Se sabía que era gay y MAGGIE JOHNSON, la mujer de Eastwood, desconfiaba de tanta atención que ponía el personaje en su marido, pero sea como fuere, Clint le debe unos cuantos papeles y oportunidades, gracias a un contrato personal que había firmado con él en 1954, además de su amistad en aquellos primeros años. Cuando dicho contrato terminó, a Clint le costó seguir adelante, a pesar de que, incluso sin ese contrato de por medio, Lubin puso de su parte para que Eastwood consiguiese trabajar. Sin embargo, cuando Clint empezó a tener éxito, dejó de tratar con él. Hasta 1992, cuando le prometió quedar para una cena, algo que nunca ocurrió. Muy mal por tu parte, Clint.
Supongo que podría decirse que Lubin fue quien descubrió al Eastwood actor. Falleció en 1995.
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| Rowdy Yates |
*Antes comenté que era IMDB la web cuya filmografía había tenido en cuenta, pero también me gustaría señalar que en Wikipedia aparecen un par de cosas más que, de haberme quedado sólo con los créditos de IMDB en cuanto a reparto y dirección, me hubiesen pasado desapercibidas: en 1955 aparece en una peli de televisión llamada ALLEN IN MOVIELAND, dirigida por DICK MCDONOUGH, y, ya en 1991, sale haciendo de sí mismo en un documental de ROBERT GUENETTE llamado HERE'S LOOKING AT YOU, WARNER BROS.
Además, Eastwood también hace de sí mismo, como narrador, en un documental de RICHARD SCHICKEL llamado GARY COOPER: AMERICAN LIFE, AMERICAN LEGEND (GARY COOPER: EL HÉROE MODESTO, 1989). En la misma línea, aunque simplemente como uno más de los participantes y no como conductor del asunto, también aparece en KUROSAWA, LA VOIE (KUROSAWA'S WAY, 2011), un documental francés de CATHERINE CADOU.
Y, por supuesto, en Desenterrando Sad Hill, como ya comenté.
Es posible que se me escapen cosas menores, aquí y allá, en las que Eastwood haya podido participar de alguna manera. Y también está su faceta musical, de la que ya hablaré.
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| Clint Eastwood, más o menos al empezar los ochenta |
En cuanto al Eastwood director se ha alabado el hecho de ser uno de los pocos actores más reconocidos de Hollywood en dar un salto exitoso en cuanto a crítica y público a la dirección.
Como ya se dijo, una de las razones de más peso para fundar su productora fue el hartazgo con respecto al perfeccionismo exagerado que él veía en los directores que había conocido. Decidió apostar por lo austero y espontáneo, y pasar como director de cualquier aspecto que no lo gustase como actor. De ahí sus comentadas pocas tomas, su alergia a los guiones gráficos (storyboards) y su famosa tendencia a evitar ensayos, amén de su eficiencia en rodajes que muchas veces se quedan por debajo del tiempo y el presupuesto previstos. Otra característica es su habitual intención de contar sólo lo justo acerca de la trama y los menos detalles posibles acerca de los personajes, para que el espectador use su imaginación y se implique en la película.
Por otro lado, esa austeridad es trasladada también a sus (pocas) instrucciones, al habitualmente relajado ritmo de sus rodajes, e incluso a la iluminación, que suele ser suave. Eastwood parece ser un partidario de la expresión Menos es más cuando se trata de su cine.
Acerca de los temas a tratar en su cine, son recurrentes la justicia y la moral, así como la propia determinación, la familia, la soledad, el heroísmo y el sacrificio. En realidad, muchos de los viejos tópicos del género western aparecen en sus películas, ya sea en las propias del Oeste, o a través de una contextualización más moderna. Pero seguramente, y como muy acertadamente he leído por ahí, el propio protagonista diría que todo eso son bobadas, que él lo único que pretende es contar una buena historia
Clint Eastwood también tiene una larga carrera como productor, aunque apenas he hecho mención a ella ya que no es algo que me interese ni sobre lo que entienda.
