Ceremony - 1991 / THE CULT

Este pasado verano iba yo andando, contento por haber llegado al final de la semana y tener algo de tiempo libre para mí solo, cuando teniendo en mente la caminata que tenía por delante para llevar a cabo mis planes, decidí escuchar por enésima vez este disco, sabiendo que nunca falla, y fue entonces cuando pensé que sería buena idea hablar de él por aquí.









Este disco no sólo es mi preferido de THE CULT, sino que es uno de los discos de rock duro o heavy metal más antiguos de mi propia historia, ya que cuando salió yo estaba empezando a poner interés en este tema. Es una pena que no esté excesivamente considerado dentro de la discografía de sus primeros años (ahora mismo no recuerdo haber leído a ningún crítico considerándolo como su preferido, más bien al revés), aunque esto, la verdad, es que me da igual. Pero sobre todo es triste pensar que por esta época la relación entre sus dos principales protagonistas fuese casi inexistente, y que esto, unido a la llegada de nuevas tendencias musicales y a la considerable caída de las ventas, supusiese el inicio de la decadencia que llevaría al grupo a editar un disco horrible (su disco de 1994, titulado igual que el grupo y que fue un completo cambio de onda, con The Cult intentando subirse al carro de las modas de la época, con nulo resultado en lo que a mí respecta) y a la primera disolución de la banda.

Ceremony fue editado en 1991 (el 23 de Septiembre) y más o menos por aquella época, quizás al año siguiente, empecé a escucharlo, gracias una vez más a mi amigo IGNACIO VARELA, que me prestó su cinta original. Todo debido al interés por las canciones que entonces se podían escuchar en la radio, programas de TV y poco más. Y es que el primer single de aquel disco, WILD HEARTED SON, y la impactante imagen de los músicos en el correspondiente videoclip, unido todo esto a la imaginería nativa norteamericana, eran cosas demasiado acojonantes para ser obviadas por parte de un chaval en busca de emociones fuertes y que por 1992, como ya he dicho, empezaba a tener todas las luces encendidas con todo esto.



Pero como siempre, un poco de historia, para ponernos en antecedentes.


The Cult, como tales, empezaron su andadura en 1984, pero sus orígenes se remontan a 1981, con la banda conocida como SOUTHERN DEATH CULT, procedente de la zona de Bradford, en Yorkshire (Inglaterra), en la que ya militaba un joven cantante llamado IAN ASTBURY. Dicha banda mezclaba el punk más tardío con lo gótico, grabó un single y giró por Inglaterra hasta su disolución, en febrero de 1983. Un par de meses después, Astbury se uniría al que terminaría siendo el otro miembro histórico de The Cult, el guitarrista BILLY DUFFY, formando DEATH CULT (junto al bajista JAMIE STEWART, que formaría parte de The Cult, y un batería que sería pronto sustituido por NIGEL PRESTON, que también estaría un tiempo en el grupo definitivo). Death Cult editaron un EP (canciones como MOYA o GOD'S ZOO, de este grupo y del anterior respectivamente, formarían parte, poco después, del repertorio de los primeros The Cult) y su ámbito de actuación, en lo que a conciertos se refiere, fue algo más amplio que el de Southern Death Cult, ya que también giraron por la Europa continental.

Ya en 1984, con estos cuatro miembros y, por lo visto, con la intención de rebajar el tono gótico de su nombre y hacerlo más fácilmente recordable, Death Cult pasaron a ser The Cult. En la misma línea musical ya nombrada, el grupo debutaría con DREAMTIME (1984), y hay que señalar que el estilo del grupo por esta época, aunque reconocible (pocos cantantes hay tan particulares como Astbury), estaba aún lejos de lo que sería unos pocos años después, cuando el grupo se metió de lleno en el mundo del rock duro más tradicional.

Dreamtime salió sólo en el Reino Unido, en un principio, pero acabó teniendo éxito y vio la luz también en el mercado internacional, así que antes de editar su segundo disco, LOVE (1985), The Cult lanzarían la famosísima (también incluida en dicho segundo disco) SHE SELLS SANCTUARY como single y se desharían de un poco fiable Preston, quién, tras la breve estancia de otro batería, sería sustituido por LES WARNER en Septiembre. El estilo musical y la pinta del grupo, sin ser aún lo que acabarían siendo, estaban cambiando hacia algo más asimilable a lo que fueron los inicios del rock duro, con cierta psicodelia y algo de ese aura gótico. Love acabaría siendo un gran éxito y The Cult volvieron a Inglaterra para grabar el que sería su siguiente disco, llamado PEACE.



The Cult, por la época de Love.
De izquierda a derecha:
Duffy, Warner (arriba), Astbury
y Stewart




Parece ser que las canciones de ese disco, grabadas de nuevo con STEVE BROWN a los mandos (que ya había producido Love), no dejaron para nada contentos a los miembros del grupo, y por eso Brown fue reemplazado por el afamado RICK RUBIN (gurú de DEF JAM), un tipo que lo mismo produce música hip hop como se pone tras los controles de algo tan grandioso y opuesto como el REIGN IN BLOOD de SLAYER, justo de esta misma época. Rubin aceptó trabajar con ellos si regrababan una canción, LOVE REMOVAL MACHINE, que iba a ser el primer single (algo que haría al grupo viajar a Nueva York), pero al final lo que hicieron fue regrabar el disco entero, algo a lo que la compañía, BEGGARS BANQUET, un poco quemada ya con el retraso y la cantidad de presupuesto tirado, accedió tras escuchar el resultado de esa primera canción regrabada. Así, en 1987, salió el tercer disco de The Cult, el maravilloso ELECTRIC (lo de Peace quedó olvidado, al menos de momento, ya que algunas de esas canciones aparecieron como caras B de los singles de Electric y el propio disco sería editado como tal en el año 2000), y el grupo completó su transición hacia el terreno del hard y el heavy metal con este disco de sonido sencillo pero pétreo, al que una vez leí a alguien referirse de manera curiosa y bastante acertada, en mi opinión, como AC/DC haciendo un disco de versiones de los STONES, algo que tiene bastante sentido en una canción como la ya comentada Love Removal Machine. Tampoco fue éste un proceso fácil, ya que el propio Duffy reconocía las dificultades que tuvo al tener que afrontar su trabajo habitual de la manera más simple posible, con poco más que su instrumento y la amplificación, acostumbrado como estaba a todo un despliegue de pedales y efectos usados en los discos previos.

