CUANDO BRUCE SPRINGSTEEN SE CONVIRTIÓ EN EL JEFE (1974 - 1988) / TUNNEL OF LOVE








TUNNEL OF LOVE, el octavo disco de estudio de Springsteen, y el que cierra esta etapa, salió a la venta el nueve de Octubre de 1987 (cómo no, a través de Columbia). Una vez más, la producción fue cosa de Landau, Plotkin y el propio Springsteen. Como ya dije, Born In The USA y su posterior gira fueron un punto de inflexión para Bruce Springsteen. Pasaron muchas cosas desde la edición del disco hasta el final de la gira, y no todas fueron buenas. El éxito era más que evidente, pero no se estaba traduciendo en una vida personal necesariamente más feliz para el cantante, y en cuanto a la música, creo que el propio artista fue el primero en darse cuenta de que todo se había desmadrado un poco. Algo tenía que cambiar, y así fue.

Para empezar, el matrimonio de Springsteen estaba fracasando (Julianne Phillips pediría el divorcio en Agosto de 1988, citando diferencias irreconciliables). Como era de esperar, Bruce pasaba mucho tiempo lejos de su mujer, y el hecho de que él fuese once años mayor que ella tampoco ayudó a que hubiese más afinidad entre ambos. Y no tengo mucha idea ni interés al respecto, pero es posible que Scialfa jugase un papel involuntario (o quizás no, ya que es posible que para cuando se editó este disco, un Springsteen aún casado hubiese empezado ya una relación con Scialfa) en el proceso, ya que he leído que hasta se rumoreaba que ella y el Jefe acabarían siendo pareja un poco antes de conocer Springsteen a su mujer. En cualquier caso, ninguna de las dos partes ha hecho declaraciones al respecto del divorcio en los años posteriores, algo que les honra a ambos, pero sobre todo a ella, que seguramente podría haber ganado mucho dinero aireando trapos sucios (en caso de haberlos) o cualquier tipo de historia sobre alguien tan popular como su ex, y no lo hizo. Y es que Springsteen era alguien más famoso y con más que perder en ese sentido, y él mismo reconoció en Born To Run, su autobiografía de hace unos pocos años, haber manejado muy mal todo el tema de su matrimonio, como reconociendo implícitamente una culpa que no debía compartir con Phillips, de quien tiene muy buenas palabras.



Julianne Philips




Como consecuencia de todo esto, Tunnel Of Love volvió a ser un disco muy íntimo y personal, pero al contrario que Nebraska, no siguió tratando sobre temas habituales en la carrera del artista, como la problemática de la clase trabajadora, sus frustraciones y todo lo relativo a cierta parte de la sociedad americana, si no sobre cosas que hasta entonces habían sido más accesorios en su carrera, como las relaciones y los problemas, sobre todo de pareja, que el cantante atravesaba en ese momento. Y en vez de presentar temas rockeros al uso, lo que encontramos es una colección de canciones lentas o a medio tiempo.



Phillips y Springsteen




Más cambios. Todos los discos previos de estudio de Springsteen habían mostrado su nombre, y no el de la E Street Band, en la portada, al igual que pasa en éste, pero se entendían como discos con la dicha banda (quitando Nebraska, obviamente), que apoyaba al Jefe a todos los efectos, tanto en estudio como en directo. Pero esta vez, y a pesar de que en la gira que sirvió de promoción a Tunnel Of Love no hubo ningún cambio en ese sentido, el disco es considerado como un disco en solitario (por el propio cantante, para empezar), ya que Springsteen grabó casi todo por su cuenta (a veces con la ayuda de una caja de ritmos) en su estudio casero (THRILL HILL EAST, en Rumson, Nueva Jersey) y las apariciones de los miembros del grupo en la grabación son bastante esporádicas (ni un solo de saxo, por ejemplo). El cantante disolvió (temporalmente, claro está, ya que ambas partes estaban condenadas a juntarse algún día, pero no sé cuál era la idea inicial) el grupo en 1989, aunque no parece que hubiese mal ambiente. Supongo que ciertas ganas de hacer cosas nuevas y trabajar con otra gente sí que había, además de los propios proyectos de cada músico. Pero Bruce contaría con algunos de los músicos en trabajos posteriores, además de participar él en discos de ellos, y todos se reunirían, de manera ocasional primero (en 1995, con motivo de la primera recopilación de éxitos del cantante), y definitiva después (ya por 1999). En la grabación del disco también se usaron los estudios A&M, en LA, y los neoyorquinos The Hit Factory.

El disco lo hizo bien, comercialmente hablando (aunque no supuso nada parecido al éxito imparable de Born In The USA) y, en general, fue bien acogido por la crítica, que habló de un nuevo disco valiente e introspectivo, con las canciones más tristes de Springsteen en toda su carrera. Hubo quien dijo que era algo que había que escuchar tras unos años de vida en pareja, para que los temas a tratar parezcan más familiares. Se habla de parejas que, tras un tiempo en común, acaban con sus protagonistas atrapados en la oscuridad de esa noche que parece ser la gran mayoría de la segunda mitad de The River. Supongo que quien dijo eso se refería a temas como Point Blank, Fade Away o Stolen Car, pero de haber tenido Springsteen algo así en mente, tengo que reconocer que la manera de hilar tan fino para que sus trabajos se realimenten unos a otros y sus temas estén relacionados, es bastante brillante. Si esa no era la intención del artista, lo que es brillante es el conocimiento y la imaginación de algunos críticos.

En cuanto a los temas que no encontraron sitio en el corte final, el exceso de estos no fue, ni de lejos, tan exagerado como con el disco previo, pero algunos hubo, y de ello hablaré más adelante. Uno llamado WALKING THROUGH MIDNIGHT es el único que a día de hoy no ha sido editado. Además, ya en 1988 (uno de Agosto), salió un Ep en directo llamado CHIMES OF FREEDOM, en apoyo a una gira por los derechos humanos que reunió a varios artistas y que fue organizada por AMINISTÍA INTERNACIONAL.



Con Scialfa en el escenario. Algo estaba pasando




La gira que vino tras el disco (con una participación bastante habitual de The Miami Horns) y que precedió a esa participación con Amnistía Internacional, fue mucho más corta que lo habitual, pero incluyó un histórico evento en Berlín Este, el diecinueve de Julio de 1988, en el que Springsteen y su banda tocaron para, en un principio, ciento sesenta mil personas (récord de asistencia en un concierto del Jefe hasta entonces), aunque se dijo después que los asistentes podrían haber sido muchos más. El concierto fue organizado por las juventudes socialistas de la RDA de aquella época (que quedaron arruinadas al no poder afrontar los costes finales), para tener contenta a la juventud de ese lado del muro en una época ciertamente tensa, y se vendió como la llegada de un americano de clase trabajadora que combate las injusticias sociales de su tierra. Esto es gracioso, porque el propio Bruce Springsteen, muchos años después, y en un simpático y llamativo acto de completa sinceridad, reconocía (entre otras cosas) en el ya mencionado disco Springsteen On Broadway (al menos en el documental de Netflix tras el cual apareció el álbum) haberse pasado la vida cantando sobre la clase obrera sin haber pisado una fábrica ni haber hecho un turno de nueve a cinco jamás.



