CLINT EASTWOOD IV: LOS AÑOS NOVENTA: WILLIAM MUNNY, EL CONDADO DE MADISON Y EL APLAUSO DEFINITIVO

Los noventa serían una década diferencial para él, con una agenda menos apretada en ambas facetas de actor y director (sobre todo teniendo en cuenta los años setenta), y proyectos más personales y desde luego mucho más redondos que los de los ochenta. Pero no empezarían de la mejor manera. Lo primero fue WHITE HUNTER, BLACK HEART (CAZADOR BLANCO, CORAZÓN NEGRO), estrenada en 1990, en la que Eastwood dio vida a JOHN WILSON, un director de cine aficionado a la caza y empeñado en rodar en África, y que vendría a ser el alter ego de JOHN HUSTON durante el rodaje de su famosa película THE AFRICAN QUEEN (LA REINA DE ÁFRICA, 1951). Se trata de una adaptación de la novela en clave de igual nombre que PETER VIERTEL había escrito en 1953. Para quienes desconozcan el término (entre ellos yo, hasta hace unos minutos), se trata de una novela sobre hechos verídicos con una capa de ficción sobre ellos, siendo la metafórica clave la relación explícita o no entre ficción y realidad. Viertel había participado en el rodaje de la peli de Huston, en una época en la que las películas americanas rara vez se rodaban fuera de Estados Unidos (ésta se rodó en Zimbaue), y los personajes de este film (también dirigido por Eastwood) son personas reales que a su vez participaron (incluidos el propio Viertel, KATHERINE HEPBURN y HUMPHREY BOGART) en aquel rodaje, pero con nombres ficticios. Entre los nombres más conocidos del reparto destacan un entonces bastante joven TIMOTHY SPALL, reputado actor inglés, y la modelo y actriz americana MARISA BERENSON, quien en 1975 había aparecido en la genial BARRY LINDON, de Kubrick.

En buena compañía

La película volvió a fracasar en taquilla, además de forma rotunda, pero esta vez sí que hubo buenas críticas, que destacaron que el Eastwood director había superado sus metas como actor, aunque también se habló de una buena interpretación que iba más allá de las particularidades de Huston. A mí no me dijo gran cosa. Me pareció una peli correcta pero no excesivamente brillante, además de tener un final un poco forzado, aunque tampoco sé qué cosas de las que se cuentan pasaron o no en realidad. Sí que recuerdo que el personaje de Eastwood destacaba por su completo egoísmo, siendo un egocéntrico capaz de movilizar algo tan grande como el rodaje de una película así, sólo para salirse con la suya en algo que ni siquiera tenía que ver con la propia peli.

Lejos de ser su mayor logro, en mi opinión, pero al menos valorada por los críticos, todo lo contrario que su siguiente paso.

John Huston?

Que sería THE ROOKIE (EL PRINCIPIANTE), una buddy movie de acción dirigida por él, en la que se acompañó del afamado CHARLIE SHEEN y que también se estrenó en 1990. Ambos interpretaban a una atípica pareja de policías (NICK PULOVSKI, veterano y DAVID ACKERMAN, novato) empeñada en desmontar los tejemanejes de un mafioso alemán en Los Ángeles. Más nombres conocidos en aparecer fueron los de RAÚL JULIÁ, SONIA BRAGA, LARA FLYNN BOYLE o TOM SKERRITT.

Nuevamente, si no recuerdo en exceso la película, lo normal es que eso no sea una buena señal. Nunca me ha gustado Charlie Sheen, más allá de la serie TWO AND A HALF MEN (DOS HOMBRES Y MEDIO), y no sé si por él o a pesar de él, y recuerdo que su química con Eastwood era inexistente. En cuanto a éste, creo que este tipo de acción a lo bestia, lleno de persecuciones con coches y todo eso (creo que el número de especialistas de acción del rodaje pasaba del doble de los actores), le quedaba a esas alturas de su carrera un poco excesivo, por mucho que se empeñase en hacer sus escenas él mismo. Algo, por cierto, de lo que había que convencerle para que no lo hiciera, porque por mucho que aún pudiese, cualquier incidente podría suponer tener que suspender el rodaje. Me alegra decir que ésta sería la última peli de este tipo de su carrera. Y ésta es una afirmación personal que no sé si será compartida o no, ya que aún actuaría en películas posteriores que podrían quizás ser clasificadas (al menos parcialmente) como de acción, pero sin ser gamberradas como ésta.