En esta época el grupo contrató a un bajista llamado KID CHAOS para los shows y Stewart se encargó de la segunda guitarra, con Electric superando el éxito de Love gracias a temazos como WILD FLOWER, LIL' DEVIL, PEACE DOG o una enérgica versión del famoso BORN TO BE WILD de STEPPENWOLF. De hecho, unos aún desconocidos GUNS & ROSES abrieron sus conciertos al otro lado del Atlántico.

Pero también en esta época empezaron los problemas entre ellos, con Chaos dejando el grupo y con Warner siendo despedido, quedando The Cult como trío y mudándose a Los Ángeles. En 1989 vería la luz el incluso más famoso cuarto álbum de la banda, SONIC TEMPLE (producido por el también muy conocido productor BOB ROCK), en cuya preparación, a dicho trío se le unió una serie de músicos de estudio, grabando finalmente la batería MICKEY CURRY (conocido por décadas de trabajo junto a BRYAN ADAMS), y siendo reclutado como batería para la gira MATT SORUM (que poco tiempo después encontraría fama y éxito globales junto a los Guns & Roses de principios de los noventa), junto a un tal JOHN WEBSTER a los teclados.



Con Matt Sorum, primero por la izquierda




El disco fue otro éxito en el que aparecieron canciones tan famosas como FIRE WOMAN (probablemente su canción bandera) o EDIE (CIAO BABY), aunque el sonido volvió a cambiar, en cierta medida, siendo más contundente pero a la vez algo más elaborado y con un aire más americano, y The Cult giraron junto a grupos como AEROSMITH o METALLICA, además de encabezar su propio tour.

Los problemas volverían con el cambio de década, ya que Stewart y Sorum dejaron el grupo, pero The Cult finalmente continuaron como el dúo (Astbury y Duffy) que desde entonces no han dejado de ser, ya que siendo siempre ayudados por otros músicos, ya sea al grabar o al girar, que yo sepa no han vuelto a tener otro miembro digamos fijo, más allá de guitarrista y cantante. Como curiosidad, comentar que por esta época, el papel de JIM MORRISON que finalmente sería para VAL KILMER en la película de 1991, THE DOORS, fue ofrecido por el director OLIVER STONE a Astbury, que declinó la oferta al no gustarle la manera en la que el cantante iba a ser representado en la película.



Astbury y Duffy se quedan
solos. Amigos?




Y así llegamos a la época en la que Ceremony empieza a ser preparado, con más músicos de sesión y con los dos protagonistas del asunto apenas dirigiéndose la palabra o coincidiendo en el estudio. El disco fue grabado (creo) en los estudios A & M de Hollywood, salió el 23 de Septiembre de 1991, a través de la ya nombrada compañía británica Beggars Banquet, y fue producido por RICHIE ZITO, que también contribuiría con teclados, junto a otra decena de músicos de estudio, entre los que destacó nuevamente el batería Mickey Curry.

Las expectativas eran altas, debido al éxito previo del grupo, pero la llegada del grunge hizo que las ventas bajaran, como ya se comentó al principio. Seguramente tampoco ayudó el ambiente enrarecido que había entre Astbury y Duffy, pero a pesar de todo esto y de las criticas variadas que el disco recibió, como ya dije antes éste es mi disco preferido de The Cult y el que más escucho, ayudado por el encanto que le da estar inspirado en la cultura nativa norteamericana (algo que, de una manera u otra, iba con el grupo y se había visto potenciado por ellos con anterioridad).

Otro foco de polémica y que también lastró al grupo fue la portada del disco. Dicha portada (muy bonita, todo sea dicho), una foto de la cara de un niño sioux de once años, junto al enorme nombre del grupo en blanco, supuso que The Cult fuesen demandados por los padres del crío (por más de sesenta millones de dólares de la época!) por supuesta explotación y uso no autorizado de la imagen, que además aparece siendo quemada en el vídeo de la ya nombrada Wild Hearted Son, con el consiguiente supuesto daño psicológico infligido al chaval por todo esto (por lo visto, los sioux asocian el fuego con la muerte). Esto supuso un retraso en la edición del disco en varios países, no siendo editado en algunos como Turquía hasta 1992. Desconozco cómo acabó todo el asunto, y echando un vistazo por ahí no veo más de lo que yo ya he contado.




Ceremony



Cartel promocional de una gira
de la época



Para leer algo al respecto de lo que era el grupo en esta época, está bastante bien este artículo de 2016, aunque como dejaré bien claro a partir de ahora, las opiniones en cuanto a lo musical las comparto más bien poco.





Y tras una chapa introductoria más extensa de lo habitual, pasamos a lo que de verdad importa, que es mi experta y precisa opinión personal acerca del contenido del disco. Es broma.