Por decir algo más, comentar que Firefox (1982) supuso su debut como productor (acreditado como tal, ya que por lo visto, y como ya dije, desde Cometieron Dos Errores empezó a producir las pelis de Malpaso), y desde entonces sólo El Principiante y Un Mundo Perfecto han sido dirigidas pero no producidas por él. También produjo En La Cuerda Floja, aunque no la dirigió él (en un principio, ya que parece que, a casi todos los efectos, él también fue el director), y desde Los Puentes De Madison ha producido todas las pelis que ha dirigido.
También produjo la película THE STARS FELL ON HENRIETTA (JAMES KEACH, 1995), y ha participado como productor ejecutivo en otros proyectos.
CLINT EASTWOOD EL MELÓMANO
La música también ha sido una parte importante de su vida, algo que ha podido y sabido compaginar con el cine. De hecho, fue a lo que en un principio se quiso dedicar. Es muy aficionado al jazz y al blues (sobre todo), y por lo visto, un pianista bastante competente. Antes de ser famoso ya había producido y cantado en un disco de clásicos del country e incluso llegó a girar con compañeros del rodaje de Cuero Crudo, bajo el nombre de AMUSEMENT BUSINESS CAVALCADE OF FAIRS.
Como parte de su acuerdo con Warner, Eastwood tiene su propia discográfica (se llama MALPASO RECORDS, y el estudio que Warner tiene en Burbank y que se dedica a la grabación de bandas sonoras ha sido rebautizado como CLINT EASTWOOD SCORING STAGE), y ésta se ha encargado de publicar todas las bandas sonoras de sus películas desde Los Puentes De Madison, algunas de las cuales ha compuesto él mismo (incluso una para una película ajena, llamada GRACE IS GONE, dirigida por JAMES C. STROUSE y estrenada en 2007), como ya se ha dicho. También ha compuesto otras piezas de piano (En La Línea De Fuego), aquella canción para Diana Krall e incluso otra en la que ha llegado a cantar (Gran Torino).
Además de Grace Is Gone, las bandas sonoras en las que ha sido responsable son las de Mystic River, Million Dollar Baby (con ésta recibió una nominación a los Grammy, en 2006), Banderas De Nuestros Padres (con colaboración de su hijo Kyle y Michael Stevens), El Intercambio, Más Allá De La Vida y J. Edgar.
El famoso Festival de Jazz de Monterrey, que incluso aparecía en su debut como director, Escalofrío En La Noche, sirvió como escenario para que en 2007, y como parte de las celebraciones por el cincuenta aniversario del propio festival, fuese honrado con un doctorado honorífico en música (por su contribución al jazz y al blues) por parte del BERKLEE COLLEGE OF MUSIC (localizada en Boston, es la facultad independiente de música contemporánea más grande del mundo, y Clint es miembro de su junta de directores desde 1992). Clint Eastwood estuvo flanqueado por, de nuevo, Diana Krall, amiga de la familia y además alumna de esta facultad.
Y hay que destacar que Malpaso Records también editó en 1997 el álbum EASTWOOD AFTER HOURS (LIVE AT CARNEGIE HALL). Se trató de un disco en directo (grabado el diecisiete de Octubre de 1996 en el mítico recinto neoyorquino) en el que reputados músicos de jazz (junto a THE CARNEGIE HALL JAZZ BAND y una sección de cuerda) interpretaron piezas de las bandas sonoras de las películas de Eastwood, quien hizo de anfitrión, además de participar al piano en la suite que da nombre al disco. Eastwood también coprodujo el álbum, que fue un éxito. Kyle Eastwood y su cuarteto también participaron.
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| Una de sus grandes pasiones |
Las películas en las que ha participado Clint Eastwood como actor han ingresado cerca de dos billones de dólares brutos, sólo de manera doméstica, quedándose muy cerca de los dos billones y medio en todo el mundo. Como director, Eastwood se queda aún más cerca de esos dos billones en el mercado doméstico. En cuanto a la recaudación total, ésta no se aleja de los tres billones y medio brutos. Obviamente, muchas películas se solapan, al aparecer en ambas categorías, pero los datos son llamativos.
Decir que con mercado doméstico se habla, a no ser que se señale otra cosa, de Norte América (Estados Unidos, Canadá y Puerto Rico). Internacional se refiere al resto del mundo y los datos que he apuntado arriba en segundo lugar serían la suma de los dos anteriores (doméstico más internacional). Siempre en términos brutos.
