Prince Of The Poverty Line - 1994 / SKYCLAD
WAYWARD SONS OF MOTHER EARTH fue el disco con el que SKYCLAD debutaron en 1991, poco después de la salida del cantante y compositor MARTIN WALKYER de las leyendas thrash metal inglesas SABBAT, y era, a priori, mi primera opción y quizás la más fácil (al fin y al cabo es el disco del grupo más acorde con el tipo de música que más suelo escuchar y el que puede aún guardar ciertos parecidos con el trabajo de Martin en Sabbat) a la hora de hablar de este grupo. Lo voy a dejar apartado, por el momento, y le dedicaré ahora un buen rato al también genial PRINCE OF THE POVERTY LINE, cuarto disco del combo de Newcastle, editado en 1994.
Todo lo relativo al inicio del grupo fue ya comentado en SABBAT. Sé que es un artículo muy largo, pero quien pueda estar interesado puede leer ahí no sólo lo relativo a la salida de Walkyer de Sabbat, si no también unos cuantos párrafos sobre la trayectoria de Skyclad durante sus primeros años, las inevitables comparaciones con Sabbat y mucho más.
Pero, por resumir y empezar el artículo, digamos que Skyclad habían echado a andar en 1991 con un disco de espíritu y ambiente parecidos a los ya vistos en Sabbat (temas paganos y místicos), añadiendo además los inteligentes juegos de palabras de Martin y un ataque feroz a la abusiva condición humana con respecto a todo lo que la rodea. La música era metal tradicional, aún apoyado en el speed metal y el thrash, pero además incluía una primera canción con violín que abriría las puertas al sonido posterior del grupo y de paso, poco menos que a todo un género, el folk metal. Dicha canción era THE WIDDERSHINS JIG, pero lo más representativo del disco eran temas como OUR DYING ISLAND o THE CRADLE WILL FALL, donde se podía encontrar todo lo ya comentado.
Al año siguiente volvieron con el EP TRACKS FROM THE WILDERNESS (que abría con una genial versión del clásico EMERALD, de THIN LIZZY), pero sobre todo con A BURNT OFFERING FOR THE BONE IDOL, un disco parecido al anterior, en principio, pero en el que algo había cambiado. La velocidad se había reducido y el tema folclórico tenía más presencia, sobre todo en canciones como SPINNING JENNY (uno de sus clásicos) o R' VANNITH. Es más, para ambos lanzamientos el grupo fichó a un segundo guitarrista, DAVE PUGH, y también a la violinista y teclista FRITHA JENKINS como miembro fijo. Más adelante mencionaré a los demás músicos, ya que los cuatro restantes que empezaron siguen estando en Prince Of The Poverty Line. Buenísimo este segundo disco también.
Otro año pasa y un nuevo disco del grupo ve la luz, siendo esta vez JONAH'S ARK, de 1993. Al leer algunas de las críticas que la gente hace a los discos de Skyclad veo que se comenta a menudo el hecho de que sacasen discos tan rápido, lo que para muchos supuso no prepararlos lo suficiente, con el lógico resultado de haber canciones que no estaban a la altura (a la hora de leer a los fans son habituales términos ingleses como hit or miss y filler, que supongo no necesitan explicación). Por lo visto, esta tendencia se agravaría con el tiempo. No deja de ser una opinión personal y como ya dije en el artículo de Sabbat, yo sólo he escuchado, quitando alguna canción suelta por ahí, los cinco primeros discos, los que Skyclad grabaron con NOISE INTERNATIONAL (el último de ellos, que sigue al protagonista de esta entrada es THE SILENT WHALES OF LUNAR SEA, de 1995), pero bien es cierto que entre 1991, cuando el primer disco sale a la venta, y 2000, cuando se edita el último disco que Walkyer hizo con ellos, este grupo lanzó diez álbumes de estudio y dos EP's, lo cual es una barbaridad. Lo dicho, se trata de la opinión de cada uno, pero razones hay para pensar que el grupo pudiese estar quemado a todos los niveles con tanta actividad, y que eso, como es lógico, afectase a las canciones. En este sentido, este tercer disco es (junto al quinto) el que más acusa esta tendencia aunque yo no iría demasiado lejos. Es otro gran disco (como el quinto, dicho sea de paso), aunque no tan brillante como los dos anteriores, con respecto al cual mi mayor problema es la progresiva relajación del grupo. Esto sigue siendo heavy metal, sin duda, pero Skyclad han ido bajando algo la intensidad y, a cambio, aumentando sus inclinaciones folk (algo que iría en aumento tras esta etapa con Noise).
Es justo decir que todo lo anterior puede aplicarse a la música del grupo, pero difícilmente a sus letras, ya que es realmente meritorio sacar un disco, ir de gira, componer más temas y sacar un nuevo disco en el espacio de un año, cuando sólo las letras de Walkyer son tan largas (habitualmente), ocurrentes y están tan trabajadas.
Seguimos. Lo más lógico y esperado hubiese sido seguir con esta inquietante tendencia, pero el combo de Newcastle optó por sacarse de la chistera este Prince Of The Poverty Line (1994), su cuarto disco en otros tantos años, que si bien retiene el lado folk del grupo, aumenta la potencia de la música hasta el punto de ser el disco más heavy de la banda junto con el primero. No necesariamente veloz, como en unas cuantas fases de dicho primer álbum, pero sí más heavy que incluso el segundo. Así lo percibo yo, al menos.
Prince Of The Poverty Line salió a la venta el veintidós de Marzo de 1994, a través de Noise, y se grabó en Newcastle (en los estudios LYNX), siendo mezclado en los famosos estudios ROCKFIELD de Monmouth (Gales). La formación de Skyclad a la hora de grabar este álbum consistía en los cuatro miembros originales (los ex SATAN, GRAEME ENGLISH y STEVE RAMSEY, al bajo y la guitarra respectivamente, el mencionado Martin Walkyer y el tristemente fallecido batería KEITH BAXTER), el antes nombrado Dave Pugh, como segunda guitarra, y la violinista y teclista CATH HOWELL, que sustituyó a Fritha Jenkins. En realidad, ya lo había hecho en el anterior tour, al haberse quedado Jenkins embarazada, pero con la idea de volver a dejarle su puesto a ésta en el futuro próximo, cosa que al final no ocurrió, ya que Jenkins no quiso volver y Howell pasó a ser miembro permanente de Skyclad. No duraría mucho, al ser ella misma sustituida (ya que quería seguir estudiando) por GEORGINA BIDDLE en 1995, de cara al quinto disco (tras el cual también salieron Pugh y Baxter y la cosa empezó a torcerse bastante, aunque esa es otra historia). Lo que no es casualidad es que todas ellas fuesen mujeres, ya que esa era la intención del grupo, aunque desconozco los motivos.
 |
| Ante la imposibilidad de poner una foto del grupo en la que aparezca Cath Howell, me veo obligado a poner ésta, un poco anterior, con Fritha Jenkins a la izquierda del todo. Los demás, en el mismo orden, son Baxter, Pugh, Walkyer, English y Ramsey |
Participan también algunas personas más (una de ellas era TONY BRAY, antiguo batería de VENOM conocido como ABADDON, quien por aquel entonces formaba parte del management de Skyclad), haciendo coros y voces adicionales, y todas las canciones fueron escritas por el tándem Ramsey (música) / Walkyer (letras). La producción volvió a quedar a cargo de KEVIN RIDLEY (también hizo de ingeniero), quien había producido todo el material del grupo desde su creación, y de hecho produciría, hasta donde yo sé, todos los discos de los ingleses hasta como poco FOLKÉMON (2000), último disco de Walkyer con Skyclad. Como curiosidad, decir también que sería él quien sustituyese a Martin como cantante tras la salida de éste, después de haberse unido antes al grupo, ya como miembro permanente (guitarra), para la grabación de VINTAGE WHINE (1999), e incluso haber girado con ellos en años anteriores con un grupo que él tenía por entonces.