En consonancia con el ya comentado aura indio, las dos primeras canciones tienen una breve introducción en esa línea, siendo la de la propia CEREMONY un fondo de música india y la solitaria guitarra de Billy Duffy, que parece calentar para lo que viene poco después. Tras poco más de un minuto empieza del todo el triunfante tema título, que marcha a medio gas dirigido por un riff entrecortado y otra omnipresente guitarra que simplemente improvisa por encima, hasta el punto de que cuando llega el solo apenas lo distingues, al ser más bien casi más de lo mismo. Por su parte, Ian Astbury se dirige a su audiencia de una manera que a ratos parece casi conversacional, hasta que la canción va desapareciendo al final.

En cuanto a la letra pues no sé, yo diría que la ceremonia de la que habla quiere ser una mezcla de lo ancestral y lo musical, o simplemente puede ser que se refiera a un concierto, entendido como un rito en el que la gente se junta y, según dice la canción, abraza algo que había quedado olvidado.

It's a ritual time and we need to gather together, to embrace what we have forgotten. So we can live.



El inicio de WILD HEARTED SON muestra a un indio cantando, como si estuviese realizando algún tipo de rito o algo así, y por lo demás el inicio se asemeja al del tema título, sólo que con una guitarra limpia (esto se repetirá tras el solo y al final del todo) y Astbury cantando. En vez de llegar a un punto en el que el resto de instrumentos aparecen, como en la anterior canción, aquí todo queda en silencio y enseguida entra Duffy con una sucesión de acordes bastante fieros. La canción aumenta la intensidad de la anterior, con Billy sacando chispas del mástil, pero ambas tienen en común el hecho de que una guitarra líder vaya un poco por libre por encima de la rítmica, sin necesidad de que la parte del solo haya llegado aún (el estribillo es buena muestra). Por lo demás, la batería es simple pero efectiva, y bastante contundente, teniendo en cuenta que el protagonismo de este instrumento en este tipo de música no es tan vital o habitual como en géneros más extremos.

Por cierto, Ian Astbury unido aquí, como en tantas otras ocasiones, a su inseparable pandereta.

Se trata, creo yo, de la primera canción de este grupo que escuché en su día (al menos de manera consciente, ya que es más probable que hubiese escuchado con anterioridad la afamada She Sells Sanctuary, aunque también sin saber qué escuchaba) y es básicamente, una afirmación de rebeldía.

Oh, I was born to the city, but I longed to roam free. Got a screaming horse in my belly, scar on my heart.




Ian Astbury




Algo más breve que las anteriores es la movida EARTH MOFO, que empieza sin más rodeos con un riff de Duffy que podría derribar una pared. No sé si es cosa mía, pero este disco, a pesar de centrarse en la cultura nativa norteamericana, suena distinto a Sonic Temple al sonar, curiosamente, menos americanizado y alejado del rock duro de estadios de dicho álbum. Es más directo, contundente y con menos adornos. Esta canción es buena muestra y en mi opinión, todo esto es para bien. La parte que precede al solo de Duffy es incluso más heavy y el final del tema permite al guitarrista volver a explayarse con su instrumento, algo muy habitual a lo largo del disco.

Astbury, con sus habituales baby y yeah, al más puro estilo ROBERT PLANT, entona ahora lo que se me antoja un canto de concienciación medioambiental, aunque la verdad es que la letra es mínima.

Earth mother for you, I see the world all drippin' red.



Ceremony es un disco bastante largo, con una duración cercana a los seis minutos de media por canción, y WHITE es la más larga de todas, con su inicio acústico, su aumento de intensidad, sus cambios e idas y venidas. Algo así como el tema épico del disco. He leído a menudo acerca de la supuesta cantidad de baladas en Ceremony, pero yo diría que como mucho sólo hay dos, propiamente dichas, a no ser que cualquier atisbo de guitarra acústica suponga que la canción sea una balada, cosa con la que no estoy de acuerdo para nada. El caso es que he visto a esta canción incluida en dicha categoría y no lo comparto. Este disco tiene mucha guitarra acústica y en esta canción es preponderante, sobre todo en las estrofas, y alguna vez hasta se apoya en un teclado de fondo, pero se alterna todo eso con momentos más contundentes, la típica guitarra solista casi omnipresente (aunque Ian esté cantando a la vez) y de nuevo una sección en la que el cantante parece soltar un discurso en vez de cantar (la parte en la que se incluye un pasaje del libro THE HOLY BARBARIANS, que daría nombre a un proyecto posterior de Astbury y que fue escrito por LAWRENCE LIPTON en 1959). El final se alarga porque la canción pasa a ser una especie de improvisación relajada. Buenísima también.

Por lo demás, creo que la canción trata de alguna manera de la conexión con la naturaleza, aunque el libro antes mencionado habla de la generación beat, así que no sé.

I look out and see a hawk in flight. The forest awaits me, the keel awaits me. I reel back, watch the sun turn to gold.



IF podría ser una de esas dos baladas a las que me refería antes, con piano al principio (que continúa también en otros momentos del tema) y ese aire sombrío, aunque la canción se endurece (sobre todo en la parte del solo) y el estribillo es de los más reconocibles del disco. El final vuelve a tener a Duffy como protagonista y la letra parece hablar de la importancia de la unión a la hora de afrontar las dificultades. Todo esto siempre de manera bastante ambigua, me parece, por lo que no acabo de estar seguro.

If the tribes of Eden could find some common ground, share in life and wisdom and free our minds from prison.




Lil' devils




FULL TILT vuelve a ser un temazo rockero sin concesiones, en la línea de los primeros tres del disco, aunque éste resulta incluso más marchoso, con un solo de guitarra cuya primera parte me recuerda a ANGUS YOUNG, siendo el resto del mismo algo bastante más salvaje, con un Billy Duffy nuevamente desatado, y más de lo mismo a partir de ahí, con el acelerado final instrumental y Billy haciendo sangrar a su guitarra. Temazo. Otro más.