Y es que si todavía el guion ayudase, la película podría despegar. Pero no. No recuerdo nada llamativo de la cinta y estoy pensando que quizás pueda superar a El Cádillac Rosa para mal, ya que de ésta sí recuerdo cosas. Por no recordar, y esto sí que es extraño, ni recuerdo la polémica escena en la que Sonia Braga viola (?) a Eastwood, que parece ser de lo poco que se comentó de esta película. Esto evitó poner el foco sobre otra escena polémica del film, de la que tampoco me acordaba y que no voy a comentar por no arruinar la trama.

Clint junto a Sheen, tiempo antes de que éste
interpretara al famoso Charlie Harper

Hablando de Braga, decir que esta actriz, brasileña, y Juliá, portorriqueño, daban vida al matrimonio de mafiosos alemanes, lo que resultó un poco ridículo y también polémico. Por cierto, que si a día de hoy le da a Eastwood (o a cualquiera) por poner a dos alemanes a interpretar a una pareja latina, se acaba el mundo.

Esta cinta volvió a recaudar por debajo de su presupuesto y las críticas, quitando las relativas a los efectos especiales y las escenas de acción, fueron malas. Hubo quien dijo que lo de Braga y él había sido la escena de peor gusto de toda la carrera de Clint y no faltó quien habló de Harry Callahan en su entrega número cinco y medio (venga, eso no). En general se comentaba cómo casi todo el mundo parecía estar desaprovechado y que no hubiese nada que distinguiese esta peli de todas las demás del género. En mi opinión, no hay forma de que esta cinta resista una mínima comparación con, por nombrar un ejemplo fácil, cualquier entrega de Arma Letal. Ni de lejos.

Eso sí, a pesar de no ser esta cinta el mejor ejemplo que se pueda usar, he leído una crítica sobre ella que es bastante acertada, al menos para otras pelis menores de Eastwood y para el cine sin más pretensiones que el entretenimiento: Una aventura deliberadamente estúpida que apunta a lo intolerable y da en la diana. Estamos hablando de diversión chorra, así que olvida tu cerebro, saca unas birras y ya está todo hecho. Como ya dije cuando hablé de El Cadillac Rosa, no está mal recurrir a esto de vez en cuando.

Pulovski tocándole las pelotas a un auténtico teutón

Pero hasta ahí podía llegar esta relativa caída en desgracia comercial (y en algunos casos crítica) de Eastwood. En 1991 no hubo ningún estreno suyo, pero a partir de 1992 Clint encadenaría una muy buena racha que, con unas pocas excepciones, llegaría hasta el día de hoy. Al menos en cuanto a los resultados artísticos y de crítica (que no siempre los comerciales) y siempre según mi criterio, claro está. Además, sus trabajos le traerían un mayor aprecio de la crítica y le proporcionarían un estatus como cineasta del que apenas había disfrutado aún.

Todo empezaría con el aclamado y genial western UNFORGIVEN (SIN PERDÓN), estrenado en 1992 y que él mismo dirigiría e interpretaría (además de producirlo). Eastwood es WILLIAM MUNNY, un granjero camino de la tercera edad y con un pasado como sicario que lo atormenta, que terminará aceptando un último trabajo. Es lógico que, tratándose de una carrera tan larga y exitosa como la de Eastwood, no hayan sido pocos los grandes nombres que se han asociado al suyo en pantalla, pero creo que el de Sin Perdón puede ser el reparto de mayor rango de todos, ya que junto a Clint aparecen nada menos que MORGAN FREEMAN (no se sabe de ningún comentario de Spike Lee al respecto), RICHARD HARRIS y GENE HACKMAN. Ninguno necesita presentación.

Con Morgan Freeman

El guionista tras éxitos como la famosa BLADE RUNNER (RIDLEY SCOTT, 1982), DAVID WEBB PEOPLES, había empezado a trabajar en lo que sería el guion de Sin Perdón en los años setenta, aunque con otros títulos, y éste había llegado a Eastwood a principios de los ochenta, aparcándolo por el momento, ya que quería esperar a ser más mayor para meterse en la piel de Munny.

El western tradicional ha solido jugar con la idea del bien y el mal como conceptos bien diferenciados, dejando claro que los buenos (normalmente los vaqueros) son muy buenos y tienen una motivación moral correcta para hacer lo que hacen. Lo hacen porque es lo correcto. Los malos (los indios, o quienes sean), sin embargo, no dejan lugar a dudas de que efectivamente lo son. Como ya se comentó, el spaghetti western, retorcía esa dicotomía presentando al supuesto bueno como alguien con motivaciones menos dignas y de moral ambigua. No es oro todo lo que reluce. Estamos ante el típico antihéroe que se dedica a quedar el último cuando los demás han caído, usando métodos reprobables si es necesario. Y esto es lo que, poco más o menos, ocurre en los westerns revisionistas en los que Eastwood había puesto sus manos hasta entonces, y ésta es la idea que planea también sobre Sin Perdón. Munny puede ser el protagonista y a quien el espectador de alguna manera favorezca, pero está lejos de ser un héroe. Más bien al revés. Es un tipo atormentado por un pasado lleno de acciones horribles protagonizadas por él y que además es incapaz de resistirse una vez más a dicho pasado, ya que por mucho que intente convencerse a sí mismo de que ya no es la misma persona, sabe que ser dicha persona es parte de su destino.