El concierto se llevó a un velódromo llamado RADRENNBAHN WEISSENSEE, muy alejado del muro, ya que en ocasiones previas en las que había habido conciertos importantes en el lado occidental, la seguridad del este había tenido problemas manteniendo alejados a los jóvenes de ese lado para que no escuchasen nada (???). Springsteen, en su alemán de Nueva Jersey, dijo a la concurrencia que no estaba ahí para protestar contra uno u otro gobierno, si no para tocar rock para la gente de Berlín Este, con la esperanza de que las barreras cayesen algún día. Las autoridades socialistas aprovecharon un pequeño retraso en la retransmisión en directo para borrar esas palabras, pero el muro no tardaría mucho en caer (nueve de Noviembre de 1989) y periodistas e historiadores han coincidido al señalar el impacto de dicho evento de cara a los acontecimientos del año siguiente. Decían que, tras el show, se podían notar las ganas de cambio de una población que había empezado a darse cuenta de lo encerrada que estaba.



Bruce, aquel día en Berlín




La inicial AIN'T GOT YOU (una especie de homenaje, que no una versión, del Jefe a un tema de 1955, de igual nombre, interpretado por un bluesman llamado BILLY BOY ARNOLD), destaca por apartarse del melancólico e introspectivo tono general del disco, aunque ni remotamente es una canción de rock al uso. Eso sí, debido a lo ya contado un poco más arriba (los problemas en el matrimonio del Jefe y su quizás ya iniciada relación con Scialfa), es probable que fuese Patti a quien Bruce tenía en mente en este tema, y no a su mujer. Cuenta la historia de un millonario que tiene todo y más, atenciones personales incluidas, pero que a la vez reconoce que todo eso ni le importa, ni le llena, ya que lo único que desea es lo que no tiene. He leído que la línea I made a deal with the devil podría no referirse a una vida de éxito a costa de lo personal, si no que sería un guiño a un matrimonio, fallido, que tiene lugar justo antes de que el protagonista (Bruce) encuentre a quien de verdad estaba buscando (I'm still the biggest fool).

Es un muy breve tema acústico con mínima instrumentación y en el que Bruce incluso empieza cantando sin ningún tipo de acompañamiento. Se acerca a Nebraska, en cuanto a la instrumentación, aunque no así en lo relativo a su tono, mucho más alegre. Creo que pasa muy desapercibida en cualquier tipo de conversación acerca de Springsteen, y no creo que la haya tocado demasiadas veces en directo, quitando un poco en esa gira (junto a She's The One, creo), pero a mí me encanta. Siendo tan ligera y corta, puede extrañar su colocación en el disco como tema de apertura, pero lo que se piensa es que, tras el éxito brutal del anterior disco, Springsteen quiso rebajar las expectativas de los fans con respecto a algo parecido, abriendo el disco con Ain't Got You, y señalando así que esto iba a ser distinto.

I got a house full of Rembrandt and priceless art.





TOUGHER THAN THE REST es un tema lento que, esta vez sí, pone las bases de lo que será el tono habitual del disco; y lo hace a través de un patrón muy simple, pero contundente a la vez, por parte de la batería, y de una línea de sintetizador que pasa por ser la parte más reconocible del tema. También hay un par de buenos solos de guitarra y armónica. En lo que parece ser una conversación entre personas que ya están de vuelta de todo, el narrador dice estar preparado para una posible relación, siempre que la otra parte lo esté también (Well, there's another dance, all you have to do is say yes). Muy buena, sin duda, pero nada que ver con la enorme versión en directo que aquí adjunto, y que apareció en el Ep Chimes Of Freedom. El vídeo es muy chulo y el tema es más largo, con una estrofa repetida y énfasis en los solos ya comentados, además de en la ayuda vocal de Scialfa. La complicidad entre ella y Springsteen es obvia, sin importar lo que pudiese haber ya entre ellos por aquel entonces. Además de eso, el vídeo muestra imágenes de parejas, supuestamente asistentes al concierto, y algunas de ellas son gays, lo que hace cuarenta años no era, ni de lejos, tan habitual. Me refiero a incluir algo así, no al hecho de que hubiese parejas gays.

Una canción muy especial, y se dice que uno de sus temas más apreciados en Europa. En mi familia desde luego. Recuerdo a mi madre diciendo cómo le gustaba este temazo, aunque no supiese ni su nombre, ni mucho menos el significado del título.

Max Weinberg y Danni Federici aparecen en este tema, para encargarse de la percusión y del órgano Hammond, respectivamente.

Well it ain't no secret, I've been around a time or two.   






Foto promocional




Se comenta que la muy breve (poco más larga que el tema de apertura) ALL THAT HEAVEN WILL ALLOW, no sólo toma prestado el título de la película de DOUGLAS SIRK (de 1955, y una vez más, con JANE WYMAN y ROCK HUDSON), si no mucho más que eso, a pesar de que el tema parece bastante ligero e incluso optimista. En la peli, el personaje de Hudson arregla el jardín de una viuda rica, y ambos se enamoran, pero la diferente posición social de ambos y otro tipo de presiones se interponen entre ellos. Por supuesto, y como muchas otras veces, esto es algo que no sabía hasta leer un poco sobre la canción, pero tengo que decir que en este caso, la comparación se me queda un poco grande, a pesar de ciertos obvios paralelismos. No recuerdo haber visto la película, pero lo poco que he leído al respecto se me antoja mucho más dramático que este tema. Pero bueno, si ambas cosas se llaman igual y lo dicen quienes sabe mucho más que yo, habrá que creerlo. Desconozco si Springsteen ha dicho alguna vez algo al respecto. En la canción, el humilde narrador sólo tiene lo que su trabajo puede aportarle, y sabe que lo que le espera (la relación en pareja) no será fácil, aunque parece darle igual, mientras haya alguien que le quiera. Eso es motivo para seguir adelante.

En cualquier caso, es llamativo el cambio de Springsteen en este sentido, ya que todo parece más personal, en general, que en su trabajo anterior. El protagonista de sus canciones pasa de la lucha y resistencia habituales en tantas canciones previas, a desear una vida tranquila en compañía. El bajo es bastante audible, y las diferentes partes de guitarra grabadas para la ocasión mantienen el tipo frente al habitualmente dominante sintetizador, que está menos presente aquí.

Weinberg se encarga de la batería.

I can't be late, I got a date, with all that heaven will allow.





SPARE PARTS es la canción más rockera del álbum, y una de las pocas que se escapan de la melancolía general de éste. No está mal, y seguro que en su día ganaba mucho en vivo (de las más usadas de Tunnel Of Love en directo, al menos por aquellos días), dada la naturaleza de la canción, pero no me llamaba especialmente la atención, más allá de eso. Hasta ahora, y sobre este cambio hablo un poco más abajo. Es el tema que más apoyo externo tiene de todos los del disco (aunque el esqueleto del mismo es básicamente otra canción acústica que ya había sido grabada por el Jefe y a la que se fueron añadiendo las contribuciones de cada músico restante por separado), lo que incluye a Garry Tallent (única vez) al bajo, Federici y Weinberg, además de la armónica de un tal JAMES WOOD.