En cuanto al significado de la letra vuelvo a no estar seguro. Según dice el título, el protagonista parece ir a tope, pero no sé si se refiere a un despertar general o quizás a algún tipo de droga o estímulo.

Now people listen, I'm sick of excuses, that dull confussion baby finally through.



El otro foco de polémica del disco fue el vídeo del medio tiempo HEART OF SOUL (dirigido por PAUL BOYD y rodado, por lo visto, en un hotel abandonado de Barcelona), que fue censurado en algunos países por ser demasiado gráfico, con Astbury cantando a pecho descubierto, con una corona de espinas y empuñando una pistola (imagen que aparece en la portada del single), junto a más imaginería nativa. La canción en sí es otra de esas que es muchas veces considerada como una balada, pero yo no lo veo así. No sólo porque a pesar de su inicio acústico y de las casi omnipresentes guitarras acústicas, tenga unas partes intermedia y final mucho más heavies, sino también por su tono optimista y alegre, con Ian cantando muy alto.

Otra letra de contenido espiritual que contiene la frase down and out in London, LA and Paris too, que se refiere al libro de GEORGE ORWELL, DOWN AND OUT IN PARIS AND LONDON, siendo Los Ángeles el sitio en el que el grupo estableció su cuartel general en aquella época.

To the heart of soul, you got to bleed a little while you sing.





Y llegamos a la que seguramente sea mi canción preferida del disco y puede que la más heavy de la carrera del grupo (al menos hasta el momento), la salvaje y bastante desconocida BANGKOK RAIN, que, tras su entrada de batería, transcurre (más o menos a partir del comienzo de la segunda estrofa) como si fuese un monólogo casi continuo de Duffy sobre la letra de Astbury y la potente guitarra rítmica. Esta característica es algo que ya se ha comentado con respecto a otras canciones y que es bastante habitual en este disco, pero en esta canción se lleva hasta el extremo, con algunas partes instrumentales (al loro con la que empieza en 2'36'') que para mí son de lo mejor de la discografía que conozco de The Cult y, por supuesto, y en lo que a mí respecta, también son el punto álgido de Duffy como guitarrista, un músico que por otro lado parece estar siempre en un discreto y buscado segundo plano, pero que parece querer hacer una excepción en este disco.

La canción, que en este caso sí parece dejar a un lado lo espiritual y lo indígena, trata de un tipo que se divierte en Bangkok, disfrutando de estar lejos de casa, mientras no para de llover. Astbury se refiere alguna que otra vez a las butterfly women que tiene alrededor, lo que quizás sea una referencia al famoso local Butterflies Go-Go Bar, localizado en la Plaza Nana de dicha ciudad.

Sittin' in a bar in Bangkok, waiting for the rain to stop.



Billy Duffy




Tras el azote anterior llega uno de los momentos más especiales del disco, a la vez que atípico, con la genial INDIAN, ejecutada, creo, sólo con guitarras acústicas, la voz de Astbury y, sorpresa, el chelo de una tal SUZIE KATAYAMA, además de algunos coros bastante efectivos, dado el carácter totalmente sombrío del tema. Ésta es otra de las canciones del disco que parecen haber tenido escaso reconocimiento pero que a mí me parecen insuperables, por no hablar de la cantidad de recuerdos que me traen. Indispensable.

La conexión con la cultura india norteamericana parece ser más obvia que nunca, pero no soy capaz de interpretar la letra, que quizás podría tratar sobre un castigo, una condena o algo así.

All the temples stand in ruin, reaching out to the gods in the sky. While the earth beats to the rhythm, my indian lover's high.



La melancólica y lenta SWEET SALVATION podría pasar por ser la otra balada del disco, y quizás sea la elección más obvia al respecto, pero lejos de bajar el nivel general, como poco lo mantiene, con las guitarras acústicas, su apoyo de teclados y esos coros góspel del final, cortesía, creo, de una tal YVONNE ST. JAMES. Y es que, normalmente, no me suelen gustar nada estas vueltas de tuerca, pero en esta canción esto funciona sorprendentemente bien. Y cómo olvidar la parte de ambas estrofas (en la segunda ya rodeado de todo el grupo) en la que Astbury sube la intensidad del asunto al cantar ooh, she moves in silence, justo antes del estribillo? Emocionante, aunque un poco triste a veces. La canción, como era de esperar, también tiene sus momentos más rockeros y acelerados, sobre todo cuando Duffy encara el solo y al final del todo.

La letra? Yo creo que esta vez trata, de una manera u otra, sobre redención. Muy espiritual todo, una vez más.

Seduced by your glance, overwhelmed and enchanted by you, baby.



Y el disco termina con una de sus canciones más largas, el medio tiempo rockero WONDERLAND, otra de esas canciones de las que nadie habla al referirse al disco pero que a mí me encanta. Transcurre de manera más lenta y arrastrada y no deja de tener un cierto aire improvisado, y vuelve al principio alrededor del tercer minuto, con Astbury de nuevo en plan conversador. Quizás el final se alargue un poco, y ni de lejos está este tema entre los mejores del disco, más bien al revés, pero esto no deja de ser otra virtud del mismo, ya que nunca me he visto en la necesidad de saltarlo. Así de bueno es el disco.

La letra me supera, tan llena como está de frases raras, metáforas o lo que sea, y más allá del mundo maravilloso al que se refiere el título, soy incapaz de interpretarla.

Kickin' down the devil's door, cheap thrills baby, I need some more.