Pero no sólo se trata de Munny. Independientemente de los medios usados para ello, las motivaciones tras ciertos actos no son hacer el bien, si no sobrevivir, cobrar una recompensa o simplemente la venganza, y quien supuestamente ha de vigilar que la ley se imponga, resulta muchas veces ser hasta peor que aquellos de los que la sociedad necesita ser protegida. El Oeste ha dejado de ser un sitio lleno de oportunidades para pasar a ser un lugar en el que simplemente sobrevivir.

El antiguo borracho y pendenciero Munny

El éxito de la cinta, y a todos lo niveles, no es algo que se pueda resumir en pocas palabras. Para empezar, y entre otras cosas, debutó con el mejor fin de semana inicial de toda la carrera de Clint hasta entonces, para acabar recaudando unos ciento sesenta millones de dólares a nivel mundial tras partir de un presupuesto que no llegaba a quince. Estuvo cerca de un año en cartel en los Estados Unidos.

Buena culpa de eso la tuvo el tirón que supuso sus muchos premios. Por hablar sólo de los Óscar, Sin Perdón recibió nueve nominaciones y logró cuatro galardones, entre ellos el del actor secundario para Hackman y sobre todo, los de mejor película y mejor director para el propio Eastwood, que también fue nominado al mejor actor y se quedó a un paso (el premio fue para un AL PACINO que aún no lo había ganado, por su trabajo en SCENT OF A WOMAN, o ESENCIA DE MUJER, dirigida por MARTIN BREST) de lograr un trébol aún inédito (peli, director y actor principal). Fue el tercer western en ganar el premio a la mejor película, tras CIMARRÓN (WESLEY RUGGLES, 1931) y DANCES WITH WOLVES (BAILANDO CON LOBOS, 1990), la aclamada película de KEVIN COSTNER.

Para poner en contexto la dimensión de este logro, hay que decir que se trata de algo que creo que sólo WOODY ALLEN y Kevin Costner habían estado a punto de conseguir. El primero en 1977, con ANNIE HALL, con lo que no sólo se quedó a falta del premio al mejor actor para lograr ese hito, si no que ganarlo hubiese supuesto, además, ser la cuarta peli de la historia en ganar el famoso Big Five, consistente en película, director, actor, actriz y guion (original o adaptado), tras IT HAPPENED ONE NIGHT (SUCEDIÓ UNA NOCHE), de FRANK CAPRA (1934), ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST (ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO), de MILOS FORMAN (1975) y THE SILENCE OF THE LAMBS (EL SILENCIO DE LOS CORDEROS), dirigida por JONATHAN DEMME (1991). De haber ganado ese premio, esta película se hubiese convertido en la única de la historia con esos dos logros. Costner, por su parte, gracias a la mencionada Bailando Con Lobos, quedándose también sin el premio al mejor actor. Por cierto, buenos tiempos los primeros noventa para la revitalización del western.

Por terminar con estas curiosidades, y por señalar otro paralelismo entre Eastwood y Mel Gibson, decir que poco después, éste haría lo propio con Braveheart, de 1995 (hay que tener en cuenta que una cosa es el año de estreno de un film, y otra el de la ceremonia en la cual obtiene los premios, normalmente al año siguiente). En este caso concreto, Gibson no fue nominado al mejor actor, pero es probable que sea el único caso, aparte de los anteriores, de director que triunfa como tal, que gana también el premio a la mejor película y que además actúa en ella como actor principal, estando nominado o no. En este sentido, la película REDS (ROJOS, 1981), de WARREN BEATTY, sí que obtuvo esas tres nominaciones, pero Beatty sólo triunfó como director (aunque esta película fue también nominada, sin mucho éxito posterior, en absolutamente todas las categorías más importantes). ROBERT REDFORD, por su parte, ganó sendos premios como director y a la mejor película por ORDINARY PEOPLE (GENTE CORRIENTE), de 1980, pero él no actuó en ella.

En relación con todo lo comentado acerca de los premios Óscar, el propio Clint tendría más que decir, y ha sido omitido en los anteriores párrafos, más allá de Sin Perdón, a propósito. Se verá más adelante.