He echado un vistazo en una web llamada THE NUMBERS para informarme un poco al respecto, y Clint aparece bastante arriba en algunas listas (sobre todo en la de directores más recaudadores en la taquilla doméstica), pero echando un vistazo a algunas de ellas, he llegado a la conclusión de que no entiendo apenas nada de cómo están elaboradas.
En lo relativo a los premios, la lista es abrumadora, con galardones de todo tipo y desde todos los sitios, ya sean de críticos, del gremio, de festivales o aquellos más conocidos. Y no sólo por su trabajo, centrado en una película en concreto, si no también por su trayectoria y méritos como cineasta en general (un reconocimiento a la persona).
En este último sentido, tiene una Palma De Oro Honorífica del Festival De Cannes (2009), una medalla (también en Cannes) como Comandante De La Orden De Las Artes Y Las Letras (1994), la Legión De Honor francesa (2007), una Orden Del Sol Naciente japonesa (2009), tres grados honoríficos en otras tres universidades y muchos honores más.
Pero centrándonos sólo en los más importantes, al menos en lo relacionado con la gran pantalla, como son los Óscar y los Globos De Oro, las películas de Eastwood han conseguido cuarenta y una nominaciones en los primeros y treinta y tres en los segundos, traducidas en trece premios de la Academia y ocho Globos. Hay que señalar que las películas involucradas en estos datos son todas cintas dirigidas por él.
De las cuarenta y una nominaciones a los Óscar, once le corresponden directamente a él, ya sea como actor, director o mejor película. Consiguió la estatuilla cuatro veces, como director y a la mejor película por Sin Perdón y Million Dollar Baby. En ambas ocasiones se quedó, además, a las puertas de un triplete inédito, al haber sido nominado también como mejor actor, sin suerte finalmente en esto último, aunque esto le convierte en una de las dos únicas personas en haber sido nominadas hasta dos veces como actor y director por la misma película (la otra es Warren Beatty).
Su Óscar como mejor director por Million Dollar Baby lo convirtió en el director más veterano en ganarlo hasta la fecha, al haberlo hecho con setenta y cuatro años en el momento de la ceremonia, y en uno de los tres aún vivos en haber dirigido dos películas ganadoras (junto a Milos Forman y Francis Ford Coppola). Es también uno de los pocos directores más conocidos por su faceta como actor en ganar un Óscar por dirigir (junto a Mel Gibson, Kevin Costner, Warren Beatty otra vez, Robert Redford y RICHARD ATTENBOROUGH).
En los Globos De Oro, trece de las treinta y tres son para él, consiguiendo otros cuatro premios: Mejor director por Bird, Sin Perdón y Million Dollar Baby, y mejor película extranjera por Cartas Desde Iwo Jima.
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| 1992 |
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| 2005 |
UN EASTWOOD MÁS ÍNTIMO (AUNQUE NO DEMASIADO)
Su vida personal y familiar da para casi tanta charla como su trabajo. Se le conocen ocho hijos. Que se sepa, ya que su descontrolada afición por las faldas, ya desde muy joven, hace que este dato quede un poco en el aire. Ya comenté, al principio de todo, lo de la hija que tuvo a comienzos de los cincuenta, supuestamente sin saberlo (hay discrepancias al respecto), y tras acabar de casarse con una mujer (Maggie Johnson) que no era la madre. De la existencia de esa niña (que en un principio sería la más mayor de su prole y quien redondearía ese número ocho) supo hace pocos años (de hecho, sólo cuatro de los ocho hijos fueron reconocidos al nacer; los demás lo fueron más tarde). Él mismo contestaba (en una entrevista concedida en 1997) a la pregunta de cuántos hijos tenía con un lacónico Tengo unos pocos. Todo esto da para pensar que los ocho hijos que se le conocen pueden quedarse cortos. Y es que la brújula moral de Eastwood en temas como la fidelidad o la monogamia se ha revelado casi por entero inexistente, al mantener un montón de relaciones con distintas mujeres, muchas veces al mismo tiempo. Y las que no se conocerán.