El propio Martin Walkyer es quien está detrás del título del disco, basado en uno de los temas (que habla de la pobreza en Londres), y según explica English en el libreto de la reedición de 2017, el concepto de línea, se refiere al metro de Londres, al que sólo parece faltarle una línea de pobreza que pase por el centro de dicha ciudad.
La portada es del ilustrador DUNCAN STORR, colaborador habitual del grupo, y muestra una especie de naipe, un poco roto, sobre un montón de monedas. La frase poverty line, en principio (para el juego de palabras habitual hay que volver al párrafo anterior), hace referencia al mínimo necesario para que alguien pueda cubrir las necesidades más básicas de la vida, como comida y techo, y si bien el conjunto de la portada está basado en el nombre del disco, el diseño total de ésta (el joker que muestra dos caras, como dos situaciones distintas que dependen de estar por encima o por debajo de esa línea de pobreza) es cosa de Storr.
 |
| Prince Of The Poverty Line |
En Wikipedia leo que el disco es un álbum conceptual, un poco vago, acerca de la decadencia urbana en la Gran Bretaña posterior a MARGARET THATCHER. En la reedición anterior se dice que, fundamentalmente, el disco no es conceptual, pero que las canciones sí tienen en común, como tema de fondo, cómo los políticos han dejado tirados a aquellos a quienes se supone que iban a servir. Yo creo que algo así podría ser suficiente para considerar un disco como un trabajo conceptual, pero sí que es verdad que personalmente no creo que todas las canciones encajen en ese esquema.
Wikipedia también dice que a día de hoy es el disco más vendido del grupo, aunque tengo mis dudas acerca de si esta afirmación sólo se refiere a los años de Skyclad en Noise. Pero sí parece ser considerado el punto álgido de la banda por muchos fans. Dentro de ella hay división de opiniones al respecto, siendo llamativa la de Ridley, que dice que para él este disco es demasiado agresivo y cansado de escuchar del tirón (?). Cierto es que por aquel entonces sólo era el productor y no un miembro del grupo, y supongo que daría su opinión al respecto, pero teniendo en cuenta esta conclusión, dicha labor como productor, y que luego acabaría siendo el mismísimo cantante del grupo, no se hace tan extraño pensar en el cambio de sonido de éste.
Vamos con las canciones.
CIVIL WAR DANCE empieza con un breve sample en el que se escucha a gente en mitad de una batalla. Entra la batería y poco después el bajo, y se escucha una voz diciendo shock the system (no lo tenía del todo claro al principio, pero he visto a gente comentarlo en YouTube). Al medio minuto empiezan a sonar ambas guitarras, pero no es hasta poco después, tras un pequeño silencio, cuando parece arrancar la canción. Digo parece porque empieza una solemne frase de guitarra a la que acompaña el violín de Howell y Walkyer ya ha empezado a recitar sus acusaciones, pero por lo demás todo sigue igual que al principio, hasta que justo antes del minuto y medio todo acelera de manera drástica, con el violín siguiendo a Walkyer o yendo por libre durante el estribillo. Tras dos estrofas hay un solo de violín de Howell y luego otro de guitarra, mezclándose ambos instrumentos poco después. Y vuelta a empezar.
La letra es bastante explícita en cuanto a que expone la codicia humana y la corrupción del sistema, pero el título de la canción y sus primeras frases podrían referirse a un contexto bélico en el que el gobierno parece estar más preocupado por conseguir una efímera gloria internacional en lugar de preocuparse por problemas internos.
Exchange inhuman wrongs for human rights. This underdong not only barks, it bites!
Unas campanas suenan al principio de CARDBOARD CITY, la canción a la que se refiere el nombre del disco, acerca de la pobreza y el anonimato en las calles de Londres (la ciudad de cartulina, en referencia a los cartones que, por desgracia, tan habitualmente usa para pasar menos frío la gente que no tiene donde dormir). Aquí no hay drásticos cambios de ritmo y el riff principal crea una bonita melodía junto a un sintetizador de fondo. Las guitarras y ese teclado siguen a la voz de Martin hasta que el patrón anterior vuelve durante el estribillo (No one dies in cardboard city). Lo que tendría que ser la siguiente estrofa resulta no ser igual que la primera, pero pronto vuelve dicho estribillo, aunque un poco distinto en cuanto a la letra (No one cries in cardboard city), y después un bonito solo de teclado (no me puedo creer que esté diciendo esto), seguido del de guitarra. Al final, una última estrofa compuesta por lo escuchado en las dos primeras, sin el estribillo en medio, aunque los dos anteriores se suceden después. La canción va apagándose con una nueva y bonita frase de guitarra.
Muy a menudo es considerado Martin Walkyer el mejor letrista de todo el heavy metal, y poco menos que un poeta, y es probable que dicha afirmación sea muy cierta. Sólo en esta canción es llamativa la cantidad de frases ingeniosas que hay, por no hablar de los ya mencionados juegos de palabras, siempre elocuentes y bien encajadas dentro de la habitual rima.
Does God watch us from that penthouse high above?
Like lepers we march to the chimes of Big Ben. Exiled and rejected by powers elected, our cries from the gutter don't reach number 10.
Tan geniales como son las dos primeras canciones, ninguna de ellas llega al majestuoso nivel de SINS OF EMISSION (nueva broma partiendo de la famosa frase pecados por omisión), con su imponente asalto (casi thrash metal) inicial mezclado con una rápida e insistente melodía de violín. Ese mismo violín va a lo suyo mientras Walkyer canta, y por improvisado que algo así pueda parecer, el resultado es impecable. Pero nada como la segunda parte de cada estrofa, donde la melodía (ya con la violinista siguiendo al cantante) y el nivel de dramatismo y seriedad conseguidos son insuperables (From my double helix he taunts me, his primal voice roars / I'm a puppet of lust and my instincts are pulling the strings). Espectacular. De los mejores momentos del disco entero.
Tras dos repeticiones viene una parte instrumental distinta, bastante breve y agresiva, que incluye un solo de violín, y después una nueva estrofa en la que la solemnidad predominante toma un tono un poco más festivo, hasta que llega otro de esos impagables momentos como los dos ya comentados (How long can you muzzle this wild brute creation of yours?).