Eastwood y Hackman revientan los premios Óscar 1993

La crítica estuvo con Clint esta vez, y de qué manera, comentando que podía ser el mejor western desde los THE SEARCHERS (CENTAUROS DEL DESIERTO, dirigida por John Ford en 1956), siendo un brillante compendio de todos los temas que su cine había estado tratando hasta ese momento, entre los que destaca una brillante reflexión sobre la violencia, incluyendo la suya propia. En 2008, Sin Perdón fue considerada por el American Film Institute como el cuarto mejor western americano de todos los tiempos, tras Centauros Del Desierto, HIGH NOON (SÓLO ANTE EL PELIGRO, de FRED ZINNEMANN, 1952) y Raíces Profundas.

Tiene una nota de 8,2 en IMDB y yo poco puedo añadir al respecto. Quitando la no muy razonable participación de Richard Harris dentro de la trama (algo en lo que la opinión pública también coincide), se trata de un peliculón de época, que perfectamente tiene su sitio en el top ten del protagonista hasta ese momento, y muy probablemente de toda su carrera, ya que sin dar demasiadas vueltas al respecto ahora mismo, es una de las típicas muescas en su filmografía que vienen enseguida a la mente a la hora de pensar en sus mejores trabajos. Cómo olvidar algunas de las frases de Munny al respecto de su pasado, o aquella mítica reflexión sobre lo que supone matar a alguien? Me entran escalofríos sólo de acordarme. Buena muestra de que el Clint crepuscular es muchas veces más apreciado que el Clint digamos, joven. Al menos como director.

Alguna que otra curiosidad más, para terminar:

- Clint tuvo el buen juicio de dejar a un lado posibles desavenencias del pasado y dedicó la película a sus dos mentores, Leone y Siegel, muy recientemente fallecidos ambos, por aquel entonces.

- El tema principal de la banda sonora, CLAUDIA'S THEME, lo compuso el propio Eastwood.

- En 2013 se hizo un remake japonés de la película, con igual nombre, dirigido por LEE SANG-IL y protagonizado por el famoso KEN WATANABE, quien años más tarde (aunque antes de este remake) trabajaría con Clint. La acción se traslada a Japón y a otra época, siendo el personaje de Munny un samurái.

- Se barajó la película para ser el tema principal de una montaña rusa de un parque de atracciones en Nueva Jersey, pero se desechó la idea por ser demasiado oscura.

- Eastwood dijo tras el film que sería su último western tradicional.

Matar a un hombre es algo muy duro.
Le quitas todo lo que tiene. Y todo
lo que podría tener

Pero esto no ha hecho más que empezar. En 1993 se estrena el genial thriller IN THE LINE OF FIRE (EN LA LÍNEA DE FUEGO) dirigida por el famoso cineasta alemán WOLFGANG PETERSEN, responsable de títulos como THE NEVERENDING STORY (LA HISTORIA INTERMINABLE, 1984) o la muy famosa TROY (TROYA, 2004). Clint interpreta a FRANK MORRIGAN, un veterano agente de los Servicios Secretos abrumado por no haber podido salvar en su día la vida del presidente KENNEDY, y que se verá ante una oportunidad para redimirse. Le acompañan RENE RUSSO, un genial JOHN MALKOVICH, DYLAN MCDERMOTT y JOHN MAHONEY (sí, el padre de FRASIER en la conocida serie).

Se trata de una película ágil y entretenida, con Eastwood volviendo a dar otra vuelta de tuerca al concepto de tipo duro (al fin y al cabo son muchas las veces que ha interpretado un papel parecido de una u otra manera) y con una réplica brillante por parte de un fuera de serie como Malkovich. El gato y el ratón enredados como muchas otras veces, pero de manera más hábil. Aquí no se trata sólo de acción y escenas de riesgo, si no también de materia gris.

La cinta fue otro pelotazo en taquilla, con buena acogida por parte de la crítica y con tres nominaciones más a los premios de la Academia, incluyendo el de mejor guion original y el de actor secundario para Malkovich. No hubo suerte esta vez. En cuanto al guion (de JEFF MAGUIRE, quien completó una idea del productor JEFF APPLE sobre un agente secreto de servicio en el momento del asesinato de Kennedy), éste fue desdeñado por varias personas con influencia en el negocio, pero terminó siendo objeto de poco menos que una subasta entre Eastwood, TOM CRUISE y SEAN CONNERY, antes de que Maguire se decidiera por Clint.