Así, tenemos a su primera hija, Laurie (11-02-1954, de apellido MURRAY), de cuya existencia Clint supo hace poco tiempo. El nombre de la madre se desconoce y Laurie fue dada en adopción al nacer.
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| Clint y Laurie, nada menos. Es un figura |
Siguiendo la edad de la descendencia de Eastwood, la siguiente sería KIMBER LYNN (17-06-1964), nacida de su relación con ROXANNE TUNIS (fallecida en 2023). Con Tunis pasó unos catorce años, desde 1959, y de la existencia de Kimber no se supo públicamente hasta 1989, aunque Clint consta como el padre en el certificado de nacimiento.
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| Kimber Lynn en una imagen de archivo |
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| La bailarina y actriz Roxanne Tunis |
Después, vendrían los dos hijos que el actor tuvo con Maggie Johnson (su primera esposa, con la que se casó en 1953), los mencionados Kyle (19-05-1968) y Alison (22-05-1972). Obviamente, las fechas de esta relación se solapan con la que tuvo Eastwood con Tunis, y se ha hablado de que el matrimonio de Clint y Johnson era algo abierto. Quizás lo acabó siendo porque con alguien como Eastwood no había otro remedio. O eso o el divorcio. Se divorciaron en 1984, aunque todo había terminado seis años antes.
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| Kyle Eastwood |
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| Alison Eastwood |
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| Kyle, Alison y papás Clint y Maggie |
La existencia de esta relación con Reeves no se conoció hasta que empezaron los noventa, y el certificado de nacimiento de ambos niños hacía ver que el padre había, supuestamente, rechazado cualquier implicación. La identidad de los hijos se mantuvo en secreto hasta 2002.
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| Scott y su famoso padre |
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| Podría decirse que hay cierto parecido |
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| Clint y Kathryn hace unos años |
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| Scott y su madre, Jacelyn |
La siguiente sería la también actriz Francesca (07-08-1993), quien igualmente ha aparecido en trabajos de su padre y que nació de la relación de éste con Frances Fisher, a quien conoció a finales de los ochenta y con quien estuvo hasta 1995. Parece ser que Eastwood estuvo, en el caso de Francesca, por primera vez presente en el nacimiento de uno de sus hijos.
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| Frances Fisher y Francesca |
La más joven sería Morgan, nacida en 1996 (doce de Diciembre), y es hija de Dina Ruiz, la segunda mujer de Eastwood y a quien también se mencionó en su momento. El comienzo de la relación de Eastwood con esta señora, bastante más joven que él por cierto, parece solaparse con el final de su asunto con Fisher, y la nueva pareja se casó en 1996, estando ella ya embarazada. Se divorciaron en 2014, después de haber estado separados mucho tiempo.
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| Morgan |
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| Con Dina Ruiz |
El pasado quince de Junio (2024), Clint llevó al altar a una visiblemente embarazada Morgan.
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| Ya llega! |
Sí que es destacable su polémica relación con la actriz Sondra Locke, a quien conoció en 1972 y que parecía estar hecha, al menos por aquel entonces, de un material parecido al de Eastwood en lo que a sus relaciones se refiere. Ella estaba casada (por conveniencia, y nunca se divorció) y él seguía con su matrimonio con Johnson, aunque como si no. Ese hecho generó bastantes tensiones, aunque Johnson acabó pidiendo el divorcio al darse cuenta de que Locke no iba a ser para Clint como otras muchas.
Por lo visto, Clint no pensaba lo mismo (o dejó de pensarlo pronto) y, además de unas cuantas relaciones más, tuvo sus dos hijos con Reeves en mitad de lo suyo con Locke (con quien como poco al menos vivía). Locke no debía saber gran cosa (según ella) de todo esto, pero terminó sabiendo de la doble vida de Eastwood y de esos niños, con el agravante de que ella había tenido dos abortos en su relación junto al actor (en los setenta) y, por lo que parece, al menos el segundo fue voluntario, pero siendo ella reacia a llevarlo a cabo (creo que éste tuvo lugar al final del rodaje de Duro De Pelar). Sobre el tema de los abortos y una posterior ligadura de trompas por parte de la actriz también hay diversas opiniones.