La canción cuenta la historia de JANEY, una chavala a la que su pareja abandona después de dejarla embarazada, y cuando se supone que iban a casarse. Ella decide tener el bebé, fuera del matrimonio, a pesar de lo que algo así podría suponer en ciertos sitios hace años, ya que no cree haber hecho nada malo, aparte de haber confiado en alguien que no merecía su confianza (BOBBY, el desgraciado en cuestión, se entera de alguna forma de que ha sido padre, pero eso no le hace volver). A la vez, ella asume su responsabilidad en esto, mientras siente que su juventud se marcha. Abrumada por la situación, piensa en dejar a su bebé en el río, a merced de la corriente, tras saber lo que había hecho otra mujer antes. A pesar de que el resultado de algo así es fácil de adivinar, ella cree que quizás haya alguien que recoja al bebé y le de una vida mejor. Se supone que Janey es creyente y reza, en busca de una señal que no llega, por lo que va al río, se mete con el niño hasta la cintura y, al final, acaba arrepintiéndose. No se cuenta el motivo. Más tarde, cambia su anillo y vestido de boda por dinero.

Llevo escuchando esta canción exactamente desde que salió el disco, y jamás había prestado atención a la letra. Y tengo que reconocer que esta canción ha ganado mucho para mí desde que sé lo que sé ahora. La historia es brutal como pocas, pero difícil de concebir si sólo se presta atención a la música, ya que el dilema moral y solitario de Janey parece más propio de una canción tipo Nebraska. De algo mucho más íntimo. Este contraste se ve mucho más acentuado si tenemos en cuenta la muy potente versión en directo que apareció en el vídeo de la canción (lo adjunto aquí abajo), cuando el grupo giraba presentando Tunnel Of Love. Es más, Springsteen presenta y explica el tema, antes de empezar con él, para que la audiencia entienda de qué va, a pesar de que es una historia bastante rotunda y sin rodeos. Quizás por este motivo, las pocas veces que ha tocado esta canción, fuera de aquella gira, ha sido en dos giras acústicas posteriores, donde el tema parece cobrar más sentido.

Lo que leo como explicación al tema, relaciona a Janey con modelos de empoderamiento femenino, aunque sea de manera involuntaria. Una mujer valiente, sin duda, a quien su fe no sirve y acaba haciendo lo que hace por sí misma. Las partes sobrantes y los corazones rotos que hacen girar el mundo y a los que se refiere el estribillo, cobran sentido al saber que Janey se queda con lo importante (el bebé) y descarta los símbolos de lo que podría haber sido su vida (lo relacionado con la boda).

Spare parts and broken hearts keep the world turning around.






With Clemons during the tour




El principio de CAUTIOUS MAN también podría pasar por algo grabado para Nebraska (aunque con mejor sonido), debido al tono íntimo y a lo minimalista de la instrumentación. A mitad de tema esa sensación continúa, pero la entrada del sintetizador aleja un poco al tema de la imagen que tenemos del músico con una guitarra, solo en una habitación, y que tan bien evoca aquel disco de 1982. La letra es tan bonita como dramática, pues cuenta la historia de BILL HORTON, quien se supone que es alguien que va solo por la vida y sin ningún tipo de compromiso, muy cuidadoso con su propio proceder, que inesperadamente experimenta una segunda juventud (Indian summer) tras conocer a una chica más joven, y entregarse totalmente a ella. Él mismo se ríe y sorprende por ello, pero su antiguo yo, el habitual, va reapareciendo poco a poco. Hasta que un día se despierta tras una pesadilla y se encuentra a su mujer tumbada a su lado, durmiendo tranquila, y él se viste y se marcha, porque lo que le llama es la carretera y la soledad. Cuando llega a ésta, se da cuenta de que eso es lo único que hay y, supuestamente, vuelve con su mujer. Al menos de momento.

Tengo que reconocer que, en un principio, yo pensaba que Bill era un delincuente, y lo que había terminado haciendo era matar a su señora y huir, pero por lo visto no. No hay más que fijarse en la última parte del texto. Parece que este tema es bastante autobiográfico, según el propio artista. Springsteen ha reconocido su miedo a la vulnerabilidad que conlleva la vida en pareja (los tatuajes que se hace Bill en las manos, a lo ROBERT MITCHUM en THE NIGHT OF THE HUNTER, dirigida por CHARLES LAUGHTON y estrenada también en 1955, dicen Love y Fear), lo que en su día le llevaba a curarse en salud. Si estar con alguien puede llevarte a ciertas cosas que no deseas, lo mejor es no atarte a nadie.

Billy met a young girl in the early days of May.





Cuando empecé a escuchar este disco, pensaba que WALK LIKE A MAN era la misma canción que Cautious Man, como si ésta tuviese una segunda parte más animada, hasta que me di cuenta de que se trataba de otro tema que no tiene nada que ver con el anterior. Se vuelve a tratar la relación del cantante con su padre, pero ahora, el narrador es más mayor que en canciones previas (Independence Day, etc) y afronta el día de su propia boda. El protagonista se sorprende por la inesperada emoción de su padre, un tipo duro, durante la ceremonia, y ciertas cosas empieza a venirle a la memoria. Es ahora cuando se da cuenta de todas las cosas que veía de niño en su casa y no entendía, mientras repasa algunos de sus recuerdos y promete intentar andar (comportarse, supongo) como un hombre (en Springsteen On Broadway el cantante decía que para contar sus historias había elegido la voz de su padre, que era a la vez su héroe y su peor enemigo). 

Al fin y al cabo, nuestros padres también tienen su vida. Cuando empezamos a darnos cuenta de que no somos el ombligo del mundo y de que los demás también importan, nos sentimos culpables al llegar a la conclusión de que quizás, las personas que nos rodean no hayan podido conseguir lo que querían en su vida (I didn't know what to do when I saw your best steps stolen away from you). Y más si eso ha pasado por nuestra involuntaria culpa. Esto es algo que notamos del todo cuando somos nosotros quienes nos convertimos en padres y somos plenamente conscientes de los sacrificios que hicieron los nuestros por nosotros.

Gracias por todo.

La música repite el mismo esquema a encontrar en unas cuantas de las canciones del disco: una melodía de sintetizador, algo de percusión y un poco de guitarra, sobre todo acústica. Es como si Springsteen quisiese concentrarse más en la historia a contar y en que su manera de cantar se ajuste a la misma.

Weinberg, de nuevo, a la percusión.

Well, so much has happened to me that I don't understand.





Un cantante y compositor más discreto




No he puesto mucho interés en señalar qué canciones fueron lanzadas como singles en su día (ni mucho menos en qué países), o cuáles tuvieron un videoclip que las apoyase, ya que, a no ser de ejemplos muy destacados, no es algo que encuentre demasiado relevante. Al fin y al cabo, un disco como Born In The USA vio cómo más de la mitad de su repertorio era editado en ese formato, y aparte de ese álbum, el Jefe sacó hasta casi treinta singles durante esta época, con lo cual algo así se convirtió en una cosa rutinaria que no me merece más atención. TUNNEL OF LOVE, el tema título (que fue, además, el último en añadirse al álbum), es uno de esos casos en los que la canción conoció un lanzamiento en dicho formato y, además, tuvo su propio vídeo (rodado en Asbury Park y lleno de simbolismo, según los entendidos), pero la canción destaca más por ser una de las pocas del disco en salirse del habitual patrón tranquilo. No es que sea un tema rápido, ni mucho menos, y ni siquiera es Spare Parts, pero al menos puedes asegurar que no se trata de la típica canción lenta.