La letra trata de manera bastante cruda y sin medias tintas sobre de los más bajos instintos humanos, mayormente el sexual (podemos hacernos idea de a qué se refiere la palabra emisión del título), e incluye la frase Is throwing the cradle to hell's raging fire more sinful than nursing unacted desires?, que podría tener que ver con el proverbio Sooner murder an infant in its cradle than nurse unacted desires, recogido en la obra de finales del siglo XVIII THE MARRIAGE OF HEAVEN AND HELL, del escritor inglés WILLIAM BLAKE (1757 - 1827). Pero teniendo en cuenta lo que leo sobre esa obra me parece que no, y puede que la afición literaria de Walkyer le haya llevado a inspirarse en el proverbio para crear una frase parecida con otro significado.
Sins of emission - an animal trapped in a civilised mind.
LAND OF THE RISING SLUM (creo que no hace falta comentar de dónde viene el chiste) abre con una extraña percusión y un teclado, antes de que todo el grupo se una a ellos. Más que una canción parece un peculiar recital de poesía con heavy metal de fondo, dado el tono conversacional de la voz de Walkyer, destacando una larguísima diatriba del cantante (I find it hard to sleep at night) que hace las veces de estribillo. Vuelve a haber un curioso solo de órgano, sin más acompañamiento que la batería y los dos elementos del principio de la canción (y con cierto aire hippy y lisérgico, como en la parte del principio), al que sigue un buen solo de guitarra que crea un contraste evidente con lo anterior. Y más de lo mismo, antes de que el tema se apague con varias voces recitando la frase in the concrete mound of the rising slum y dicho final se una al principio de la canción posterior.
Trata sobre lo mal que está el mundo, a todos los niveles, incluyendo un breve parte, supuestamente del tiempo, en el cual el hombre del tiempo (the whether man, en vez de weather, en esta ocasión) dice que la cosa no pinta bien. Brillante.
The whether man says the outlook's not great, a few outbreaks of murder with some isolated rape. I ask my doctor his advice, this is what he says, "Get yourself some cancer boy, before you die of AIDS".
THE ONE PIECE PUZZLE es, por así decirlo, la canción lenta del disco, y en su comienzo todavía se pueden escuchar ecos de las voces del final de Land Of The Rising Slum. Ese principio, con el violín y la guitarra limpia, más un poco de percusión militar de fondo y la posterior entrada de Walkyer, es una maravilla, pero esto no ha hecho más que empezar. La voz (extrañamente suave, y sin que la acompañe el violín) del cantante lleva el tema hasta que se cumple su primer minuto y medio, momento en el que Martin termina de recitar la frase Why is life such a puzzle sometimes? y entran a la vez todos los demás músicos, creando un nuevo y brillante contraste entre ambas secciones. A partir de ahí, la canción avanza con Walkyer volviendo a cantar de manera agresiva sobre los muy potentes acordes abiertos de Pugh y Ramsey y el ir y venir del violín de Howell, que a veces se centra en acentuar la voz de Martin al final de ciertas frases. Hay un solo de guitarra y la canción acaba con la percusión militar de manera aislada. Habrá quien considere esta canción como una balada pero la verdad es que su aire sombrío y agónico la sitúan, me atrevo a decir, en terrenos no muy alejados del doom metal y hay veces que resulta hasta angustioso escucharla, tal es el dolor que expresa.
He aquí un tema con el que todo el mundo se puede identificar, ya que la canción se centra en esos momentos en los que uno cree haber llegado a su límite y nada parece tener sentido. Miedo, vacío y desesperación, y de ahí lo comentado en el párrafo anterior acerca de que, por muy bueno que sea este tema (porque realmente lo es), puede hasta costar escucharla, dado el momento, si se tienen en cuenta algunas frases de Walkyer, que vuelve a salirse como letrista. Si alguna vez (y seguro que muchas más de una) te has sentido desesperado, harto y sin ganas de vivir, que sepas que no estás solo ya que alguien sabe de qué va todo eso. Curiosa la mención bíblica a la mujer de LOT, de quien el libro del GÉNESIS cuenta que se convirtió en columna de sal después de mirar hacia atrás en su huida de Sodoma.
And just like Lot's wife I could never look back.
Trapped in a world I no longer feel part of, each day is a thorn in my side.
Prince Of The Poverty Line sigue transcurriendo de manera casi perfecta y encara su segunda mitad con otra de las canciones más especiales del disco, A BELLYFUL OF EMPTINESS, otro gran ejemplo de la brillante capacidad de Walkyer con las palabras. En esta ocasión se trata de la pobreza, tanto económica ('cause at the end of the tunnel I see a dole queue that's beckoning me) como espiritual (took a second mortgage on my soul to further my schemes), junto con una amarga reflexión acerca del famoso mito del sexo, drogas y rock & roll, tan ligado a la vida del músico.
Pero el atracón de nada al que se refiere el título no se corresponde con el montón de cosas que contiene la canción (además de su genial letra), que consigue unos resultados notables con unos mimbres bastante simples, empezando por la batería del principio y siguiendo por el sencillo riff principal, que se convierte en algo incluso bailable durante las estrofas cantadas por Martin, gracias al hipnótico sonido de un cuello de botella (una flauta quizás?), o algo así. Hay hasta algún momento para el lucimiento de English y su bajo. Pero nada como el largo y genial estribillo, en el cual las guitarras y el violín replican de manera brillante la voz de Martin. Además, algunas de sus frases permiten unos efectivos coros al final de la canción. Tras una parte intermedia y diferente, en la que Walkyer vuelve a poco menos que recitar, llega un solo de guitarra absolutamente genial (lo malo es que no tengo ni idea de qué guitarrista toca cada solo) y el resto es más de lo mismo, hasta llegar a la mencionada parte final en la que los demás miembros gritan las frases bellyful of emptiness y pocketful of nothing, como apoyo al cantante. Y queda mejor que bien, por cierto.
If it's true inside each cloud's a silver lining, why does it shine on other lives and not on mine?
A DOG IN THE MANGER tarda bastante en empezar, ya que durante más de un minuto lo que se escucha es un vaivén de gente en lo que parece ser (según empieza la letra) una estación de metro o de tren, y el sonido de los propios trenes. Cuando empieza la música lo que destaca es el bajo de English y el simpático violín de Howell, que crea la impresión de que un nuevo día, y con él toda su rutina habitual, está empezando. La cosa se pone más seria cuando empieza a cantar Martin, sobre un riff distinto y más agresivo, pero en el momento en que el violín vuelve no puedes evitar la sensación anterior aunque, si tenemos en cuenta la letra, lo que el nuevo día guarda no va a ser nada bueno.
El puente, sin embargo, te pilla por sorpresa por lo extremo del cambio (The city lights have pulled him southward), con la batería de Baxter saliendo de la nada, y el estribillo (también muy breve y, al igual que ese puente, con una letra distinta en su segundo turno) cuenta con los guitarristas y Howell tocando lo mismo, que viene a ser lo que canta Martin.
Muchos cambios en poco tiempo, verdad? Pues aún hay más, ya que cerca del cuarto minuto el tema entra en otra fase totalmente distinta, acelerando bastante para presentar un gran solo de guitarra y, cuando éste termina, lo que tenemos es a Martin cantando otra nueva sección (he stirs from his gin and tamazapam coma) que musicalmente hace que Skyclad se conviertan en IRON MAIDEN tras haber pasado por el gimnasio. Al final aún hay tiempo para repetir los dos estribillos previos, pero mezclados entre sí.