Morrigan, siempre alerta

Además de las alabanzas para Malkovich, éstas no faltaron para la tensa dirección por parte de Petersen y la carismática presencia de Eastwood, destacando que la peli cuenta tanto con ella que es casi imposible imaginar a otro actor en ese papel. En definitiva, un thriller como tiene que ser, y no exento de algunas curiosidades. Como que Eastwood y Petersen habían ofrecido el papel de Malkovich a ROBERT DE NIRO antes que a éste, pero De Niro tuvo que rechazar por problemas de agenda. Además, esta película fue una de las primeras cuyo tráiler fue ofrecido online. Y el mismísimo presidente BILL CLINTON, quien llegó a la presidencia ese mismo año 1993, alabó la cinta, pero Petersen pasó de usar esto como estrategia de marketing por no saber si sería para bien o para mal.

Pero sobre todo está el hecho de que, para lidiar con el pasado de Morrigan (único agente aún en activo de todos los que debían proteger a Kennedy el día en que fue asesinado), se usaron imágenes digitalizadas de las pelis de Eastwood en los sesenta, y así poder recrear los momentos que rodearon al asesinato del presidente en 1963.

En la Línea De Fuego fue la penúltima película en la que Eastwood no se dirigió a sí mismo.

Hay que hacer algo más que lo habitual para
impresionar a Lilly Raines (Rene Russo)

Aún en 1993, Clint volvió a ponerse detrás de la cámara para dirigir (además de participar en el reparto) una de sus películas más grandes y a la vez infravaloradas, la genial A PERFECT WORLD (UN MUNDO PERFECTO), en la que ROBERT HAYNES (interpretado, curiosamente, por un gran Kevin Costner) es un preso a la fuga que toma como rehén a un chavalito. Eastwood es el Ranger tejano que dirige su persecución y también aparece LAURA DERN.

Clint, como ya he dicho, también actúa en la cinta. Pero no hay que dejarse llevar por eso, ya que su tiempo en pantalla es escaso (de hecho no iba ni a participar en ese sentido) y la trama se sustenta en la singular relación entre Haynes y su rehén PHILIP (T.J. LOWTHER), con momentos entre ambos que han sido destacados por la crítica por ser de los más trabajados en la carrera de Eastwood. El resultado es una de esas películas menores del Clint director, pero que triunfa por sus pequeños momentos y reflexiones, ya sean divertidas o amargas. El personaje de Lowther es llamativo, ya que al provenir de un entorno ridículamente estricto, curiosamente empieza a conocer la vida, a disfrutarla y a ser él mismo gracias a alguien como Haynes. La realidad con la que los personajes de la trama tienen que convivir choca con el título de la película. El propio Clint dijo que le parecía que la peli era arriesgada, pero que le apetecía intentarlo, hacer algo que se saliese de lo convencional. Puede que el público esperase una historia sobre una feroz persecución entre el policía y el fugitivo, o quizás una gran aventura por parte de los dos protagonistas, pero no.

Colegas inesperados

El guion contó con el interés del mismísimo Steven Spielberg, pero en esa época estaba liado con JURASSIC PARK (PARQUE JURÁSICO, 1993), por lo que Clint, muy ocupado por su parte con temas relacionados con las dos anteriores películas, vio aquí una buena oportunidad para olvidarse de actuar, algo que sólo hizo porque lo sugirió el propio Costner. Como ya he dicho, la presencia del Eastwood actor aquí no es significativa, al menos en lo que al metraje se refiere.

La cinta tuvo un éxito moderado en ese lado del charco pero, curiosamente, su taquilla fue considerablemente mayor en el resto del mundo, triplicando con creces la de Estados Unidos y Canadá.

Garnett junto a su colega Sally Gerber (una joven
Laura Dern)

En lo relativo a la crítica, a pesar de no haber una clara unanimidad (se habló de una historia algo inconexa y sobre todo de cierta idealización del personaje de Costner, que no deja de ser un delincuente), ésta estuvo con la cinta. El trabajo de Costner fue especialmente alabado, así como las emociones que destapa la película, y el crítico ROGERT EBERT (alguien que no ha sido nombrado hasta ahora, pero cuyas opiniones suelo recoger) llegó a decir que Un Mundo Perfecto era una película que cualquier director vivo se enorgullecería de firmar.

Sea como fuere, una gran película (amarga, eso sí), y una grata sorpresa la participación de un Lowther que por entonces tendría unos seis o siete años y del que, tras trabajar en productos menores durante los noventa, no se supo mucho más. Para Costner supuso un punto álgido en su filmografía, en lo concerniente a la crítica.