Antes de su fallido disco de 1994, The Cult giraron con Ceremony y tuvieron tiempo de, en 1993, editar una recopilación llamada PURE CULT: FOR ROCKERS, RAVERS, LOVERS AND SINNERS, que conocería diferentes ediciones y posteriores cambios de nombre. Nada importante acerca de este disco de grandes éxitos, más allá de servirme para ir conociendo el trabajo previo del grupo, contener la que creo que era inédita THE WITCH, y resultar un artefacto mucho más exitoso de lo que en principio el grupo había previsto. Lo verdaderamente llamativo para mí de este disco es el haberse convertido en su día en lo más valioso de mi colección hasta ese momento.



Los difíciles noventa




El motivo es que una de las ediciones que salieron a la venta fue una caja con cuatro vinilos, nada menos. Los dos primeros eran el disco mencionado, que en vinilo contenía The Witch sin editar, en su versión más larga, y los dos siguientes eran la joya del asunto, al contener un show del grupo en el Marquee Club de Londres, del veintisiete Noviembre de 1991. Dicho show incluía Earth Mofo y Full Tilt, en lo que a repertorio de Ceremony se refiere, y además se editó sin ningún tipo de retoque ni nada. Sólo lo que se escuchó en su momento, hasta el punto de que en un momento del concierto hubo un fallo en un amplificador que hubo que reparar y eso se tradujo en unos pocos minutos de parón, lo que también se incluye en la grabación, en una pista conocida como AMPLIFICATION BREAKDOWN. En ella se escucha a Astbury hablar con la audiencia, haciendo el marrón más llevadero.

Y para hacer el asunto más atractivo, las fundas de los discos contenían un montón de fotos y recortes de prensa.

Más allá de todo esto, el disco sirve a su manera como un grandes éxitos en directo de The Cult, con versiones notablemente endurecidas de canciones de todos los discos del grupo (además de una gran versión de una cara B del grupo, la genial ZAP CITY), destacando el doblete inicial sin apenas pausa que incluye una brutal versión de NIRVANA, el tema que abría su segundo disco, Love, y la ya nombrada Lil' Devil. No me resisto y dejo los enlaces aquí.







Genial como acompañamiento a Ceremony, un disco genial de pleno derecho por sí mismo.



The Cult se separarían y volverían en 1999, editando BEYOND GOOD & EVIL en 2001 y lo dejarían estar nuevamente muy pronto, ya que el disco no resultó como esperaban. Pero volverían nuevamente, editando una serie de discos que quitando alguna canción, no he escuchado. Me gusta especialmente la canción HONEY FROM A KNIFE, del disco de 2012 CHOICE OF WEAPON. De hecho, han editado en 2022 el que es su último disco, UNDER THE MIDNIGHT SUN (2022), y el primer single, GIVE ME MERCY, me encanta. Pero nada de lo nombrado me resulta igual que lo que sacaron hasta 1991, y es que, como dicen muchos de sus seguidores más allegados, supongo que con este grupo nunca nada es igual que lo anterior.

Pero esa es otra historia.




Hasta pronto.






ENGLISH



Last summer I was out for a long stroll, happy to be on the nicer end of a hard worked week and for having some off time just for myself, when, thinking about how much I had to walk to fulfill my plans, I chose to play this album on my Ipod for the umpteenth time, knowing it is a sure success in my ears, and that is when I though about reviewing it here.

Ceremony not only is my favourite album released by THE CULT, but also one of the first hard rock and heavy metal albums of my personal history, given it was released when I was beginning to put my focus on this subject. It's a pity is far from being one of the best considered albums from their early years (right now I can't remember anybody quoting it as their favourite, but quite the opposite) but I couldn't care less about it, to be honest. What is far more painful is knowing that the relationship between the two main personalities within the band was almost nonexistent during this period, something which, together with the arrival of new musical trends and the album sales significantly dropping, meant the beginning of the decay which led the band to release a sub par album (their namesake 1994 album, which was a complete departure from their usual sound, with The Cult trying to catch up with the trends of the time, with zero success, as far as I'm concerned) and to subsequently disband for the first time.

Ceremony was released in 1991 (23rd of September) and maybe the next year, I began to listen to it, thanks to my pal IGNACIO VARELA, once again, whom I borrowed the original tape from. All because of the amount of interest I developed in the songs which could be listened on the radio, TV programs and little else. Because the first single from that album, WILD HEARTED SON, and the stunning looks of the musicians on the ensuing videoclip, together with the north american native imagery, were cool stuff of the first order to be avoided by a kid in search of strong emotions, who, as I said before, was bent on listening to as much new heavy music as possible in 1992.



As usual, a little bit of history, by way of background.


The Cult, as such, began in 1984, but their origins can be traced back to 1981, with the band known as SOUTHERN DEATH CULT, hailing from Bradford, Yorkshire (England), in which already was a young singer called IAN ASTBURY. Said band played a brand of post punk with gothic touches, recorded one singlr and toured England before disbanding in 1983 (February). A couple of months later, Astbury joined who would end up being the other historical half of The Cult, guitarrist BILLY DUFFY, forming DEATH CULT (together with bassist JAMIE STEWART, who would also be part of The Cult, and a drummer who was soon replaced by NIGEL PRESTON, another fixture in The Cult for a few years). Death Cult released an EP (songs like MOYA or GOD'S ZOO, by this band and the former one, would be part of the early repertoire of The Cult) and their touring range was bigger than that of Southern Death Cult, because they also toured continental Europe.

Already in 1984, with these four members and, apparently, focused on lowering the gothic leanings of their name and making it easier to remember, Death Cult morphed into The Cult. Following the same musical trend of the former bands they made their debut with DREAMTIME (1984), and is only fair pointing out that their music during these formative years, although recognizable (there are few singers as personal as Astbury) was far from being what it eventually would become a few years later, when they devoted themselves to classic hard and heavy rock.