Era hasta cierto punto normal que el disco fuese bajando un poco su altísimo nivel, pero sólo un poco ya que esta canción sigue siendo muy buena, sobre todo durante el minuto que dura la inesperada parte intermedia. En cuanto a la letra, ésta contiene por segunda canción consecutiva la expresión poverty line, y también se puede escuchar la palabra prince, lo que contrasta con lo antes explicado (según el propio grupo) acerca del título del disco y la canción Cardboard City. Lo de dicha canción con respecto al título del disco tiene su sentido, pero más parece tenerlo el enfoque de A Dog In The Manger, la verdad, por no hablar de que la letra contiene dicho título. En cualquier caso, ésta trata de alguien que ha tenido que huir de un hogar roto (alcohol, malos tratos y escasa escolarización) para darse cuenta de que lo que la calle tiene para alguien con esas características es hasta peor.
The boy only wants some attention, he's wasting our time. He'll never survive on his own, for he's no son of mine.
Unos veinticinco años antes de que la expresión antifascismo se pusiese tan de moda, Skyclad ya tenían una canción antifascista de verdad como GAMMADION SEED, acerca del progresivo ascenso del fascismo en Europa hace cerca de un siglo. Y digo de verdad porque el fascismo era esto, y no el que alguien piense de manera distinta a las propias percepciones e ideas de cada uno (lo que viene a ser, paradójicamente, bastante fascista). De cuando ser antifascista era algo lógico y normal entre la inmensa mayoría de la gente con dos dedos de frente, y no una especie de medalla sectaria de la que presumir y con la que distanciarte de quien no piensa como tú, por mucho que las ideas de ese alguien no tengan nada que ver con el fascismo en sí.
Empieza con una guitarra aislada, bastante heavy pero a la vez hipnótica, que desemboca en una buena parte solista inicial, ya con todo el grupo (menos el cantante) en marcha, y el tema en sí es de los más contundentes del disco. Cuando Martin empieza a cantar, el riff y el teclado le siguen, manteniendo ese aire hipnótico anterior, mientras que el puente acelera un poco las cosas. Para el estribillo vuelve el riff inicial sobre el que se desarrollaba aquel solo inicial y tras él un curioso fondo de voces de esos que puedes encontrar en discos de power metal épico y melódico. Sin esperar a que haya un segundo estribillo la canción cambia completamente, primero con protagonismo de English y voces y efectos amenazantes de fondo, y de Walkyer y las guitarras después, hasta que Baxter da por terminada esa sección y entra un corto solo de guitarra que lleva el tema a su casilla inicial. Todo termina con un potente y sencillo final instrumental en el que vuelve a aparecer el fondo de voces y más gritos, como de gente huyendo, que siguen al principio del siguiente tema.
La cruz Gammadion es un tipo de esvástica asociada con la cultura anglosajona medieval.
A Catherine wheel of fire and steel, the death machine in motion.
WOMB OF THE WORM es la canción más larga del disco, llegando casi a los siete minutos de duración. Comienza con los gritos previos, que se mezclan con la primera parte, instrumental y relajada, como si fuese una especie de calentamiento, hasta que cumplido el primer minuto la canción se vuelve más potente e incisiva (nada de folk por aquí e incluso me vienen unos BLACK SABBATH post OZZY a la mente) y Martin empieza a cantar tras (por segunda canción consecutiva) un breve pasaje de guitarra solista. Esto cambia en el puente y otra vez en el estribillo, donde una voz femenina (TERESA FEARIS, según los créditos?) acompaña a Walkyer sobre las guitarras que aparecían al principio del tema. Sin embargo, la segunda estrofa es distinta, más movida, y prescinde del puente para llegar al estribillo. Tras esta segunda parte viene un minuto de sección instrumental con protagonismo de las guitarras, solo incluido, y cierto ambiente árabe, el cual continúa en la siguiente fase, también novedosa y en la que no sólo canta Walkyer. Da la sensación de que esta canción sea una pequeña obra de teatro y, de hecho, en los créditos del disco, cuando se especifica quién hace las voces adicionales de las que hable antes, aparecen el ya nombrado Bray y un tal CRAIG DODDS, entre otros, pero estos dos en concreto van unidos al nombre de un personaje, FATHA y BUSKER, respectivamente, por lo que podría ser éste el tema en el que todo esto se lleve a cabo. No estoy seguro porque la letra de la canción no lo recoge. Después de esto, algo más de guitarra solista y de nuevo lo escuchado en aquella segunda estrofa más vivaz, para que la canción termine con una extraña voz repitiendo el título de la misma.
Sin ser una mala canción, ni mucho menos, sí que es verdad que el estribillo resulta un poco aburrido y si se piensa bien, el lado folk en esta canción tiene que ver, no sé si intencionadamente, con Oriente Medio y no con Europa. Creo que ni se escucha el violín en este tema. La letra es un poco más complicada de interpretar, aunque creo que los temas de fondo son la pedofilia y el abuso de menores, o quizás la compra y venta de niños robados. Algo atroz, en cualquier caso. Se menciona la frase Stabat Mater Dolorosa, que es la primera línea del poema del siglo XIII STABAT MATER, acerca del sufrimiento de MARÍA durante la crucifixión de su hijo.
Killed in their prime - tell me, why were they taken?
Pero el álbum termina de manera brillante con un temazo como THE TRUTH FAMINE, que destaca desde su primer segundo con esa guitarra solista tan solemne y llamativa que flota sobre la guitarra rítmica, el sintetizador y los bombos de Baxter. Recuerdo que este principio me llamó la atención ya la primera vez que escuché esta canción. Se trata de un tema de duración normal, sin llegar a los cinco minutos, pero su estructura, basada en arrancar y parar, acelerar y frenar, hace que se pase volando. A esto también ayudan el casi omnipresente violín (con su propio solo, tras unos pocos segundos de aislado protagonismo para Baxter y English) y lo dramático de la letra, algo acentuado perfectamente por las guitarras y la voz de Martin.
Verdaderamente grande. La angustiosa letra antes mencionada cuenta la historia de un padre de familia que ve cómo se va a quedar sin trabajo debido a que las promesas electorales han quedado en nada y la fábrica en la que trabaja va a cerrar. El hombre se pregunta qué será de sus hijos. Como curiosidad, se nombra algo llamado UB40, que según Walkyer es un libro que te va a costar mucho dejar. Y es que, según leo, ese nombre no se refiere ni al submarino alemán ni al grupo petardo inglés de igual nombre, sino que es el formulario que en su día había de ser completado para conseguir lo que se conocía como The Dole, o subsidio de desempleo (ahora llamado Jobseeker's Allowance). De ahí la broma de aire macabro.
También se mencionan los astilleros de Newcastle y las minas de Notthingam, ciudades de procedencia de Skyclad y Sabbat (las dos bandas más conocidas de Martin), respectivamente.
Election day promises now null and void, they'll never rest 'til we're all unemployed.