Costner y Clint, los dos grandes últimos señores
del western, durante el rodaje

En 1994 no hubo nada nuevo de Clint, y llegado 1995, realizó un pequeño cameo sin acreditar (compartido con Mel Gibson, por cierto) en la película infantil CASPER, de BRAD SILBERLING. Pero lo que realmente haría de ese año uno a tener en cuenta dentro de su carrera, fue el estreno de THE BRIDGES OF MADISON COUNTY (LOS PUENTES DE MADISON), una de sus cintas más recordadas y mejor valoradas, y de paso, un cambio de registro a todos los niveles como probablemente no había conocido su carrera hasta entonces (a excepción de Primavera En Otoño). Se trata de un drama romántico que podría pasar por una variante de dicha Primavera En Otoño, salvando las obvias distancias y protagonizada por él, junto a una de las mejores actrices de todos los tiempos y probablemente la mejor actriz viva, la inigualable MERYL STREEP. Basada en una novela de 1992 y de igual nombre, escrita por ROBERT JAMES WALLER, cuenta el corto e improbable romance entre FRANCESCA, una mujer italiana y ROBERT KINCAID, un fotógrafo de NATIONAL GEOGRAPHIC que viaja a Madison para fotografiar sus famosos puentes. La trama se cuenta desde la perspectiva de ella, como un prolongado flashback, a través de una serie de material que los sorprendidos hijos de Francesca encuentran en la casa familiar, ya en el presente y una vez fallecida la propia Francesca.

Una serie de nombres y circunstancias se asocian al proyecto antes de que éste se lleve a cabo, ya que los derechos los había comprado Spielberg antes de publicarse el libro (?) y éste había contactado con SYDNEY POLLACK para dirigir, mientras que Eastwood había sido desde muy pronto la opción protagonista. Pollack se borró y Spielberg pensó en ser él el director. Un tercer borrador del guion (escrito por RICHARD LAGRAVENESE, e incluyendo lo relativo a los hijos de la protagonista, las cartas, etc, algo bastante acertado, en mi opinión) era del gusto de todos, pero cuando Spielberg no quiso dirigir, se trajo a BRUCE BERESFORD, y con éste vino otro borrador. El entorno de Eastwood prefirió el borrador de LaGravenese y Beresford abandonó el asunto y Clint acabó dirigiendo.

Francesca, Kincaid y uno de los
pintorescos puentes

Esta película volvió a ser otro éxito de taquilla, con una muy positiva acogida en Japón (?), de entre todos los sitios. Dicho éxito fue acompañado por una generalizada aclamación crítica, que destacó el acierto de Eastwood al elevar con la cinta el material del que ésta partía (se habla de una mirada poco discreta por parte del libro y de una mucho más observadora en la película). Yo recuerdo haber leído el libro tiempo después de ver la peli y no me dijo gran cosa, con lo que esta película perfectamente puede ser uno de esos raros ejemplos en los que un libro queda por debajo de su adaptación a la gran pantalla. Quién lo iba a pensar, pero tras una larga carrera de personajes brutos y polémicos, y sus respectivas burradas verbales y físicas, un crítico llegó a decir que este film era el regalo de Clint Eastwood a las mujeres. Cómo se te queda el cuerpo?

Lo he escuchado varias veces, y por parte de distintos espectadores: aburrida, peli para tías, qué hace Clint en una película así, etc. Lo que sea, pero es una gran película, como grande es la interacción entre los protagonistas y la química entre ellos, lejos de lo empalagoso (algo que sí se atribuye al libro), con un ritmo tranquilo y un montón de silencios. Continuamente se reivindica una de las escenas finales a la hora de recordar ciertos momentos de la historia del cine y todo eso, pero sin embargo yo recuerdo más cómo los hijos de Francesca, ambos en matrimonios con problemas, usan lo que acaban de conocer para poner en orden su vida, o al menos ese aspecto de la misma. Lo toman como una cierta llamada de atención. Al fin y al cabo, el padre de ambos era una persona buena a la que su madre quería, y aún así, ella no pudo evitar ciertas cosas. Ni siquiera darse cuenta de ellas. 

Es mejor no decir mucho más. Pero si curiosa es la propuesta que se hace al espectador, acerca de entender a Francesca y sus actos, sorprendente es también el comportamiento de Kincaid. Hay que ver la película, ya la misma puede dar lugar a ciertos debates.

Hay algo por aquí más interesante de
fotografiar que los puentes

Streep obtuvo por este film una de sus muchas nominaciones a los premios de la Academia, aunque sin suerte, y exactamente lo mismo les pasó a ella y a la película en la categoría de drama en los Globos De Oro. Hubo premios de sobra, de todas formas, y también alguna anécdota que contar:

- La cinta obtuvo inicialmente la etiqueta de restringida, debido a una frase subida de tono, pero sarcástica, de Streep. Se apeló con éxito y la peli pasó a ser no apropiada para menores de trece años.

- Al contrario de lo que se suele hacer, la historia de los protagonistas se rodó de forma cronológica. Eastwood lo quiso así, ya que se trataba de que los actores y sus personajes se fuesen conociendo poco a poco.