Dreamtime was released at first only in the UK, but it became successful and was also released in the international market, and that's why before releasing their sophomore album, LOVE (1985), The Cult released their hit (also on Love) SHE SELLS SANCTUARY as a single and got rid of an unreliable Preston, who, after the brief stint of another drummer, was replaced by LES WARNER in September. Their music and their looks, even if they were not what they would yet be, were transitioning towards something more akin to the first years of hard rock, with some psychedelia and that gothic aura. Love ended up being a hit and they went back to England to record their next album, called PEACE.

STEVE BROWN was again producing (after Love) but the outcome was far from satisfying for the band and that's why he got replaced by famed producer RICK RUBIN (DEF JAM's guru), someone capable of recording hip hop and also being in control of something as grandiose and removed from that as SLAYER's REIGN IN BLOOD, also from 1986. Rubin accepted the job on the condition of re-recording LOVE REMOVAL MACHINE, which was scheduled to be the first single (that meant flying to New York), but what they did in the end was re-recording the whole thing, something which was green-lighted by their fed up label (too much money wasted and time delays already because of this), BEGGARS BANQUET, after listening that first re-recorded song. In 1987, The Cult's third album, the great ELECTRIC (the Peace thing was left forgotten, at least for the time being, because some of those songs became B sides of the Electric singles and Peace was finally released as such in 2000), hit the shelves, seeing the band completing their transition to heavy music, with this simple but rocky sounding album which once was alluded by someone I read as AC/DC playing covers of the STONES, something that makes sense somehow with songs like the aforementioned Love Removal Machine. This wasn't an easy process either, for Duffy himself admitted how difficult was for him to face his work in the simplest possible way, only with his axe and the amplification, accostumed as he was to a rack full of pedals and guitar effects used on the previous albums.

This is when they hired a bass player called KID CHAOS, for the shows, and Stewart was pit in charge of the rhythm guitar, with Electric surpassing Love's success thanks to hits like WILD FLOWER, LIL' DEVIL, PEACE DOG or a thunderous cover of the famous BORN TO BE WILD, by STEPPENWOLF. In fact, the then unkown GUNS & ROSES opened their shows on the other side of the pond.

But this is also when trouble began, with Chaos quitting and Warner being fired, something which made The Cult to morph into a trio and to move to LA. In 1989, the even most famous fouth album, SONIC TEMPLE (produced by also really famed producer BOB ROCK), saw the light of day. Some session musicians joined them to record the album, being MICKEY CURRY (famous because of decades working along with BRYAN ADAMS), the one who played drums on it, while MATT SORUM was soon recruited to play on tour (he soon found fame and planetary success with early nineties Guns & Roses) and one JOHN WEBSTER played keyboards.

This album was another hit, containing songs as well known as FIRE WOMAN (very likely to be their signature song) or EDIE (CIAO BABY), although their music changed again somehow, being heavier but a tad more elaborated and americanized, and The Cult toured in support of AEROSMITH or METALLICA, besides headlining their own tour.

The turning of the decade saw trouble strike again, when Stewart and Sorum left the band, but The Cult finally soldiered on as the two-piece (Astbury and Duffy) which has never ceased to be ever since, because, while being aided by some other musicians when touring and recording, they haven never had another, let's say, permanent member again, beyond singer and guitarrist. As fun fact, let's undust the fact that around this time, the role as JIM MORRISON which was eventually landed by VAL KILMER in 1991's famous biopic flick, THE DOORS, was offered by director OLIVER STONE to Astbury, who declined the offer because he did not like the way the singer was going to be portrayed in the movie.



And all this leads us to the time When Ceremony began to be made, with more session musicians and the two main characters of the story barely talking to each other or spending time in the studio together. I think the album was recorded at Hollywood's A & M studios, was released on the 23rd of September, 1991, through already mentioned british label Beggars Banquet, and was produced by RICHIE ZITO, who also contributed some keyboards, together with around ten more musicians, among whom, drummer Mickey Curry stood out once again.

Expectations were high, due to the band's previous success, but the arrival of grunge made the sales to plummet, as already told. It did not help either the strained relationship between the two main men, but despite all that and the mixed reviews the album got, this is my favourite The Cult record and the one I listen to the most, as I said at the beginning, aided by the charm provided by the north american native culture atmosphere by which is inspired (something which had been, one way or another, championed by the band prior to this album).

Another focal point of controversy, which also burdened The Cult, was the album's cover. Said cover (wonderful, by the way), the picture on an eleven year old sioux boy, under the band's big white name, meant that The Cult were sued by the kid's parents (for more than sixty million dollars of the time) for alleged misuse and unauthorized use of the picture, which is also pictured being burnt on Wild Hearted Son's videoclip, with the ensuing emotional distress inflicted to that boy, given that Sioux people link fire to death. This meant that the album release was delayed in several countries (in Turkey, for example, wasn't released until 1992). I don't know how the story ended, and doing some researching I don't see any more information than already told.

In order to read something about the lawsuit and what the band was like during this time, this article from 2016 is quite good, although, as I'm about to make clear from now on, I don't share most of the music-related points of view.





And after this longer than usual introduction, I'll proceed to talk about what really matters, which is sharing my highly qualified and pinpoint accurate personal opinion about the album. Just kidding.



Accordingly to that indian aura, the first two tracks are introduced by intros in that vein, being CEREMONY's a background of indian music and Duffy's lonely guitar, which seems to work as the calm before the coming storm. After little more than a minute the triumphant titular song properly begins, marching at half throttle led by an staccato riff and another omnipresent lead guitar which only seems to improvise its way through the song, to the point that, come the guitar solo you can't even tell this solo from said lead guitar, being more of the same as it is. Ian Astbury addresses his audience in a manner which almost feels like conversational sometimes, until the song begins to fade close to the end.