El disco llega hasta aquí, pero desde 1994 algunas ediciones ya traían una canción extra llamada BROTHERS BENEATH THE SKIN (de hecho, alguna de ellas también venía con versiones en directo de los temas The Widdershins Jig y The Cradle Will Fall, del primer disco, pero creo que son las mismas que ya habían aparecido en el single THINKING ALLOWED, extraído de Jonah's Ark). Este tema sería el más breve de todo el conjunto de no ser por Sins Of Emission y resulta una canción de folk metal bastante directa y sencilla, con un omnipresente violín (que a veces toca el mismo riff que las guitarras) y un estribillo con coros en plan pandillero. Tiene también una potente sección instrumental intermedia y a mí, en general, me gusta bastante. Dista de ser el típico descarte cutre y si me aprietas podría hasta preferirla a una o quizás dos de las canciones previas.
La letra me resulta muy difícil de interpretar y no llego a saber el significado global de la misma, ya que el final sí parece dejar claro que habla de los europeos llegando al continente americano, pero también se habla de pobreza, creo, e incluso se menciona al comunismo, a MARX y a LENIN, pero no sé en qué sentido. Cualquier información se agradece. De todas formas, mirando un poco más, es posible que lo que he interpretado como llegada al nuevo continente sea más bien la relación colonial entre Inglaterra e India, y que la letra se refiera a eso y al trato entre colonos y nativos. Todo parece venir de un libro que Martin había leído y que es probable que sea THE DEATH OF THE KING'S CANARY, de DYLAN THOMAS y JOHN DAVENPORT, publicado alrededor de 1940, y que debe contener un poema de igual nombre al de la canción.
They were doing very nicely till the white gods came in ships.
Y eso es todo. Se trata de un disco bastante conseguido que tiene como única pega, por decir algo, el sonido un tanto hueco de la batería, aunque estos temas relativos a cómo suena el producto acaban siendo un tema personal de cada oyente. Y bueno, no es un disco perfecto, ya que eso son palabras mayores y, como he dicho, alguna canción baja un poco el nivel. Personalmente prefiero, al menos a priori, la mayor agresión del primer álbum, donde, además, los temas más veloces eran mayormente la norma y no la excepción, lo que da lugar a un protagonismo mayor de la batería. Pero también es verdad que el nivel compositivo de este disco es difícil de igualar, incluso por aquel primero, y supongo que lo que Skyclad pretendían llegar a ser como grupo encuentra su máxima expresión aquí. Al menos en lo que a grupo netamente de heavy metal se refiere. De lo posterior, cuando tras su etapa con Noise el grupo fue dejando que la balanza se inclinara hacia el lado del folk en detrimento del metal, ya no puedo hablar.
Seguramente hubo algún grupo previo a Skyclad que probó a unir heavy metal y folclore europeo, pero creo que éste supuso un antes y un después en un género que terminó engendrando decenas de bandas, aunque no creo que haya habido ninguna con el mismo impacto. Si te gusta el heavy metal de corte clásico, que a ratos y según discos tiende también al speed y al thrash metal, los primeros discos de Skyclad son para ti. Si, además, te hace la combinación de lo anterior con el folclore, más aún, aunque hay que tener en cuenta que esto último se refiere más a la música que a las letras, ya que Skyclad irían dejando a un lado los textos sobre mitos y folclore, siendo un grupo bastante político, como ya se ha visto.
Todas estas cosas, como siempre, son cuestión de gustos.
Y una última cosa. Desde el debut de Skyclad y hasta el año 2000, cuando se editó el último disco del grupo con Martin en sus filas, sólo 1998 vino y se fue sin que editaran material nuevo. Pero ese año sí que apareció, en una muy limitada edición de doscientas copias (algunas de ellas se regalaron en algunos shows en Alemania durante la gira de presentación de THE ANSWER MACHINE?, el disco de 1997), un curioso EP llamado OUTRAGEOUS FOURTUNES, que contenía cuatro reinterpretaciones acústicas de temas previos del grupo entre las que se incluían Land Of The Rising Slum y Sins Of Emission. Esas canciones están también disponibles, como material extra, en el disco en directo llamado ANOTHER FINE MESS que el grupo sacó en 2001, con su actuación en el holandés festival DYNAMO de 1995.
Hasta otra.
ENGLISH
WAYWARD SONS OF MOTHER EARTH was the record SKYCLAD started their career with, back in 1991, soon after their singer and lyricist MARTIN WALKYER had parted ways with english thrash legends SABBAT, and also was my first choice, and maybe the easiest one (not in vain is the album of theirs which is more in compliance with the kind of music I'm most fond of, and the one which is closer to Martin's work with Sabbat) to talk about Skyclad. I'm going to leave it on the back burner for a while, so that I can devote a good deal of time to write about the also great PRINCE OF THE POVERTY LINE, fourth album by the Newcastle combo, released in 1994.
Everything pertaining Skyclad's beginnings was already discussed on SABBAT. I know is a very long piece, but those interested can use it to read a thing or two about Walkyer's departure from Sabbat, Skyclad's early years and the unavoidable comparisons between both bands as well. And much more.
But, in order to sum it all up and start the review, let's say that Skyclad had begun their journey in 1991, with an album boasting a spirit and an atmosphere akin to those already seen with Sabbat (pagan and mystical themes), but throwing into the mix Martin's witty puns and a fierce onslaught on the abusive human condition concerning everything which surrounds it. The music was deeply rooted in old school heavy metal, still leaning on speed and thrash metal, but also including a first song featuring the fiddle, which would open the floodgates to the band's later sound and to no less than a whole genre, folk metal. Said song was THE WIDDERSHINS JIG, but the album's most defining moments were to be found in songs such as OUR DYING ISLAND or THE CRADLE WILL FALL.
They came back the next year with the EP TRACKS FROM THE WILDERNESS (which opened with a great cover of THIN LIZZY's classic EMERALD), but mostly with A BURNT OFFERING FOR THE BONE IDOL, an album similar to the previous one, in principle, but not completely. They had slowed down a notch and the folk thing was more present, above all in tunes like SPINNING JENNY (one of their best known songs) or R' VANNITH. Moreover, on both releases were featured the new recruits, second guitar playe DAVE PUGH and fiddler and keyboardist FRITHA JENKINS, both of them as permanent fixtures. Later on I'll mention the rest of the crew, for all remaining four members were there since the beginning and still on Prince Of The Poverty Line. A very good album this second one as well.
Another year goes by and another album sees the light, JONAH'S ARK this time (1993). When reading reviews of Skyclad's albums one can notice that very often people get judgmental with the fact that this band released albums so quick, which to many means they were not properly crafted, resulting in a good deal of fillers. Apparently, this inclination got worse as time went by. That is just a personal opinion, of course, and, as I said on Sabbat's piece, apart from a few exceptions, I have only listened to Skyclad's first five albums, the ones they recorded with NOISE INTERNATIONAL (the last one, which follows the subject of this review, was THE SILENT WHALES OF LUNAR SEA, from 1995), but is also true that between 1991, when the first one came out, and 2000, when the last album Walkyer did with them was released, this band put out ten studio albums and two EP's, which means an insane amount of work. Again, to each their own, but there are enough reasons to think so much work could have gotten them burnt out, thus affecting the quality of their output. In this regard, this third album (together with the fifth one) is the one among the first five to which all this more deeply applies, although I would not go too far. It's another fine record (so is the fifth one), maybe not as good as the other two, concerning which my main issue is the band's ongoing slowing down. Still metal though, but less intense and with more folk leanings (a constant after the Noise days).