Sea como fuere, todo terminó en 1989, alargándose el tema judicial bastantes años más. En el proceso, Locke contrajo cáncer de pecho, lo que la llevó a dejar el tema a cambio de cierto trato, pero volvió a demandar a Eastwood en 1995 al respecto de esto último. Tras llegar a otro acuerdo al año siguiente, Locke tuvo otro follón legal, esta vez con Warner y con Clint como testigo, ya que ella alegaba que Warner y él habían intentado sabotear su carrera como directora. Todo terminó en 1999, y a través de los años Locke siempre ha sido muy dura con Eastwood, y según parece con razón. Una vez más.
Clint, por su parte y a pesar de todo, había llegado a confesar a ciertas personas de confianza que Locke no había sido una más y que durante un tiempo hubo lo que tenía que haber entre ambos, y que él lo había intentado. Pero está la naturaleza de Eastwood y también, según se dice, el hecho de que no soportase que ella siguiese casada (con un tal Gordon Anderson, por cierto), lo cual nunca cambió hasta el momento de fallecer ella, en 2018.
Sondra Locke llegó a dirigir cuatro películas y publicó una autobiografía en 1997, titulada THE GOOD, THE BAD AND THE VERY UGLY: A HOLLYWOOD JOURNEY. Sin comentarios.
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| Eastwood y Locke: todo mal |
A día de hoy, Eastwood mantiene una relación (desde 2014, parece ser, y hecha pública desde 2015) con CHRISTINA SANDERA, una camarera a la que conoció mientras ella trabajaba en uno de sus negocios hosteleros, y que también es unos cuantos años más joven que él.
*Lamentablemente, apenas una semana después de la publicación de esta entrada, y gracias al aviso de mi amigo DEIVIZ, me entero del repentino fallecimiento (parece que el pasado dieciocho de Julio, 2024) de Christina Sandera, a los sesenta y un años de edad. Por lo visto, ha sido el propio Eastwood quien ha comunicado la triste noticia al medio THE HOLLYWOOD REPORTER. El motivo no ha trascendido, al menos de momento. Descanse en paz.
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| Christina Sandera |
No quería detenerme mucho en estos temas (y verdaderamente no he contado casi nada), pero nombrar a sus hijos y sus respectivas madres ya lleva un rato. Por supuesto, ha habido muchas más mujeres (no voy a molestarme en poner nombres, aunque algunas de las que se conocen son muy famosas e incluso pertenecientes al mundo de la interpretación) y, como ya he dicho, se duda acerca de la prole total de Eastwood, que es bastante probable que supere los ocho hijos mencionados. Uno de sus biógrafos, PATRICK MCGILLIGAN, reconocía no saber el número exacto de ellos ni con cuántas mujeres los habría tenido, llegando a hablar acerca de un hipotético hijo nacido cuando Clint aún estaba en el instituto.
Ha habido rumores recientes acerca de un actor y cineasta llamado JAKE C. YOUNG, después de que este usase Eastwood como nombre artístico. El propio Young nunca ha dicho nada al respecto, pero he ido a buscar fotos suyas y, en fin, digamos que los rumores son bastante fundados, al menos en cuanto a la apariencia física del sujeto.
Hazte a un lado, JULIO IGLESIAS.
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| Con Christina Sandera (D.E.P.) |
GO AHEAD, MAKE ME MAYOR: EL POLÍTICO
Eastwood es una persona muy relacionada con el mundo de la política. Por lo que he leído y escuchado por ahí, incluso en conversaciones en las que no he sido parte, me queda clara la visión que la gente, en general, tiene del personaje en este sentido. Las exageraciones (o eso creo yo) al respecto están a la orden del día, supongo que más como una lógica consecuencia de dejarse llevar y hacer caso a los rumores. Por eso, Eastwood es habitualmente descrito como un señor completamente de derechas, reaccionario y de otra época (independientemente de su edad). Poco menos que un fascista de tomo y lomo. Pero es curioso, y hasta divertido, el que a una afirmación tan fácil y cutre como esa, se le una un habitual e indisimulado aprecio por el actor, su arte y, en muchos casos, algunas de sus míticas frases en las películas. Por parte de gente de cualquier espectro político. Vamos, que el tipo es un bárbaro pero nos hace gracia.