La letra equipara el matrimonio (teniendo en cuenta que el de Springsteen estaba llegando a su final cuando el disco se empezó a grabar, ya que es posible que él y Phillips se separasen en la primavera de 1987) a una atracción de feria (y al resto de la misma, usando metáforas relacionadas con otras atracciones), con todos sus vaivenes, como algo que parece simple y excitante al principio, pero que puede torcerse y acabar siendo cualquier cosa menos eso. Bruce ya había dejado claro, y unas cuantas veces, que dos eran mejor que uno, pero nunca dijo que estar con otra persona fuese fácil.

El principio del tema parece querer imitar el follón típico de esos sitios, hasta que todo se relaja y la canción empieza de verdad. El sintetizador domina (una vez más) el asunto, hasta que entra la batería y la canción cambia de marcha, con algo más de protagonismo de la guitarra. Este tema supone la carta de presentación en estudio de Nils Lofgren, quien se encarga de un solo más estridente de lo habitual, y más propio de alguien mucho más técnico a las seis cuerdas que Van Zandt o el propio Springsteen. Está muy bien el tramo, ya llegando al final, en el que la guitarra eléctrica replica la voz del cantante y las voces de apoyo (Scialfa, quien también se estrena aquí, vídeo incluido).

Además de Lofgren y Scialfa, participan Bittan al sintetizador y Weinberg a la percusión.

Springsteen tocó en el ESTADIO VICENTE CALDERÓN de Madrid el dos de Agosto de 1988, como parte de la promoción de Tunnel Of Love (TUNNEL OF LOVE EXPRESS TOUR), y cuando (al día siguiente, supongo) cubrieron el evento en el telediario de la noche, pusieron unas imágenes de Bruce abriendo el show con esta canción, ante una multitud gigantesca que se podía ver gracias a una toma aérea. También debieron decir cuánta gente había asistido al evento. Todas estas cosas las recuerdo más o menos, y he tenido que mirar la fecha exacta del concierto, pero nunca olvidaré a mi madre diciendo Ahí hay más gente que en toda Palencia entera.

Then the lights go out and it's just the three of us.






Cartel de la gira




TWO FACES es otra de esas canciones que yo aprecio bastante, a pesar de ser poco o nada conocidas para el gran público. La letra habla de la bipolaridad del narrador (una vez más, El Jefe hablando sobre sus luchas internas, tiempo antes de que éstas se hiciesen públicas), y de cómo su parte mala acaba haciendo daño a aquellas personas que más importan a la buena. Al menos, la parte buena reta a la mala, al final del tema, a que intente pasar por encima de ella. El tema da protagonismo a la guitarra acústica y los sintetizadores, y contiene un breve solo de guitarra eléctrica más otro de teclados, ya al final. El de teclado parece mucho más alegre que el de guitarra (más sombrío), y supongo que es para resaltar la nota positiva que acabo de destacar al final del tema.

Este tema está inspirado por la pasión de Springsteen por la música de un tal LOU CHRISTIE, quien además tuvo un éxito en 1963 que se llamó TWOS FACE HAVE I. Esa canción no tenía nada que ver con ésta (por suerte), pero hablaba de dos caras, una que ríe y otra que llora. algo que también recoge Two Faces.

Weinberg toca la batería y se supone que Federici el órgano, aunque parece que sin acreditar.

One that laughs, one that cries, one says hello, one says goodbye.





La foto de la portada. Todo mucho más sobrio




Una de las canciones más famosas de Tunnel Of Love (quizás la que más) es BRILLIANT DISGUISE, el primer single, que además trata el tema de su matrimonio (fallido) con Phillips de manera más obvia y directa si cabe (él negó en su día que fuese autobiográfica, eso sí, pero la pareja se separó poco después de salir el single), al hablar de una pareja y de las dudas del narrador acerca de la verdadera naturaleza de la persona con la que se va a casar (podemos conocer a alguien más allá de lo que esa persona en concreto quiere que se sepa de ella?). Y de la suya propia, pues es alguien lleno de inseguridades (Well I've tried so hard baby, but I just can't see, what a woman like you is doing with me) y eso lo frustra. El protagonista quiere saber si es ella en quien no confía (ciertas líneas parecen indicar eso), o si en realidad es él quien no confía en sí mismo, lo que lleva a que se haya asociado este tema con el anterior, ya que esta confesión podría ser propia de la cara mala de Two Faces (So when you look at me, you better look hard and look twice, is that me, baby, or just a brilliant disguise?).

La canción acaba con la famosa reflexión en la que Springsteen se apiada de aquel que duda hasta de aquello de lo que está seguro, lo cual puede interpretarse de unas cuantas formas distintas, supongo que dependiendo de la época y de lo conocido por cada cual en su respectivo matrimonio o pareja. Como Springsteen dijo, sé lo suficiente sobre mí como para ser sincero con otra persona? Todo cambia según el momento en cuestión.

Se trata de la primera vez que escuché algo nuevo de Springsteen de manera consciente, al ser el primer tema que se escuchó de Tunnel Of Love (primer disco del cantante en salir al mercado después de que yo lo hubiese conocido gracias a Born In The USA). Es un tema bastante ligero, muy en la línea de la mayoría de canciones del disco, que destaca mayormente por algunas partes vocales bastante inspiradas, como la del estribillo. Al igual que en Tougher Than The Rest, la melodía del sintetizador es una de las características más llamativas del conjunto. Como curiosidad, en el vídeo de la canción (dirigido por MEIRT AVIS, quien también se encargó del de Tunnel Of Love), Bruce cantó en directo sobre el tema original, apareciendo él solo con su guitarra en una cocina, y mientras la cámara se va acercando hasta quedar él en un pensativo y muy corto primer plano, una vez que la letra ha terminado. Como queriendo decir algo, pero sin hacerlo.

Participan Roy Bittan al piano, junto a los más habituales Federici y Max Weinberg.

I wanna read your mind to know just what I've got in this new thing I've found.






Aún con la E Street Band




ONE STEP UP es otra mirada, bastante honesta, al tema de las relaciones de pareja que se estropean y cómo las personas en ellas se sienten atrapadas, así que supongo que, de nuevo, hay algo de autobiográfico en este tema. Es una canción íntima y melancólica en la que el cantante usa varias metáforas que hacen referencia a una relación que no funciona, ya que ambas partes parecen empeñadas en no aprender de sus errores pasados y boicotear lo bueno que tienen. El protagonista no evita su responsabilidad y admite no ser el hombre que le gustaría ser. Quien quería ser. Al final del tema, el protagonista conoce a otra persona en un bar, con quien se supone que intenta volver a sentir lo que una vez tuvo con su pareja (la letra no deja claro del todo si la relación ya ha terminado o si está cerca de ello, ya que el narrador está solo, duerme en un motel, etc), y es justo aquí cuando aparece la voz de Scialfa, único apoyo musical externo en esta canción, quien poco después se convertiría en la mujer del cantante. Es esto algo meditado?