It's only fair to say that all that applies to the music, but hardly to the lyrics, for is praiseworthy to release an album, go out on tour, write more songs and release another record in only a year time, when Martin's texts are so long (very often), clever and well crafted.
Let's go on. The logical step and the most expected one would have been following this worrying trend, but the geordies pulled this Prince Of The Poverty Line (1994), their fourth album in as many years, out of the hat. This record retains the band's folk side while getting heavier to the point that is very likely to be Skyclad's heaviest record together with the first one. Not necessarily fast, as in a bunch of bursts on the first record, but even heavier than the second one. Or at least that's how I perceive it.
Prince Of The Poverty Line hit the shelves on the 22nd of March, 1994, through Noise, and was recorded in Newcastle (LYNX studios), being mixed at famed ROCKFIELD studios in Monmouth (Wales). The line up consisted of all four original members (ex SATAN, GRAEME ENGLISH and STEVE RAMSEY, on bass and guitar, respectively, the already mentioned Martin Walkyer and the sadly deceased drummer KEITH BAXTER), second guitarrist Dave Pugh and fiddler and keyboardist CATH HOWELL, who replaced Fritha Jenkins. Actually, she had already replaced her during the previous tour, when Jenkins got pregnant, but with the idea of giving Jenkins the gig back in the near future, something that did not happen for Jenkins refused to come back to the fold and Howell became a permanent member. She did not last, being herself replaced (she wanted to carry on with her studies) by GEORGINA BIDDLE in 1995, when the time was right to record the fifth album (after which Pugh and Baxter jumped ship as well and everything began to go wrong, although that is another story). But it was no coincidence that the three of them were women. That is what the band wanted, although I do not know why.
There are more participants (among them, one TONY BRAY, former VENOM drummer, also known as ABADDON, who back then was part of Skyclad's management), doing backing vocals and so on, and all songs were written by the Ramsey (music) / Walkyer (lyrics) tandem. The album was again produced by KEVIN RIDLEY (also the engineer), who had already produced the whole body of work of the band since its inception, and in fact would go on to produce, as far as I know, every Skyclad album until at least FOLKÉMON (2000), last album with Walkyer. Curiously enough (or maybe not so), he would also be the one to replace Martin as Skyclad's singer when he left, once he had already joined the band as a guitarrist for the recording of VINTAGE WHINE (1999), having even toured with Skyclad in previous years with the band he was with at the time.
Martin Walkyer himself is the person behind the album's title, based on one of the tracks (about poverty in the streets of London) and, according to what English says in the booklet for 2017 reissue, the word line relates to the London's tube, which only seems to lack a poverty line running through the city's downtown.
The front cover was drawn by DUNCAN STORR, who had already worked with Skyclad, and it shows a wore down playing card on top of a pile of coins. The words poverty line, in principle (for the usual pun see the previous paragraph), relate to the minimum income one person needs to afford the most basics things in life, such as food and a roof to sleep under and, as much as the cover is supposed to be based on the album's title, the whole idea for the artwork (two-sided joker, depending on which side of the poverty line he's on) is Storr's.
Wikipedia says this is a loose concept album based on the urban decay in Great Britain, once MARGARET THATCHER ceased to be the prime minister. On the 2017 reissue is said that, basically, this is not a concept album, but that all the songs share as the background the feeling of how politicians had let those who were supposed to be served by them down. I think that's enough to consider an album as a concept one, but is also true that, as far as I am concerned, not every song fits that description.
Wikipedia also says that this album remains Skyclad's best selling one, although I am in doubt, for that statement might as well be only accurate if we talk about their Noise days. But there seems to be a good deal of consensus among the fans about it being Skyclad's best work. Such consensus cannot be found within the band, being Ridley's opinion about this matter quite remarkable. He says he considers this album too aggressive and tiring to be listened to in one sitting (?). Truth is, he was just the producer back then, and not a full time member of the band, and I guess he had his say about it, but keeping this statement in mind, his own work as producer and the fact that he would end up being Skyclad's singer, it comes as no surprise at all the band's change in sound.
Let's review the songs.
CIVIL WAR DANCE opens with a short sample of people fighting amidst a battle. Enter the drums and then the bass, right away, plus a voice which says shock the system (I wasn't sure at first, but people on YouTube seem to agree). Thirty seconds into the song and along come the guitars, but it's not after a brief silence, when the song seems to begin. And when I say seems I mean it, because there's this imposing guitar melody, joint by Howell's fiddle, and Walkyer has already begun to express his accusations aloud but, apart from that, nothing has changed, until the burst of speed which takes place at 1'30'', with the fiddle following Walkyer or freelancing during the chorus. After two verses there's a fiddle solo and a guitar one, and those instuments melt afterwards. And back to square one.
The lyrics are quite explicit when exposing both the human greed and the system's corruption, but the song's title and its first lines could talk about a context of war in which the powers that be seem to be more worried about achieving a momentary international glory instead of real inner problems.
Exchange inhuman wrongs for human rights. This underdong not only barks, it bites!
Some bells introduce CARDBOARD CITY, the song the album's title relates to, about poverty and anonymity in the streets of London (the cardboard city, with regard to the cardboards which, unfortunately, are so often used by homeless people to mitigate the cold). There are no drastic pace changes to be found here, and the guitar riff creates a nice melody, helped by a background synth. Both guitars and that synth follow Martin's voice, until the previous pattern comes back during the chorus(No one dies in cardboard city). What it was supposed to be the second verse is different from the first one, although the chorus is repeated soon, with a slight difference in the lyrics (No one cries in cardboard city), and afterwards there's a beautiful keyboard solo (I can't believe I just said that), followed by the guitar one. At the end, a last verse comprised of what has been heard in the previous two, with no chorus in between, although the previous two come after. The song slowly fades with a new and beautiful guitar line.
Very often is Walkyer hailed as the best lyricist in all metal, and little less than an actual poet, and deservedly so. It is quite remarkable the amount of witty sentences, let alone his famous puns, to be found in this song, always eloquent and well fitted into the usual rhyme.
Does God watch us from that penthouse high above?
Like lepers we march to the chimes of Big Ben. Exiled and rejected by powers elected, our cries from the gutter don't reach number 10.
As good as the first two tracks are, none of them reach SINS OF EMISSION's majestic level, with its impressive quasi thrash metal assault mixed with a fast and persistent fiddle line. That fiddle does its own thing while Martin sings and, as unscripted as something like that may seem, the outcome is flawless. But nothing like the second part of each verse, where the melody (with the fiddler already following the singer) and the drama and gravity achieved are second to none (From my double helix he taunts me, his primal voice roars / I'm a puppet of lust and my instincts are pulling the strings). Awesome. One of the best moments of the whole record.
After two repetitions along comes a new instrumental section, short, defiant and in your face, which includes a fiddle solo, and after that another verse in which the previous solemnity gets a tad merrier, until we have another of those priceless moments like those two already commented (How long can you muzzle this wild brute creation of yours?).