Hay mucho más de lo que parece a simple vista. Clint Eastwood no es Harry Callahan. No se pasa la ley por el arco del triunfo para salirse con la suya, y no sale de casa con una Magnum 44. Se ha manifestado en contra de la corrección política, desde luego, pero se ignoran sistemáticamente ciertos temas y mensajes en sus películas como director que apuntan a una línea más progresista. Como se ha ignorado el hecho de que él mismo esté a favor del control de armas. Eastwood, habitual simpatizante republicano, ha apuntado siempre a todo aquel que creía digno de crítica, sean cuales fueren sus ideas (el propio presidente NIXON, sin ir más lejos), e incluso ha tenido sus épocas de inclinación demócrata. Y, si bien no se considera un activista de izquierdas, no se ve a sí mismo como alguien conservador sin más, si no como un libertario (afiliado, incluso, al LP o PARTIDO LIBERTARIO), partidario del lema vive y deja vivir ,sin hacer daño a nadie. Alguien demasiado individualista para, según él, ser de izquierdas o derechas, y un defensor de los derechos civiles desde un punto de vista liberal. Todo esto incluye una defensa de la elección en lo relativo al aborto, y del matrimonio entre personas del mismo sexo (siendo muy crítico con los republicanos por este último tema).
Ha sido muy crítico con la relación tradicional de su país con la guerra, y con la implicación del mismo en algunas de ellas. Critica el afán de los Estados Unidos por ser lo que él considera una especie de Policía global.
En 1986 fue elegido alcalde (independiente) de su querido Carmel, ejerciendo dos años como tal, antes de pasar página, y su ridículo sueldo lo donó a un centro juvenil de la ciudad. También apoyó (aunque no siempre) a Arnold Schwarzenegger cuando éste fue elegido gobernador de California en 2003, trabajando con él en algún que otro asunto (por ejemplo, en la junta conocida como California State Park And Recreation Commission, de la cual Eastwood ya era miembro desde 2001) . Siempre ha mostrado interés en la política californiana.
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| Clint triunfa |
Después de que BARACK OBAMA fuese elegido presidente de los Estados Unidos en 2008, Eastwood, quien había apoyado en las elecciones a su amigo, el republicano JOHN MCCAIN, dijo que le deseaba todo lo mejor a Obama, ya que eso supondría lo mejor para todos. Pero años después, en la Convención Nacional Republicana de 2012, y tras haber apoyado a otro republicano (MITT ROMNEY) en las siguientes elecciones, realizó un discurso (supuestamente por sorpresa) bastante improvisado (duró unos doce minutos) en el que se dirigía a una silla vacía. Dicha silla representaba a Obama y el discurso lo vieron millones de personas en directo. En el mismo, Clint bromeó con unos supuestos comentarios de mal gusto que Obama había hecho sobre él y sobre Romney, para terminar diciendo que eran los ciudadanos, sean cuales fuesen sus ideas, quienes poseían el país, y que los políticos eran meros empleados suyos, y no al revés.
Las reacciones no se hicieron esperar y fueron muchas y variadas, con aprobación dentro de la misma convención y bastante crítica fuera de ella. Hubo memes incluso (el EASTWOODING). No me merece más atención este tema pero parece que fue bastante potente en su día, y no uno de los momentos mejor recordados del personaje.
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| La tristemente famosa silla |
Más tarde, para las de 2016 dijo no haber apoyado a nadie, aunque de tener que elegir entre HILLARY CLINTON y DONALD TRUMP, se decidiría por el segundo, al haber declarado ella que seguiría los pasos de Obama. Decía entender ciertas cosas de Trump y de dónde venían sus motivaciones, pero que este tipo decía muchas estupideces también y era ciertamente racista en algunos aspectos, aunque no entendía cómo todo se centraba en lo que decía o no Trump, en vez de en cosas más importantes. Poco después admitió ser un enigma al respecto y no tener ni idea sobre su voto, pero no por los motivos correctos. Para 2020 se decantó públicamente por el demócrata MIKE BLOOMBERG, ya que Trump se había rebajado mucho a sí mismo con sus bobadas.