Este tema, como excepción, se grabó en A&M Studios, y como ocurrencia poco frecuente en el disco, se pueden escuchar unas mínimas partes de guitarra solista aquí y allá.

We're the same sad story, that's a fact, one step up and two steps back.





El principio de WHEN YOU'RE ALONE puede hacer pensar al oyente que el final del disco va a abandonar la melancolía (en cuanto a la música) de buena parte del mismo, y si bien este tema es algo más animado en ese sentido, no hace más que dejarte con la misma sensación de pérdida, algo que creo que es más que intencionado. El narrador (JOHNNY) cuenta cómo su pareja lo abandono, una vez que las cosas entre ambos empezaron a ir mal, y cómo al intentar volver con él, él la rechaza. Él ha experimentado lo suficiente como para saber que la buena apariencia y la juventud no duran mucho, y que cuando se acaban lo que cuenta es estar con alguien que haga que todo sea más fácil. Ella ha estado siendo negligente con esos aspectos en el tiempo intermedio, y al volver él le dice que ya no está interesado. La soledad es difícil de gestionar en según qué casos, y esto es algo en lo que el estribillo pone bastante énfasis (When you're alone, you're alone. You ain't nothing but alone). Y se puede notar y destacar cierto resentimiento en Johnny, a través de una frase tan brutalmente sincera como la última de la canción: Nobody knows where love goes, but when it goes, it's gone.

La música sigue el patrón habitual del disco, con percusión mínima, un sintetizador que se queda en la memoria y la guitarra, mayormente acústica. Pero esta vez también hay un estribillo muy logrado, potenciado en el último tramo por los coros de algunos de los miembros de la E Street Band (única aparición de Clemons, Lofgren y Scialfa). Weinberg toca la batería aquí. Gran tema.

You said my act was funny, but we both knew what was missing, honey





Calma tras la tormenta




La final VALENTINE'S DAY retoma el ritmo más habitual de Tunnel Of Love, con la guitarra acústica y bastante protagonismo del propio Springsteen al bajo. El omnipresente sintetizador añade una nueva melodía más al final, bastante bonita, pero el conjunto es, otra vez, completamente melancólico. Sin embargo, la letra no me parece triste, ya que el protagonista, lleno de adrenalina debido al nacimiento del hijo de su amigo, está como loco por volver a su casa, dando a entender que le da pánico la idea de quedarse solo. Pero no desde la perspectiva de alguien cuyos errores lo han llevado a esa situación, si no desde la de alguien que tiene a otra persona y verdaderamente valora su suerte y su relación. La de alguien que siente por su pareja lo que el amigo siente por su recién nacido.

He leído que una de las frases que Springsteen pronuncia al final (It wasn't the bitterness of a dream that didn't come true) podría ser un guiño a sus fans, al ser una referencia a The River y a la famosa línea Is a dream a lie if it don't come true? El contraste entre ambas da a entender que, al menos de momento, el sueño del protagonista de Valentine's Day sí se está cumpliendo.

So hold me close honey, say you're forever mine.





Estos dos últimos temas están entre los menos interpretados en directo en toda la carrera del Jefe.



Con Patty Scialfa, su actual mujer




El divorcio de Springsteen con Phillips acabaría materializándose en 1989, pero antes de eso, aún en 1988, él y Scialfa empezaron a salir (oficialmente, me refiero, ya que lo más seguro es que hubiesen iniciado algo ya en 1986). Se casaron en 1991 (ocho de Junio), poco después de haber tenido su primer hijo (EVAN) el año anterior. A día de hoy viven en Colts Neck, tienen tres hijos e incluso una nieta (nacida en 2022 del tercer hijo de la pareja, SAMUEL). La única hija que tienen (nacida entre ambos chicos) es JESSICA SPRINGSTEEN, una amazona que llegó a conseguir una medalla de plata en salto por equipos en los Juegos Olímpicos de Tokyo, celebrados en 2021. Hay que señalar que su padre, además de ser quien es y de todo lo que ha conseguido, llegó a ganar un Oscar en 1994 a la mejor canción original, gracias a su tema STREETS OF PHILADELPHIA, incluido en la banda sonora de la película PHILADELPHIA (1993), dirigida por JONATHAN DEMME. Supongo que el éxito llama al éxito.





Fin de la sexta parte





ENGLISH



WHEN BRUCE SPRINGSTEEN BECAME THE BOSS (1974 - 1988) / TUNNEL OF LOVE


TUNNEL OF LOVE, Springsteen's eight studio album and the one to bring this era of his to an end, hit the shelves on the ninth of October 1987 (through Columbia one more time). It was produced by Landau, Plotkin and Springsteen. As I said, Born In The USA and its tour became a turning point for Bruce; a lot happened between the album's release and the end of the tour, and not everything was good. Success had come to stay, no doubt, but it did not translate into a completely pleasant personal life for the artist and, concerning the music, I think he was the first one to notice that everything has gotten a little bit out of control. Something had to change and it did.

His marriage was going down the toilet, to begin with (Julianne Phillips filed for divorce in August 1988, citing irreconcilable differences). As expected, Bruce spent too much time away from home, and the fact that she was eleven years his junior did not help finding a bigger affinity between them either. I have no idea about it, and I'm not very much interested to know, but Scialfa probably played an involuntary role in this process (or maybe it wasn't that involuntary, because by the time this record was released, a then married Springsteen could have started dating Scialfa already), given that I have read that there were rumours about the two of them ending up as a couple even before Bruce first met Phillips. In any case, neither party has said anything about the divorce in the following years, something that is to the credit of both, but mostly hers, for she could have surely won tons of money venting the marriage's dirty linen (if there was any) or any kind of story about someone as popular as her ex, and she didn't. Springsteen was someone much more famous than she was, and he admitted in Born To Run, his autobiography from a few years back, having managed in a very poor way everything related to his first marriage, as if acknowledging a guilt which shouldn't be shared with Phillips, about whom he only has good things to say.



As a consequence of all this, Tunnel Of Love became another intimate and personal album, but unlike Nebraska, it did not deal with the singer's so far usual themes, like the difficulties of the working class, its frustration and everything regarding a specific portion of America's society, but with stuff that had been secondary in his career up to that point, like relationships and the marital problems Bruce was going through back then. And instead of showcasing the accustomed rock songs, we do find a set of mostly slow numbers.



More changes. All of Springsteen's previous studio albums had displayed his name, and not his band's, on the front cover, just like this one does, but those records were understood as joint affairs (barring Nebraska, of course), for the E Street Band backed Bruce as his own band, both in the studio and on stage. But this time, even if there were no significant changes in this department during the tour, this record is considered as a solo effort (by Springsteen himself, to begin with), for Bruce recorded almost everything on his own (sometimes helped by a drum machine) at his home studio (THRILL HILL EAST, in Rumson, New Jersey), and the contributions by the rest of musicians were just sporadic (there is no single sax solo on the record, for example). Bruce disbanded (temporarily, of course, for both sides were bound to get together some day, although I do not know what the original idea about this was) his band in 1989, but there did not seem to be a negative atmosphere among all the band members. I guess it was just the willingness to do something new and work with different people, besides the musicians own projects. Bruce counted on some of them on subsequent albums though; he also took part on some of their solo records too, and they all reunited, first as a one-off (in 1995, on the occasion of Bruce's first ever greatest hits compilation), and then for good (around 1999). The recording of Tunnel Of Love also took place at A&M studios, in LA, and at The Hit Factory (New York).