The lyrics deal with our lowest instincts (the sexual one, mostly) loud and clear and in a very harsh way (we all can figure out what the word emission in the title means), and contain the line Is throwing the cradle to hell's raging fire more sinful than nursing unacted desires?, which could have something to do with the proverb Sooner murder an infant in its cradle than nurse unacted desires, found in the late XVIII century book THE MARRIAGE OF HEAVEN AND HELL, by english writer WILLIAM BLAKE (1757 - 1827). But taking what that book is all about into account I would say no, and perhaps Walkyer's penchant for english literature could have led him to use that proverb as inspiration for a similar sentence with a different meaning.
Sins of emission - an animal trapped in a civilised mind.
LAND OF THE RISING SLUM (the joke tells itself, I think) opens with a weird percussion and some keyboards, before the whole band joins. More than a song it feels like some peculiar poetry recital with heavy metal in the background, given Martin's voice conversational tone, with a long tirade by the singer, which also works as the chorus, as the standing out moment (I find it hard to sleep at night). There's another strange organ solo (with that hippie and lysergic flair, as in the beginning) followed by a very good guitar one which contrasts with the earlier section. And more of the same before the song slowly fades with several voices reciting the line in the concrete mound of the rising slum and that ending melts with the beginning of the next song.
It's about how badly everything is, at all levels, including some kind of short weather forecast in which the weather man (the whether man in this occasion) says things are not looking good. Brilliant.
The whether man says the outlook's not great, a few outbreaks of murder with some isolated rape. I ask my doctor his advice, this is what he says, "Get yourself some cancer boy, before you die of AIDS".
THE ONE PIECE PUZZLE is, so to speak, the album's slow track, and there are still some echoes from the voices at the end of Land Of The Rising Slum to be heard in the beginning. Said beginning, with the fiddle, clean guitar, some military percussion and Wakyer's singing is a wonder, but this has only just begun. Martin's voice (strangely soft and with no fiddle around) takes the song until its first minute and a half is gone, when he asks Why is life such a puzzle sometimes? and the rest of the musicians join in yet another beautiful contrast between both sections. From then on it all progresses with Martin usual aggressive voice over Pugh and Ramsey's very heavy open chords and the toing and froing of Howell's fiddle, which sometimes focuses on emphasizing Martin's singing at the end of some lines. There's a guitar solo and the tracks ends with that military percussion, but isolated this time. I'm pretty sure some consider this song some kind of power ballad or somethink like that, but truth is, its bleak and agonizing atmosphere place it, I dare say, very close to doom metal territory, and sometimes is even distressing to listen to it, such is the pain it conveys.
Here is a subject everyone can relate to, for this song focuses on those moments when you think you've reached your limit and nothing seems to make sense. Fear, emptiness and despair, and hence what I just said about a song which, no matter how good it is (because it really is very good), can get even difficult to listen to, at one point, if some of Martin's lines (excelling here as a lyricist once again) are kept in mind. If you've ever felt hopeless, lonely and with no will to carry on (probably more than once), know you're not alone and that someone knows what you're going through. As a curious fact, there's a biblical mention to LOT's wife, about whom the book of GÉNESIS says she turned into a pillar of sand when she looked back when running away from Sodom.
And just like Lot's wife I could never look back.
Trapped in a world I no longer feel part of, each day is a thorn in my side.
Prince Of The Poverty Line moves forward on its almost flawless path and faces its second half with another one of the most special songs on it, A BELLYFUL OF EMPTINESS, another fine example of Walkyer's amazing skills with words. This time this is about poverty, both monetary ('cause at the end of the tunnel I see a dole queue that's beckoning me) and spiritual (took a second mortgage on my soul to further my schemes), together with a bitter reflection on the famed myth of sex, drugs and rock & roll, so tied to the lifestyle of a musician.
But that bellyful of emptiness the title suggests does not match the pile of riches the song has (besides its lyrics), achieving remarkable results with very simple material, starting with the drums in the beginning and following with the simple main riff, which becomes something you can even dance to during Martin's sung verses, thanks mostly to the hypnotic sound of the neck of a bottle (a flute, perhaps?), or something like that. There's even a moment for English to show his chops on bass guitar. But nothing as good as the song's long and brilliant chorus, in which both guitars and fiddle replicate the vocals. And besides, some of the chorus' lines allow some gang vocals at the end of the song. After a different middle section, in which Martin pretty much recites, comes a wonderful guitar solo (too bad I don't know what guitarrist is playing which solo) and the rest is more of the same, until that final part with those gang vocals I mentioned, which scream the words bellyful of emptiness and pocketful of nothing as backing vocals. With great results, by the way.
If it's true inside each cloud's a silver lining, why does it shine on other lives and not on mine?
A DOG IN THE MANGER takes very long to begin, because for more than one minute what is heard is the coming and going of people in what seems to be (aacording to the beginning of the text) a train or subway station, and the sound of the trains themselves. When the music begins English' bass and Howell's fiddle stand out, the latter with a funny melody that makes you feel as if a new day was beginning and with it, its usual routine. It all gets more serious when Martin begins singing over an aggressive guitar riff, but the moment the fiddle sounds again you can't help having the same previous feeling although, according to the lyrics, what the new day holds is not going to be any good. The bridge takes you by surprise, given the sudden and drastic change (The city lights have pulled him southward), with Baxter's drums hitting hard out of the blue, and the refrain (also short and, as the bridge, with a different text in its second repetition) has both guitar players and Howell playing the same, which is actually what Martin sings.
Too many changes in so little time, right? Well, there's more. Close to the fourth minute mark the song ventures into a completely different section, speeding things up to introduce a very good guitar solo and, when that solo is over, what we do have is Martin singing what is yet another new part (he stirs from his gin and tamazapam coma) which music-wise makes Skyclad become IRON MAIDEN on steroidas. Both previous choruses sound again at the end, but mixed with one another.
To some extent it's understandable that the album lowers the bar of its magnificent quality sooner or later, but only a little, because this song is still quite good, mostly during its unexpected middle section. Concerning the lyrics, this is the second song in a row which features the expression poverty line, and there's also the word prince, which contrasts what has been already explained (according to the band themselves) about the album's name and Cardboard City. That second song's relationship with the title makes sense, but not as much as the approach in A Dog In The Manger seems to make, let alone the fact that the album's whole name is included in this song's lyrics. In any case, this is about some kid who runs away from a broken home (booze, abuse and poor schooling) to realize that what the streets have in store for someone with his traits look even worse.
The boy only wants some attention, he's wasting our time. He'll never survive on his own, for he's no son of mine.
Around twenty five years before the expression antifascism got trendy, Skyclad already had a true antifascist anthem, like GAMMADION SEED, about the ongoing rise of fascism in Europe almost a hundred years ago. And I say true because that is what fascism was, and not thinking different from one's own percepctions and ideas (which, ironically, is quite fascist). This is from the times when being antifascist was the expected and logical thing among normal sensible people, instead of some sectarian badge with which someone can brag about and separate themselves from those who think different, no matter how removed their ideas from actual fascism are.