- Se barajaron actrices tan famosas como ISABELLA ROSELLINI o CATHERINE DENEUVE para el papel de Francesca, pero Eastwood fue tajante desde el principio en lo relativo a Meryl Streep.

Una pareja de altura

1996 volvió a ser otro año sin que el nombre del personaje apareciese en cartelera, pero 1997 trajo ABSOLUTE POWER (PODER ABSOLUTO), otro thriller a la altura del gran momento de forma del cineasta, y para el que volvió a contar con Gene Hackman, además de con actores tan respetados como ED HARRIS, la gran LAURA LINNEY (en su primer trabajo con Eastwood), SCOTT GLENN o RICHARD JENKINS. Clint dirige e interpreta a LUTHER WHITNEY, un ladrón de guante blanco que es testigo de un asesinato. La cinta adapta la novela de igual nombre escrita por DAVID BALDACCI y publicada en 1996. Los derechos de la misma también se habían vendido tiempo antes de publicarse, y el guion, que también se empezó a escribir antes de 1996, fue retocado a petición de Eastwood, para que se diesen ciertos cambios que no merecen ser comentados aquí para no estropear el visionado de la película o la lectura del libro.

Las críticas no fueron tan buenas como las más recientes, pero a mí me encantó esta película, sobre todo lo relativo a sus juegos de poder, el papel de Eastwood como ladrón y la participación de Linney como la hija del protagonista, siendo como es una de mis actrices preferidas. Se habló de una trama ilógica que lastraba la cinta, a pesar del reparto de estrellas y la diestra dirección de Eastwood. De todas formas, el público fue bastante más benevolente (se queda cerca del notable en IMDB), y la verdad es que yo sólo recuerdo buenas palabras acerca de Poder Absoluto por parte de las personas con las que coincidí en el momento de verla. Es más, pensaba leer críticas más entusiastas al investigar un poco para escribir sobre ella aquí, dado el buen recuerdo que tengo. Supongo que se trata de ver la película otra vez y averiguar cómo ha envejecido.

Eastwood y su hija en la pantalla, Laura Linney

No hay mucho más que decir sobre esta cinta, también por miedo a un potencial spoiler (arruinar la película contando de más sobre su argumento). Al menos se quedó muy cerca de doblar su propio presupuesto en taquilla, por lo que supongo que puede considerarse un éxito comercial. He hablado ya de lo que yo considero películas menores de Eastwood, y no es que tenga a ésta como una de ellas (tampoco está entre sus títulos más populares, desde luego), pero quizás llegó en un momento de forma bastante dulce de Eastwood, y la calidad y repercusión de las pelis que la rodean hacen que Poder Absoluto pase más desapercibida y pueda parecer no tan buena como realmente es. Sea como sea, no tiene nada que ver con sus momentos más flojos de la década previa. Todo lo contrario.

Eastwood compuso la canción KATE'S THEME, que abre la banda sonora.

Un observador Luther Whitney

Aún en 1997 se estrenó otra película de Eastwood de la que yo guardo un gran recuerdo, pero sobre la que también me sorprende leer que la acogida de la crítica no fue para nada entusiasta. Se trata de MIDNIGHT IN THE GARDEN OF GOOD AND EVIL (MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y EL MAL), para la que Clint se quedó detrás de la cámara, contando con otro reparto de perfil muy alto en el que destacan JOHN CUSACK, un muy joven y aún poco conocido JUDE LAW, y KEVIN SPACEY. Alison, la hija de Clint, tiene también una buena cuota de pantalla.

La película es un nuevo thriller de corte judicial y ambiente sureño que se vuelve a basar (con unas cuantas alteraciones) en otra novela (también con el mismo nombre), el best seller escrito por JOHN BERENDT (en quien se basa ligeramente el papel de Cusack) y publicado en 1994. La trama se centra en el anticuario JIM WILLIAMS (Spacey), investigado por la muerte de un chapero. Se rodó en su mayoría en la pintoresca ciudad sureña de Savannah y cuenta con unos cuantos personajes bastante peculiares (animales incluidos), algunos de ellos interpretados por sí mismos, ya que el libro entra en la categoría de novela testimonio, mezclando hechos y personajes reales con ficción. De hecho, el episodio en el que se basan libro y película es real, y aconteció en 1981. Algunas de las localizaciones utilizadas en la cinta son edificios reales que además tuvieron que ver con aquella historia, y unos cuantos vecinos aparecen como extras.

En lo que respecta a excentricidades, destacó sobre todo la participación de la ya fallecida actriz transgénero conocida como THE LADY CHABLIS, quien alcanzó una cierta notoriedad gracias al libro y a esta película, siendo uno de los primeros intérpretes transexuales en llegar al gran público.