This album did well, commercially speaking (nothing like Born In The USA's unstoppable success, of course), and it was mostly well received by the critic, which talked about another brave and introspective record, with Springsteen's saddest songs to date. Somebody said it was something which needed to be listened to after a few years of life as a couple, in order to become more familiar with the album's themes. This is about couples that, after some time together, end up with their components being trapped in the dark of that night that most of The River's second half seems to be. I guess that those who said something of the sort meant tracks like Point Blank, Fade Away or Stolen Car, but had Springsteen something similar in mind, I must admit that the way he splits hairs for his albums to feed back into one another, and his usual themes to be linked, is masterful. If that wasn't his intention, what I have to deem brilliant is the knowledge and imagination of some critics.

As for the songs that did not make the cut, the surplus of them was nowhere as enormous as with the previous record, but there were some, and I will talk about them later on. One titled WALKING THROUGH MIDNIGHT is the only one to still remain unreleased. And already in 1988 (the first of August), a live Ep named CHIMES OF FREEDOM was released, in support of a pro-human rights tour that got several artists together and which was assembled by AMNESTY INTERNATIONAL.



The tour to suppert Tunnel Of Love (which featured the help of The Miami Horns very often), which happened right before the aforementioned charity one, was much shorter than his tours used to be, but included a historic date in East Berlin, on the 19th of July, 1988, in which Bruce and his band played for an estimated one hundred sixty thousand people (a record for him back then), although it was later said that the attendance could have been even bigger. This show was organized by the socialist youth of the then GDR (said organization went into bankruptcy after being unable to face the final expenses) to make young people of that side of the wall happy, during a really turbulent time, and it was heralded as the arrival of a working class hero from America who fought against social injustices across the pond. This is quite funny, for Bruce himself, many years later and during a remarkable and honest fit of sincerity, admitted (among some other things) on the already mentioned Springsteen On Broadway album (or at least in the Netflix documentary after which the album was released) that he had spent his entire life singing about the working class without having set foot inside a factory or ever worked an eight hour shift.



That show was taken to a velodrome named RADRENNBAHN WEISSENSEE, quite removed from the Berlin Wall, because the security forces from the eastern side had already had problem trying to prevent their own youngsters from listening to any music coming from previous important concerts taking place on the western side (???). Springsteen, trying his best with his own deutch from New Jersey, explained the crowd that he wasn't there to protest against neither of the two sides, but to play rock music for the people from East Berlin, hoping for the barriers to fall some day. The socialist authorities took advantage of a slight delay during the live broadcast to cut those words, but it wouldn't take long before the Berlin Wall fell (9th of November, 1989), and journos and historians agree on the impact that event had on next year's events. They said that, after the show, it was noticeable the mood for change of a population which had begun to realize how locked up it was.




Opener AIN'T GOT YOU (not a cover, but a tribute to a 1955 song of the same name performed by a bluesman named BILLY BOY ARNOLD), stands out for departing from the melancholic and introspective overall feel of the album, although is not your run of the mill rock song either. But one thing's certain: given the above explained marital problems, and Bruce's perhaps already started relationship with Scialfa, she (and not Phillips) was likely to be the one Bruce had in mind when he wrote this song. It tells about a millionaire who has it all, and then some, personal attentions included, but admits he doesn't care about it and neither does it fill him, for the only thing he wishes is that one he can't have. I've read that the line I made a deal with the devil could relate not to a life of success at the expense of personal satisfactiono, but it would just be a nod to a marriage, a failing one, which takes place right before the protagonist (Bruce) finds who he really is looking for (I'm still the biggest fool).

This is a very short acoustic track with minimal instrumentation in which Bruce sings with no music behind him for almost half a minute. It borrows from Nebraska, concerning its simplicity, but the mood is more joyful. I guess this song usually goes unnoticed in any kind of conversation about Bruce Springsteen's music, and I don't think it has been usually played live, apart from this tour (paired with She's The One, I believe), but I like it a lot. Being this short and light-hearted, its inclusion as the first track may look strange, but it is commonly said that, after the previous album's raging success, Springsteen wished to lower the expectations of the fans concerning something similar. Opening with Ain't Got You he wanted to make clear that this was going to be different.

I got a house full of Rembrandt and priceless art.





TOUGHER THAN THE REST is a slow number which finally settles the overall mood of Tunnel Of Love, and it does using a simple but powerful drum pattern, and a synth riff that happens to be the most recognizable trait of the song. There are also good solos on guitar and harmonica. This seem like a conversation between two people who have been through it all, and the narrator makes clear that he is ready for another chance at love, as long as the other person is to (Well, there's another dance, all you have to do is say yes). Great song, no doubt, but nothing to do with the glorious live version which I link below and appeared on the live Ep Chimes Of Freedom. The video is very good as well, and the song is longer, with a verse which is played twice, and emphasis on those two solos and Scialfa's backing vocals. Her understanding with Springsteen is obvious, regardless of what could be going on between the two of them back then. The video also shows many couples who are supposed to attend Bruce's show, and some of them are gay, something that wasn't that usual almost forty years ago. Showing them like that, I mean, not the fact that there were gay couples, of course.

A special track, and one of Bruce's most beloved songs in Europe. It's always been really liked within my family, and I remember my mum saying how much she loved it, even if she did not know its title or what it was all about.

Max Weinberg and Danni Federici play here, handling the percussion and the Hammond organ, respectively.

Well it ain't no secret, I've been around a time or two.   






It is said that the also very short (not much longer than the first song) ALL THAT HEAVEN WILL ALLOW, not only borrows its title from the DOUGLAS SIRK film (from 1955, and once again with JANE WYMAN and ROCK HUDSON), but also much more than just that, even if the song appears to be a light and even optimistic one. On the film, Hudson's character works the garden of a wealthy widow and they both fall in love, but their different social statuses and some outside pressure get in their way. Needless to say, I did not know about this until I did some reading about the song, but I have to say that this time I do not quite get the comparison, despite some similarities. I don't remember having seen the movie, but judging by what I've read about it, I think it's much more dramatic than this track. But who knows? If both things share their name and this is what the scholars say, who am I to deny it? I don't know if Springsteen has ever commented on it. In the song, the humble protagonist only owns what he can make of his work, and he knows that what he's got ahead of him (a relationship) will be tough. But he is not worried. As long as there is someone who loves him, he's just fine.

In any case, Bruce's change in this regard is remarkable, for everything looks more private than on the previous record. The average protagonist of this set of songs goes from the usual fight and endurance of many earlier songs, to a longing for a quiet, shared life. The bass is quite loud here, and the different guitar lines stand their ground before the usually predominant synth, which is less present here.

Weinberg on drums.

I can't be late, I got a date, with all that heaven will allow.





SPARE PARTS is the hardest rocking song off the album, and one of the few to escape its melancholy. It's not bad, and I'm sure it had to be a fine moment when played live back in the day (it's one of the record's most live played numbers), given its nature, but it never was very appealing to me beyond that. Until now, and I'll elaborate further in a moment. This is the track with the biggest amount of musicians, other than Bruce, taking part in (although its skeleton was another acoustic song by Springsteen, to which the contribution of those musicians were added separately), which meant having Garry Tallent on bass (his only one time on this album), Federici and Weinberg, besides the harmonica of some JAMES WOOD.