As for the lyrics I don't really know, but I'd say the ceremony Astbury talks about wants to be a mixture of the ancient and the musical, or maybe everything is all about a concert, as a ritual in which people gather together and, as the line goes, to embrace something long forgotten.

It's a ritual time and we need to gather together, to embrace what we have forgotten. So we can live.


WILD HEARTED SON begings with an indian chant, as if performing some kind of ritual or something like that, and apart from that everything feels like the intro to the previous song, only with a clean guitar (this happens again at the end) and Astbury's singing. Instead of reaching a point when the whole band joins, as on the previous tracj, everything became quiet and Duffy wastes no time in breaking the silence with some menacing chords. This song increases the heaviness of the first one, with Billy striking sparks from his fretboard, but the two of them share that lead guitar which goes freely over the rhythm one, without the need of a proper guitar solo to arrive (the chorus is a good example). As for the rest, Curry's drumming is simple but effective, considering that this instrument's prominence in this kind of music is not as important as in more extreme branches of metal music.

By the way, Ian Astbury tied in this one, as so many times before or since, to his inseparable tambourine.

If memory serves this has to be the first song of theirs I ever listened to back in the day (at least that I am aware of, because it's more than likely that I would've listened to She Sells Sanctuary first, although being completely unaware of what I was listening to) and is fundamentally an statement of rebelliousness.

Oh, I was born to the city, but I longed to roam free. Got a screaming horse in my belly, scar on my heart.



A tad shorter than the two previous tracks is the hectic EARTH MOFO, which takes no prisoners from the get go, leaning on a riff which could tear a wall down. Maybe it's just me, but this album, despite revolving around north american native culture, sounds different from what was heard on Sonic Temple, by sounding, strangely, less americanized and removed from the arena hard rock found on that album. It is more straightforward, heavier and less polished and this song makes it clear. In my opinion all this is for the better. The section preceding Duffy's guitar solo is even heavier and the ending allows the axeman to break loose with his instrument, a very usual feature throughout the whole album.

Astbury, with his usual baby and yeah, a la ROBERT PLANT, sings what I think is something about environmental awareness, but the lyrics are minimum, to be honest.

Earth mother for you, I see the world all drippin' red.



Ceremony is quite a long album, averaging almost six minutes of running time per song, and WHITE is the longest of them all, with its beginning on acoustic guitar, its cranking up the heaviness, its tempo changes and comings and goings. You could say is the epic track on the album. I've read very often about the alleged big amount of balladry on Ceremony, but in my opinion there are just two actual ballads here, unless any small glimmer of an acoustic guitar means ballad territory, something I disagree with. Truth is, I've seen this song being tagged as such and, again, I have to disagree. It's got tons of acoustics, which rule here, mostly during the verses, and there's even a keyboard here and there, as a background, but all this is counterbalanced with heavier moments, the usual lead guitar almost all over the track (even with Ian singing at the same time) and another section in which the singer seems to be giving a speech instead of doing a proper singing (that part which includes a passage taken off the book THE HOLY BARBARIANS, which would give name to a later personal project of his and which was written by LAWRENCE LIPTON in 1959). The ending is extended because the song turns into some kind of relaxed jam session. A very remarkable song as well.

Apart from that I believe the song is somehow about being connected to nature, although the aforementioned book is about the beat generation, so who really knows?

I look out and see a hawk in flight. The forest awaits me, the keel awaits me. I reel back, watch the sun turn to gold.



IF could be one of those two ballads I have just talked about, beginning only on piano (which can be listened later on as well) and with a sombre atmosphere all over, although it gets heavier (mostly around the guitar solo) and its refrain may be one of the most easily remembered on the whole album. Duffy takes the spotlight once again at the end and the song seems to be about how important is to stand united in times of difficulties, always in a very debatable and ambiguous way and that's why I'm not completely sure.

If the tribes of Eden could find some common ground, share in life and wisdom and free our minds from prison.



FULL TILT goes back to hard rocking territory without giving any quarter, pretty much in the vein of the first three songs, although this one feels more lively and partier, with a guitar solo which reminds me of ANGUS YOUNG during its first seconds, while the rest of it becomes a wilder affair, with a frenzied Duffy. More of the same from then on, with the band setting the ending on fire at full speed and Billy Duffy making its axe bleed. Another scorcher.

Regarding the subject of the lyrics, again I'm not sure. As the title goes, the song's main character seems eager to be at full throttle, but I don't know whether this means some kind of widespread awakening or something drugs related.

Now people listen, I'm sick of excuses, that dull confussion baby finally through.



The album's next controversy was the clip for the quieter HEART OF SOUL (directed by PAUL BOYD and shot, aparently, in a derelicted hotel in Barcelona), which was censored in some countries because of certain explicit content, with Astbury singing bare chested, with a crown of thorns and a pistol in his hand (that's the picture on the single's front cover), together with more native imagery. The song itself is one of those which is sometimes considered as a ballad, but I'm glad to disagree. Not only because despite the acoustic beginning and its ever present acoustic guitars it has its much heavier middle and final section, but also because of its optimistic and joyful tone, with Astbury singing really high.

More spiritual content here, including the sentence down and out in London, LA and Paris too, which is a nod to GEORGE ORWELL's book DOWN AND OUT IN PARIS AND LONDON, being LA the place the band called home at the time.

To the heart of soul, you got to bleed a little while you sing.