MISCELÁNEA
Hay más. Desde muy joven, Eastwood ha abogado por el ejercicio y la vida sana, incluso apareciendo en revistas, una vez que empezó a ser famoso, para dar consejos sobre nutrición, etc. Este aspecto de su vida se vio reforzado más tarde por la relativamente temprana muerte de su padre, debida a un ataque al corazón.
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| Ojo! |
También ha puesto sus miras en la hostelería, y es dueño del hotel MISSION RANCH, en Carmel. Se trata de una propiedad existente desde 1852 que él adquirió en 1986 y reformó según el estilo original. Además, y también en Carmel, abrió en 1971 un pub llamado HOG'S BREATH INN, el cual mantuvo hasta 1999, cuando lo vendió. Se dice que en este pub fue donde conoció en su día a Jacelyn Reeves.
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| Su antiguo negocio |
No tiene que ver con la hostelería pero Clint también tiene varios intereses relacionados con el golf, siendo él un gran aficionado a este deporte. Uno de ellos es el club que posee y que se encuentra, cómo no, en Carmel. Se llama TEHÀMA GOLF CLUB y debe ser un sitio más que exclusivo, ya que además de asomarse al Pacífico y estar rodeado del esperado alto standing, uno sólo puede llegar a ser miembro por invitación.
En resumidas cuentas, Clint Eastwood no sólo es actor, director, productor, compositor, pianista, político, empresario hostelero, gurú de la vida saludable y un auténtico golferas a tiempo completo, si no que también pilota helicópteros y se dedica a la meditación, al mercado inmobiliario y, hasta cierto punto, a la filantropía. Lo que se dice un auténtico polímata. Aunque es obvio que el dinero llama al dinero y cuando se tiene tanto, las opciones de incrementar conocimiento e intereses aumentan exponencialmente.
Y hasta aquí hemos llegado.
Me gustaría poder decir que todo lo que he escrito, lo he hecho desde el conocimiento, debido a que soy un auténtico experto en Clint Eastwood y su carrera. Pero no. Nada más lejos. Ni siquiera he leído ninguna de las muchas biografías que hay por ahí sobre él (aunque me gustaría y ya hay una a la espera). He visto sus películas y puedo hablar de ellas como aficionado que soy, pero eso, y poco más, es lo que he hecho: opinar sobre ellas.
Siempre intento informarme cuando escribo, y para poder dar información que yo creo necesaria, he tenido que leer bastante. En este sentido, tengo que agradecer todo lo aprendido en Wikipedia, la cronología (y más cosas) de IMDB y unos cuantos artículos más que me sería imposible enumerar, porque son muchos. Pero el caso es que toda esa información (y mucha más que me ahorrado) se puede obtener en cualquier sitio, y lo que no quería, de ninguna manera, era presentarla como si esto fuese una entrada enciclopédica más. Por eso, espero que el hipotético lector valore esto, sobre todo, por mi opinión personal sobre las películas y por las anécdotas relacionadas con ellas, independientemente de lo más o menos de acuerdo que esté con mis puntos de vista, ya que esto no va sólo de cine.
Éste es un homenaje que había que hacer y, después de unos meses, me parece increíble haber llegado al final, aunque también es verdad que me pone un poco triste terminarlo. Si quien lo lea lo pasa un cuarto de lo bien que yo lo he pasado haciéndolo, encuentra que tiene ganas de ver otra vez una u otra película, o quiere verlas todas por primera vez gracias a esta lectura, ya supondrá todo un triunfo. Ha estado bien recordar un montón de cosas sobre todas ellas, y la verdad es que me han entrado ganas de volver a verlas casi todas a mí también.
Gracias a Clint Eastwood por ser un tío tan grande (a pesar de ciertas cosas), y por todos los recuerdos y horas de entretenimiento y felicidad que nos ha proporcionado. Gracias a Constantino Romero por contribuir a crear una imagen inmortal del actor en el subconsciente de mucha gente en España.
Gracias también al lector por llegar hasta aquí.
Y por último, pero no menos importante, el obligado recuerdo al gran Donald Sutherland, compañero de Clint en un par de películas, fallecido el pasado veinte de Junio a los ochenta y ocho años (1935 - 2024). Descanse en paz.
Hasta pronto!
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