This is JANEY's story; she's a young lady who is dumped by her partner once she gets pregnant, and when they were both supposed to marry. She chooses to go on with the pregnancy, despite what becoming a single mother could entail for her, because she doesn't think she has done anything wrong, other than trusting the wrong person (BOBBY, the scumbag in question, gets the news that he has become a parent, but that doesn't make him come back). She assumes her responsibility, but she also feels like her youth is deserting her. Overwhelmed by the situation, she thinks about abandoning her baby in the river, at the current's mercy, after learning about what another woman had already done before her. Although the outcome of her hypothetical action is easy to guess, she prefers to believe that perhaps someone will find the baby before the inevitable and they will give said baby a better life than she can. Janey is supposed to be faithful and she prays, looking for a sign that doesn't come, so she goes to the river with the baby and gets in waist-deep, until she regrets the whole thing. We are not told why. Later on, she exchanges her ring and her wedding dress for money.

I've been listening to this song since te record came out, and I had never paid attention to its lyrics. I have to admit it has grown on me now that I know what I know. The story is brutal as few others, but difficult to notice if only the music is taken into account, for Janey's ethical and lonely dilemma feels more at home on an album like Nebraska. It feels that intimate. This contrast between the lively music and the dramatic text is even bigger if we consider the song's powerful live version which appeared in Spare Parts' video (link to it below), performed while the band was touring to support the record. In fact, Springsteen instroduces and explains the story before playing the song, for the audiende to fully understand it, despite of it being a quite in your face one. Perhaps that's the reason why the few times he has played this song outside that tour, have taken place in two later acoustic tours, in a format more suitable for a story like this.

What I have read as an explanation links Janey to models of female empowerment, although in an involuntary fashion. This is surely a brave woman we are talking about, for whom her faith does not serve its purpose, so she ends up doing what she does on her own. The spare parts and the broken hearts that keep the world turning around, as the refrain says, gain meaning when we know that Janey sticks to what is important (her child) and dismisses the symbols of what her life could have become (the wedding stuff).

Spare parts and broken hearts keep the world turning around.






The beginning of CAUTIOUS MAN also shares some resemblance with the songs on Nebraska (with a better sound, though), given its mood and minimalist arrangement. Halfway through the song you still have that sensation, but the synth distances this track a little bit from the picture we have of the musician alone with his guitar in a room, that the album from 1982 so well evokes. The lyrics are as beautiful as they are dramatic, telling the story of BILL HORTON, who is supposed to be a loner who lives his life with no commitment to anyone but himself, and is always very careful with his proceedings. But he experiences a second youth (Indian summer) when he meets a younger girl out of the blue, to whom he devotes himself wholeheartedly. He is surprised by this turn of events and laughs about it, but his former self, the usual one, resurfaces little by little. Until one day, when after waking up from a nightmare and finding his wife sleeping calmly by his side, he gets dressed and leaves, because he is more attracted to loneliness and the road. When he realizes how lonely his life is, he returns to his wife. At least for the moment.

I have to admit that I thought at first that Bill was a crook, and what he had done was killing the girl and run away, but that's not how the story goes, aparently. You just have to focus on the last part of the text. This song is quite autobiographical, according to Bruce himself. He has admitted his fear of the vulnerability that life as a couple entails (Bill's tattoos on his knuckles, a la ROBERT MITCHUM in THE NIGHT OF THE HUNTER, directed by CHARLES LAUGHTON and also premiered in 1955, say Love and Fear), and back in the day that fear led him to play his love life safe. If being with someone can make you experience things you don't like, the best thing to do is just remaining on your own.

Billy met a young girl in the early days of May.





When I began listening to Tunnel Of Love, I believed that WALK LIKE A MAN was still Cautious Man (the same song, I mean), as if it was its second and livelier half, until I realized that it was another completely different song. This track goes back to Bruce's relationship with his dad, but the narrator is older now than in previous songs (Independence Day, etc), and finds himself on his own wedding day. He is taken aback by his dad's, a tough guy, unexpected emotion during the ceremony, and he begins to remember. It is now when he realizes all those things he experienced at home as a kid and he did not understand, while going through some of his memories, and he promises to try walk (behave himself, I guess) like a man (on Springsteen On broadway he said that, in order to tell his stories, he had chosen the voice of his father, who was both his hero and his foe). 

After all, our parents have a life of their own too. When we begin to realize that life does not circle solely around us, and other people's feelings and lives also matter, we feel guilty when the certainty of those people around us maybe not being capable of fulfilling their dreams dawns on us (I didn't know what to do when I saw your best steps stolen away from you). And even more so if we are the involuntary  reason behind that. This is something we fully notice when we become parents ourselves and we are aware of all the sacrifices our parents had to endure because of us.

Thanks a million.

The music here repeats the same pattern to be found in some of the songs on Tunnel Of Love: a synth line, some percussion and some guitar, mostly acoustic. It feels like Springsteen is mainly trying to focus on the story to be told, and on his way of telling it being the most suitable one for the song.

Weinberg on percussion, once again.

Well, so much has happened to me that I don't understand.





I haven't paid too much attention to pointing out which songs were released as singles (let alone in which countries), or which ones had a videoclip shot for them, unless they were really relevant examples, because I just don't think it is that important. In the end, an album like Born In The USA spawned more singles than half its setlist and, apart from that record, Springsteen released more than thirty during these years I am revisiting, so releasing one became a routine which doesn't deserve more time. TUNNEL OF LOVE, the title track (and also the last one to make the final cut), is one of those cases in which the song was released as a single and had a video of its own (shot in Asbury Park and packed with symbolism, according to those who know about it), but this song is remarkable for being one of the few on this album to leave its usual quiet pattern behind. Not a fast song either, mind you, and not even Spare Parts, but at least you can tell this is not the record's average slow number.

The lyrics liken marriage (Bruce's was reaching its end when the album began to be recorded, for it is probable that Phillips and him separated during the spring of 1987) to an amusement ride or a fun house (and to all the things one can find in a fun fair, for he uses metaphors related to several other attractions), with all its ups and downs, as something that looks simple and exciting at first, but that can also get screwed up and end up being anything but that. Bruce had already made clear a few times that two were better than one, but he never said that being with someone was a cakewalk.

The beginning seems to replicate the usual mess of a fair, but everything calms down and the song actually begins. The synth rules one more time, until the drums join and the music gears up, with more protagonism given to the guitars. This song was Nils Lofgren's presentation card in the studio, and he took over a guitar solo which sounded much noisier than usual and was more typical of someone more proficient as a six-stringer than Van Zandt or Springsteen himself. I love the final section, during which the electric guitar replicates Bruce and Scialfa's (who also debuts here, videoclip included) vocals.

Besides Lofgren and Scialfa's involvement, Bittan plays the synth and Weinberg is on drums.