It starts with an hypnotic and isolated heavy guitar which flows into a good lead guitar, with all the band in tow (but the singer), and the overall track is one of the heaviest on the record. When Walkyer starts singing, the guitar riff and the keyboards follow him, keeping that previous hypnotic atmosphere, while the bridge speeds the procedures up a notch. In comes the chorus, over the riff featured in the lead guitar part of the beginning, and afterwards some weird backing vocals the likes of which you can found on epic and melodic power metal records. Without the need for a second chorus everything changes, firstly with English's prominence and some menacing effects and voices in the background, and secondly with Walkyer and the guitars, until Baxter terminates this section and there's a short guitar solo which takes the song to square one. At the end you can find a heavy and simple instrumental ending with the previous backing vocals and more screaming, as if people were running away from something, and those screams start the next track.
The Gammadion cross is some kind of swastika linked to the medieval anglosaxon culture.
A Catherine wheel of fire and steel, the death machine in motion.
WOMB OF THE WORM is the album's longest song, clocking in at almost seven minutes. The screams which closed Gammadion Seed mix with the first section, a relaxed and vocals-less one, until it all gets heavier and sharper after one minute (no folk around here and even BLACK SABBATH, post OZZY, come to mind) and Martin starts singing after (again) another lead guitar. This changes during the bridge and also in the chorus, where a female voice (TERESA FEARIS, according to the credits?) sings with Walkyer over the guitars heard at the beginning. However, the second verse is different, livelier, and gets rid of the bridge to reach the chorus. After all this, enters an instrumental section ruled by the guitars, solo included, and some arabian atmosphere, which still can be noticed during the next part, also new, where Walkyer is not the only singer. This song feels like a little stage play and, in fact, in the credits of the album, when those who do additional vocals get mentioned, the aforementioned Bray and some CRAIG DODDS, among others, can be found, but these two have their names linked to a character's name, FATHA y BUSKER, respectively, so maybe this is the track in which all this happens. But I'm not sure, for the lyrics say nothing about it. Some more lead guitar and again what was listened during the second, livelier verse, only for the song to end with a strange voice which repeats the name of the song.
Not a bad song, mind you, but, if I'm honest, the chorus gets a little bit tiring and, now that I come to think of it, the folk parts in this song have to do (I don't know whether on purpose or what) with the Middle East instead of Europe. I think there's not a single fiddle to be found here. The lyrics are a tad more compicated to understand but the background themes might be pedophilia and child abuse, or maybe child trafficking. Something atrocious in any case. The expression Stabat Mater Dolorosa gets mentioned, being it the first line of the XIII century poem called STABAT MATER, about MARIA's pain during her son's crucifixion.
Killed in their prime - tell me, why were they taken?
The record ends on a high note with a belter like THE TRUTH FAMINE, which takes no prisoners from the get go with that majestic lead guitar hovering over the rhythm guitar, the synth and Baxter double bass kicks. It drew my attention from the very first time I listened to it. It is a very normal song, length-wise, lasting less than five minutes, but its structure, focused on a starting and stopping, speeding up and slowing down basis, makes it a blink and you'll miss it affair. It is helped by the almost ubiquitous fiddle (with its own solo, after a few seconds of English and Baxter's isolated spotlight) and the drama told by the lyrics, nicely enhanced by the guitars and Martin's voice.
Very good indeed. The distressing lyrics tell the story of a family man who foresees a near future of unemployment, due to some unfulfilled electoral promises which will end up in the closure of the factory he works in. He wonders what the fate of his children will be. As a curious factor, something called UB40 gets mentioned in the text, which, according to Walkyer is a book that you'll find very hard to put down. After some research I read that name does not refer neither to the german submarine, not to the cheesy english band of the same name, but to a form which, back in the day, needed to be filled to benefit from The Dole, a payment for the unemployed (now known as Jobseeker's Allowance). Hence the macabre joke.
Newcastle's shipyards and Notthingam's pits get mentioned as well, being those two the cities where Skyclad and Sabbat came from (Walkyer's best known bands), respectively.
Election day promises now null and void, they'll never rest 'til we're all unemployed.
That was the last song, but since 1994 some editions came with a bonus track called BROTHERS BENEATH THE SKIN (in fact, some of them also bring with live takes of The Widdershins Jig and The Cradle Will Fall, from the first album, but I think those versions are the same which had already been on the single THINKING ALLOWED, from Jonah's Ark). This is the shortest song of the whole bunch, only second to Sins Of Emission, and it happens to be straight and simple folk metal, with another omnipresent fiddle (which plays the same guitar riff sometimes) and a gang vocals chorus. There's also a powerful middle section and I, for one, like it a lot. It's far from being the usual sub-par throw away and, if pushed, I might choose it over one or two songs of the previous songs.
The lyrics are difficult to understand and I'm still not sure about the global meaning, because the ending seems to be clear about europeans reaching the new world, but this is also about poverty, if I'm not mistaken, and the lyrics even mention communism, MARX and LENIN, but I don't know in what sense. Any info is welcome. But anyway, doing further reading, is very likely that what I've just deemed as the american continent might as well be the relationship between England and India, and that is what the song could be about, and also the interaction between settlers and natives. It all seems to come from a book which Martin had read and which is very likely to be THE DEATH OF THE KING'S CANARY, by DYLAN THOMAS and JOHN DAVENPORT, published around 1940, and which includes a poem named like this song.
They were doing very nicely till the white gods came in ships.
And this is all that there is. A very well-rounded album is what we are talking about. Flaws? To name just one, maybe the somewhat hollow sound of the drums, but these issues about how the final product sounds end up being just a matter of every listener's personal tastes. It's not perfect, for that is too big a word, and, as I've said before, one song or two lower the bar a little. If you ask me I personally champion, at least in principle, the heavier aggression of the first album, where faster songs were the rule and not the exception, something which means more prominence for the drums. But at the same time is also true that the quality of songwriting here is difficult to match, even by that first record, and I guess that Skyclad found with this album what they truly wanted to achieve as a band. At least as a purely heavy metal band. About the post-Noise albums, when they allowed their folk side, rather than the metal one, to overcome the balance, I cannot talk.
There has been, most likely, some bands which tried to blend heavy metal and european folklore before Skyclad, but I think there is a before and after with Skyclad in a genre which ended up spawning myriads of bands, but I don't think there has been any with the same level of impact. If you fancy old school heavy metal, which depending on the album and the moment, still leans on speed and thrash metal, early Skyclad are for you. If you also dig the combination of the previous with folk, more so, but let's keep in mind that the folk thing is found in the sound, rather than within the lyrics, because Skyclad were to leave stories about myths and folklore behind, being a quite political band, as already seen.
But as always, this is a matter of tastes.
Just one last thing. Since teir debut and up to 2000, when their last album with Walkyer in their ranks was released, only 1998 came and went without Skyclad releasing any new stuff. But that year, a very weird artefact saw the light of day, and in a very limited edition of just two hundred copies (some of them given away for free at german shows during the tour presenting their 1997 album, THE ANSWER MACHINE?). That release was the EP called OUTRAGEOUS FOURTUNES, which was comprised of four acoustic versions of early Skyclad's songs, among which Land Of The Rising Slum and Sins Of Emission were found. Those song are also available, as bonus tracks, on the live album named ANOTHER FINE MESS which the band released in 2001, with their show at dutch festival DYNAMO in 1995.
Bye.
Comentarios
Publicar un comentario
Comenta si te apetece, pero siempre con educación y respeto, por favor. Gracias!
Have your say if you want to, but always be polite and respectful, please. Thanks!