And this is when we arrive to what is likely to be my favourite song on Ceremony and the heaviest in The Cult's career (at least for the time being), the wild and mostly unknown BANGKOK RAIN, which, after its drum intro, goes by (more or less from the beginning of the second verse) as if it was a neverending monologue courtesy of Duffy's guitar, hovering over Astbury's lyrics and the muscular rhythm guitar. This feature is something I have already talked about, when reviewing some other songs, being something pretty usual on this album, but here's taken further, with some instrumental sections (beware with that one beginning at the 2'36'' mark) which I deem the best in the band's career (I'm talking about the albums I've listened to) and, as far as I am concerned are Duffy's peak as a shredder, a musician who almost all the time seems to consciously run away from the spotlight, but who is willing to make an exception on this album.

This song leaves the spiritual and native stuff aside and is about some guy who is having fun in Bangkok, enjoying himself while being away from home, and it doesn't stop raining. Astbury sings about butterfly women around him, and this might be a nod to the famed Butterflies Go-Go Bar, located in Bangkok's Nana Square.

Sittin' in a bar in Bangkok, waiting for the rain to stop.



After the previous punishment along comes one of the most distinctive moments on the whole album, and also an atypical one, with the brilliant INDIAN, performed, I believe, with only acoustic guitars, Astbury's vocals and, surprise, surprise, one cello played by a certain SUZIE KATAYAMA, besides some effective backing vocals, given the completely gloomy atmosphere of this song. This is another one of those songs which don't get enough praise or recognition but I deem difficult to match, leaving all the memories it brings back aside. Essential.

The connection with the north american native culture seems more obvious here than ever, but the meaning of the lyrics is beyond my understanding and it could be about a punishment a sentence or something similar.

All the temples stand in ruin, reaching out to the gods in the sky. While the earth beats to the rhythm, my indian lover's high.



The slow and melancholic SWEET SALVATION could perfectly be the other pure ballad on Ceremony, and maybe the most obvious one, but far from lowering the bar it keeps it very high, to say the least, with those acoustic guitars, the keyboards floating on the background and those gospel backing vocals at the end, courtesy of, if I'm not mistaken, one YVONNE ST. JAMES. Because I'm not one to enjoy such experiments, but it works here just fine. And how not to remember that moment during both verses when Astbury (the second one surrounded by the whole band) increases the emotional factor when singing ooh, she moves in silence, right before the refrain? Very touching, although a tad sad sometimes. This song, as expected, gets heavier and faster at times, mostly when Duffy faces the guitar solo and when it is about to end.

Lyrics? I think this is, one way or another, about redemption, Everything very spiritual, once again.

Seduced by your glance, overwhelmed and enchanted by you, baby.



And the album cones to an end with one of its longest tracks, the mid-paced rocker WONDERLAND, another pretty much unknown one but which I hold in very high esteem. It drags in a slower manner and it has an improvised flair to it, going back to the beginning around the third minute mark, with Ian talking rather than singing one more time. Perhaps it's unnecessary long at the end and is far from being one of the best tracks off this record, maybe on the contrary, but this is just another merit of Ceremony, because I never felt the need to skip this track. This is how good this album is.

The meaning of the lyrics is beyond me, as filled as they are with weird sentences, metaphors, you name it, and apart from that wonderland the title refers to, I'm incapable of understanding it.

Kickin' down the devil's door, cheap thrills baby, I need some more.













Before their failed 1994 album, The Cult toured in support of Ceremony and found time to release, in 1993, a compilation album called PURE CULT: FOR ROCKERS, RAVERS, LOVERS AND SINNERS, which would have several different editions and subsequent changes of name. No big deal, another greatest hits album, beyond serving the purpose of allowing me to know their earlier hits, showing the world the unreleased (if I'm correct) THE WITCH, and turning out to be a much more successful affair than the band had expected. The truly remarkable thing about this album was that it became what then was the most valued item in my collection.

The reason why is that one of the editions was a box containing four vinyls, nothing less. The first two were the compilation album, which had The full version of The Witch, and the next two made the jewel in the package's crown, because they contained a full concert of the band recorded at the Marquee club, in London, on the 27th of November, 1991. That show featured Earth Mofo and Full Tilt, as far as Ceremony's songs went, and it also was released with no overdubs whatsoever. Only what was listened on that very day, to the point there was a time during the show in which an amplifier broke and needed repairing, what meant stopping the show for some minutes, and this was also included, resulting in a track called AMPLIFICATION BREAKDOWN. You can listen to Astbury entertaining the crowd in the meantime, to make that bummer more pleasant.

To make the whole thing even more appealing, the vinyl cases had tons of pictures and press clips on them. 

The live album works just fine as a live greatest hits of their career so far, with remarkably heavier renditions of songs off all their first five albums (besides a live version of one of their B sides, the amazing ZAP CITY), standing out the initial one-two attack with barely a pause between songs, which includes an awesome rendition of NIRVANA, which opened their second album, Love, and the already mentioned Lil' Devil. I can't help myself, so I'll leave both links here.







Great as a companion piece to Ceremony, a great album in its own right.



The Cult would split up, only to come back in 1999, releasing BEYOND GOOD & EVIL in 2001, and they called it a day again, because the album was not the success they had in mind. But they would surface again, releasing a string of albums that, barring some songs here and there, I haven't listened to in their entirety. I love their song HONEY FROM A KNIFE, from CHOICE OF WEAPON (2012). In fact, last summer they released what is their last album, UNDER THE MIDNIGHT SUN (2022), and the first single, GIVE ME MERCY, is wonderful. But nothing I've mentioned feels like the The Cult of old, until 1991, but I guess this is because, as their most die-hard fans say, The Cult has never been about repeating themselves.

But that is another story.





See ya.

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