Springsteen played at ESTADIO VICENTE CALDERÓN in Madrid on the second of August 1988, during Tunnel Of Love's supporting tour (TUNNEL OF LOVE EXPRESS TOUR), and when the event was covered (the next day, I guess) by the evening news on television, some aerial images of Bruce opening the show with this song, before an enormous crowd, were shown. They also talked about that show's attendancy, if I'm not mistaken. I remember all these things like in a blur, and I had to check the exact date of that concert, but I will never forget my mum saying There are more people in there than Palencia's entire population.

Then the lights go out and it's just the three of us.






TWO FACES is another one of those songs I'm very fond of, even if they remain pretty much unknown for the public at large. The lyrics are about the bipolarity of the protagonist (once again, this is Bruce Springsteen singing about his own inner struggles long before they went public), and how the evil side ends up doing harm to those the good one care about. At least the good side defies the evil one to go over it, at the end of the song. This song gives the protagonism to acoustic guitar and keyboards, and features a short electric guitar solo and a late keyboard. The latter sound happier than the former, I guess because that positive I just mentioned needs to be highlighted.

This track is inspired by Bruce's passion for the music of a guy named LOU CHRISTIE, who also had a hit in 1963 with the name of TWO FACES HAVE I. Luckily enough, Christie's song had nothing to do with Springsteen's, but it talked about two faces, one that laughs and one that cries, just like this song does.

Weinberg plays the drums, and Federici is supposed to play the organ, although there is no credit about it.

One that laughs, one that cries, one says hello, one says goodbye.





One of  Tunnel Of Love's most famous song (if not the best known one) is BRILLIANT DISGUISE, its first single, which happens to deal with Bruce's failed marriage with Phillips in a more blatant manner (he denied, back then, this track to be about him and his ex, but the truth is that the couple separated soon after the single was released), for it is about a couple and the narrator's doubts about the true nature of the woman he is about to marry (can we get to know someone beyond what that person wants us to know?). And about his own, because he is someone filled with insecurities (Well I've tried so hard baby, but I just can't see, what a woman like you is doing with me) and that frustrates him. He wants to know whether it is her he doesn't trust (some lines might hint at that), or just himself, something which led this song to be linked to the previous one, because this confession could be typical of the evil side shown in Two Faces (So when you look at me, you better look hard and look twice, is that me, baby, or just a brilliant disguise?).

This song's ends with Springsteen's famous reflection about God having mercy on the man who doubts even what he is sure of, which can be understood in several different ways, depending on the time and everyone's experiences in their own marriage or relationship, I guess. As he said, do I know enough about me to be honest with someone else? It all changes depending on the moment.

This track marks the first time I listened to new stuff from Bruce Springsteen while being aware of it, because it was the first song to get airplay off the first album he released after I had gotten to know him thanks to Born In The USA. It's a light track following the same vein most of the rest of the songs do, and it features some standout vocal parts by Bruce, like the refrain's. Just like in Tougher Than The Rest, the synth melody is one of the most recognizable traits in the song. As trivia fact, the song's video (directed by MEIRT AVIS, who shot Tunnel Of Love's as well) showed Bruce singing live with his guitar over the original track, alone in some kitchen, while the camera gets closer and closer to him until what we see is a very pensive close-up of the singer, once the text is over. As if he wanted to say something, but without doing so.

Roy Bittan plays the piano, together with the usual suspects Federici and Max Weinberg.

I wanna read your mind to know just what I've got in this new thing I've found.






ONE STEP UP is another sincere look at the subject of gone awry couples, and how people feel trapped in them, so I guess this is also autobiographical. This is an intimate and sad tune in which the singer uses several metaphors to reference a relationship which is not working, because both parties seem to be bent on not learning from previous mistakes and boycotting the good things they share. The narrator is not shy when voicing his own responsibility, and he admits to not being the man he'd like to be. Who he wanted to be. At the end of the song, he meets someone in a bar, and he tries to feel again what he once had with his current partner (it is not clear whether his relationship is already over, or about to be though, for he is alone, sleeps in a motel, etc), and that's when Scialfa's voice shows up, being the only external musical support for Bruce in this track. The two of them would get married soon after. Was this deliberate?

One Step Up was recorded, exceptionally, at A&M Studios, and as an unsual feature on this album, some solo guitar touches can be listened here and there.

We're the same sad story, that's a fact, one step up and two steps back.





WHEN YOU'RE ALONE's beginning may make the listener think that Tunnel Of Love's final stretch  might wish to get rid of the album's usual melancholy, and while it's true that this song is a tad livelier in this regard, it only leaves you with the same sense of loss, something that I think is just intentional. The narrator (JOHNNY) explains how his partner left him, once their relationship began to go south, but when she tried to go back to him, he rejected her. He has matured enough to learn that youth and good looks do not last, and when they are gone, being with someone who makes your life more bearable is what matters. In the meantime, she has neglected all those little things, and when she goes back to Johnny he tells her he is not interested anymore. Loneliness is hard to handle in many cases, and that is something the refrain focuses on (When you're alone, you're alone. You ain't nothing but alone). And you can tell there is some bitterness on Johnny's side going on, thanks to a brutally honest line as the very last one is: Nobody knows where love goes, but when it goes, it's gone.

The music listens like more of the same, with minimal percussion, an easy to remember synth line and the guitar, mostly acoustic. But there's also that very accomplished refrain, boosted at the end by several members of the E Street Band (Clemons sole contribution, Lofgren and Scialfa). Weinberg on drums once again. Beautiful song.

You said my act was funny, but we both knew what was missing, honey.





The last song, VALENTINE'S DAY, resumes the album's more usual pace, with the protagonism of Springsteen on both acoustic and bass guitar. The omnipresent synth adds a different and beautiful melody at the end, but the overall outcome is once again completely melancholic. However, the lyrics do not look sad to me, because an adrenaline-fueled protagonist (after the birth of his friend's son), is dying to be back home, implying that he's panicking at the prospect of being alone. But not from the point of view of someone whose mistakes have led him to a difficult situation, but from that of those who truly value their luck and their bond with someone. The standpoint of someone who feels for their partner what the narrator's friend feels for his newborn son.

I've read that one of the lines that Bruce sings at the end of the song (It wasn't the bitterness of a dream that didn't come true) could be a nod to his fanbase, referencing The River and its famous Is a dream a lie if it don't come true? The difference between both lines implies that the dream of the protagonist in Valentine's Day is coming true, at least for the time being.

So hold me close honey, say you're forever mine.





These last two tracks are among the least-played live songs in the entirety of Springsteen's career.




Springsteen's divorce with Phillips became a reality in 1989, but still in 1988, Scialfa and him began dating (on the record, I mean, for they had probably been seeing each other since 1986). They got married in 1991 (eighth of June), soon after she birthed the couple's first born (EVAN) the previous year. As of today, they live in Colts Neck, have three children and even a granddaughter (born in 2022 as the daughter of their third kid, SAMUEL). Their only daughter (born between both boys) is JESSICA SPRINGSTEEN, a horsewoman who won a silver medal in team jumping at the Tokyo Olympics of 2021. It needs to be said that her dad, besides being who he is and all his accomplishments, won an Academy Award for the best original song in 1994, thanks to STREETS OF PHILADELPHIA, included on the soundtrack of the film PHILADELPHIA (1993), by JONATHAN DEMME. I guess that success breeds success.





End of the sixth chapter





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