Kevin Spacey, un peculiar señor sureño

Para variar, con respecto a las últimas pelis de Clint, ésta fracasó en taquilla, no pudiendo recuperar lo invertido en su realización. Las críticas tampoco fueron buenas, y esto me vuelve a sorprender leerlo, ya que no sólo me gustó bastante esta película si no que siempre había pensado que estaba muy bien considerada. Estaba equivocado, ya que se habla de chapuza sureña que se arrastra sin considerar los detalles culturales que daban intriga a la novela. Entiendo que los críticos han de hacer su trabajo y que si son críticos es por algo, y por eso saben de lo que hablan, pero en fin, una de las ventajas que tiene el espectador medio sin mucha idea de ciertas cosas es poder apreciar algo sin darle tantas vueltas.

Un detalle gracioso es el que contaba el propio Berendt, autor de la novela, quien no terminó contento con la interpretación de Spacey. Él había aconsejado al actor que escuchase grabaciones privadas que tenía guardadas con conversaciones suyas con Williams e historias de éste, y decía que aún así, Spacey parecía haber hecho su papel como si estuviese medio dormido, para darse cuenta después de que el actor, que había rechazado escuchar esas grabaciones alegando que ya había escuchado las de los juicios de Williams, quizás sólo escuchó las de uno de ellos, aquel en el que Williams iba hasta arriba de valium.

En otro orden de cosas, ambos Clint y Alison cantaron en la banda sonora.

Clint, Cusack y Alison Eastwood durante el rodaje

Ya en 1999, Clint acomete su cuarta adaptación consecutiva de un libro llamado igual que la posterior película, que sería TRUE CRIME (EJECUCIÓN INMINENTE). También actúa, dando vida al periodista STEVE EVERETT, quien es encargado de cubrir la ejecución de un convicto llamado FRANK BEECHUM. Este personaje fue interpretado por ISAIAH WASHINGTON, un actor que pocos años después lograría mucha fama gracias a su participación en la serie GREY'S ANATOMY (ANATOMÍA DE GREY). También participan el muy conocido JAMES WOODS, e incluso tiene un papel otra de las hijas de Eastwood, la pequeña FRANCESCA, nacida en 1993 de su relación con la actriz FRANCES FISHER, a quien a su vez se pudo ver en Sin Perdón.

Poco puedo decir de esta película, la verdad, ya que la vi muy poco después de estrenarse y nunca he repetido. La vi con mi amigo GONZALO (el legendario POTITO), que estará leyendo esto, cuando me invitó a su casa en La Palma. Recuerdo, eso sí, la tensión creada por la cuenta atrás en la que derivaba la trama, pero poco más. No tengo ninguna duda, una vez más, de que comparada con algunas de las cintas más flojas de la carrera de Clint, Ejecución Inminente sale muy bien parada. Y cuanto más leo sobre ella, más ganas me entran de volver a verla.

Clint, la pequeña Francesca y la actriz Diane Venora,
a quien ya se pudo ver en Bird

Las críticas del gran público fueron mayormente positivas, aunque sin muchos alardes. Hubo quien dudó de que Eastwood, como actor, fuese la elección más adecuada para su papel, lo que unido a una trama algo ordinaria, arrastraba el potencial del film. Dicho papel es el de un alcohólico en proceso de recuperación cuya vida es un absoluto caos, sobre todo debido a su propia personalidad (parece haber algún parecido entre ciertas actitudes de Everett y las propias de Clint), cuya tarea le viene dada tras el fallecimiento de un colega, y según los críticos puede que Eastwood dejase un poco de lado los detalles del crimen en cuestión para que su personaje pudiese lograr sus fines, pero más por él que por otra cosa, para así poder lograr cierta paz personal. En la mayoría de estos casos suele ser una ventaja no haber leído los libros en los que se basan las películas (ya que estos suelen ser superiores) y tener sólo éstas en cuenta, sin poder hacer ninguna comparación con el material original. Así se valora la película por lo que es, y no por ser una más o menos correcta adaptación de algo previo.

Peor lo más llamativo fue el fracaso en taquilla, ya que esta cinta ni siquiera recaudó un tercio de su presupuesto, siendo su peor película de los noventa en ese sentido (obviando Cazador Blanco, Corazón Negro, que recaudó bastante menos que ésta, pero su distribución había sido muy limitada).

El caótico Everett

Para finalizar la década de los noventa, Clint dirigió el que supongo será el único videoclip de su carrera, para la canción WHY SHOULD I CARE?, que él mismo ayudó a componer y que interpretó la elegante DIANA KRALL. En dicho vídeo, imágenes de Ejecución Inminente se mezclan con las de la propia Krall interpretando el tema.

WHY SHOULD I CARE?

Fin de la cuarta parte