TOP 10 GUITARRISTAS

A pesar de que la guitarra es mi instrumento preferido, con el tiempo he ido fijándome también en algún otro (sobre todo la batería), pero ésta sigue siendo el principal reclamo a la hora de llegar a la música que escucho habitualmente, y el instrumento por el que básicamente un disco me acaba gustando o no. Hay discos memorables en cuanto a sus canciones, y con un trabajo estelar en la guitarra, que tienen un sonido general pobre (BLIZZARD OF OZZ, te estoy mirando a ti), pero supongo que me sería muy difícil destacar alguno en el que pasase exactamente lo contrario. Además, mi conocimiento acerca de otros instrumentos es incluso menor y también menos entusiasta como para que me apetezca ponerme a hacer con ellos una lista de este tipo.

Y tampoco soy un experto en lo que a la guitarra se refiere (no voy a hablar de la técnica y los trucos de cada uno de los guitarristas nombrados, sobre todo porque no sé, y por la misma razón no entraré en todo lo relativo al equipo que usan), pero siempre ha sido algo más cercano a mí y que me ha llamado más la atención que cualquier otra cosa relacionada con la música. Por eso esta lista se basa en mi gusto personal y en si me gusta lo que escucho o no. Con esto me refiero a que también doy una gran importancia a la capacidad como compositor del guitarrista en cuestión, si es que ésta existe, ya que a nadie se le escapa que hay montones de ejemplos de virtuosismo y pirotecnia guitarrística en canciones vacías que no van a ningún sitio. Prefiero la calidad a la cantidad. Y por supuesto tengo en cuenta el tipo de música que el guitarrista en cuestión practica y cómo su estilo encaja en él. En este sentido puede llamar la atención la ausencia de ciertos nombres (y la presencia de otros), pero es muy fácil: si su música no me llama la atención no los sigo, por muy buenos que sean técnicamente. Por eso mis guitarristas preferidos suelen ser los guitarristas de mis grupos preferidos. No hay mucho más. Y al fin y al cabo se trata de mi top particular, no de una lista de los mejores guitarristas de la historia.

La lista es actual, y supongo que aunque poco, podría cambiar alguna vez. Y no tiene un orden concreto, no va del mejor al menos bueno ni al revés. Sólo son los diez guitarristas (en principio) que creo que más me llaman la atención. Y como en otros artículos, yo mismo aprenderé unas cuantas cosas acerca de ellos al leer sobre su vida, porque no quiero que se trate sólo de mi opinión sobre el personaje en cuestión, sino también de su propia historia.










Vamos a ello.




BILL STEER





Bill Steer





William Geoffrey Steer (03-12-1969) es un guitarrista inglés (Stockton-On-Tees) conocido principalmente por ser guitarrista y miembro fundador de los míticos CARCASS. Este fenómeno, que nunca parece envejecer y que mientras se declara admirador incondicional de MICHAEL SCHENKER, confiesa que uno de sus discos preferidos es NO PLACE TO RUN, de UFO (precisamente el primero del grupo sin Schenker en sus filas), es un artista de muchas caras cuyas habilidades musicales no se limitan a la guitarra y que ha abarcado, siempre dentro del rock, géneros tan en principio alejados entre sí como el blues rock y el death metal.

Pero como ya he dicho antes, el nombre de Steer siempre va asociado al de las leyendas de Liverpool, Carcass, cuya formación Steer compaginó con su etapa en los también ingleses NAPALM DEATH, con los que grabó los dos primeros discos del grupo (SCUM, de 1987, y FROM ENSLAVEMENT TO OBLITERATION, en 1988). Pero ha sido junto a KEN OWEN y JEFF WALKER, sus (casi) inseparables compañeros en Carcass, con los que ha conseguido notoriedad, bien como trío en los principios del grupo, cuando su música era el equivalente al taladro de un dentista (en discos como REEK OF PUTREFACTION y SYMPHONIES OF SICKNESS, de 1988 y 1989 respectivamente), como cuarteto poco después, cuando MICHAEL AMOTT se unió al trío y domesticaron un poco su sonido para, según muchos (yo no estoy de acuerdo), dar poco después inicio a lo que hoy se conoce como death metal melódico con una obra maestra como HEARTWORK (1993), o como cuando Amott fue sustituido por CARLO REGADAS en la otra guitarra y Carcass se despedían, aún muy jóvenes, con un gran e incomprendido disco de death & roll premonitoriamente bautizado como SWANSONG (1996), en el cual el sonido de la banda poco tenía que ver con sus inicios goregrind, deathgrind o lo que fuese. Y es que Carcass es una de esas formaciones de las que se dice que nunca hacen el mismo disco dos veces, y durante esos años hicieron justicia a dicha sentencia.

Antes he comentado que el talento de Bill no se limita a la guitarra, y es que en los inicios de Carcass también contribuía con su voz gutural al tormento sónico desatado por el grupo, y con el final del siglo XX lideró la formación británica de hard blues rock FIREBIRD, con la que editó varios discos antes de la disolución de la misma en 2012, y en la que además de ser el guitarrista se hizo cargo de todas las voces y la harmónica. No he escuchado apenas música de ellos así que poco puedo decir, más que tengo tarea pendiente. Es lo bueno de ciertas aficiones, que SIEMPRE hay tarea pendiente.

Por si fuera poco, ha colaborado o sido miembro de otras formaciones musicales menos conocidas, ha sido fundador de un sello musical junto a Walker y editor de un fanzine en sus años adolescentes. Todo un culo de mal asiento, para bien.

Carcass volverían a la vida unos cuantos años después, ya sin Owen (el batería sufrió una hemorragia cerebral en 1999 y aunque se ha recuperado, no puede hacer frente a los niveles de exigencia que suponen tocar la batería con Carcass), primero para unos cuantos shows y después grabando en 2013 su disco de regreso SURGICAL STEEL. Para alegría de los fans, Carcass están de total actualidad con su nuevo disco TORN ARTERIES (2021). Si bien es cierto lo que comenté antes acerca de la variedad estilística del grupo en su juventud, estos dos últimos discos son una amalgama de lo creado por ellos sobre todo entre 1991 y 1996, algo con lo que no tengo ningún problema.

Siempre me ha llamado la atención, mayormente en todos los discos de Carcass a excepción de Swansong (porque este disco podría ser el equivalente musical de unos THIN LIZZY y sus clásicas melodías dobladas de guitarra intentando tocar metal extremo, lo que por otro lado refuerza lo que voy a decir a continuación), como Steer mezcla la agresividad musical en lo relativo a las guitarras rítmicas y lo que demanda un grupo de este calibre, con una influencia muy rockera y muy clásica a la hora de afrontar sus partes solistas. Es notorio el buen gusto de Bill en este sentido, y un ejemplo muy destacado de lo que acabo de decir es el inicio de una canción como HEARTWORK.

Bill es, por cierto, el guitarrista más joven de esta lista (esto da que pensar).





No love lost






Y ahora los típicos enlaces sobre el protagonista:






















WOLF HOFFMANN





Wolf Hoffmann





Nacido el diez de Diciembre de 1959 en Mainz (Alemania Occidental), Wolf Hoffmann es mayormente conocido por ser el guitarrista principal y a día de hoy único miembro original de los eternos ACCEPT, otra de las grandes aportaciones alemanas al mundo del heavy metal, en mayúsculas en este caso, ya que Accept, con sus rupturas (alguna más larga que otra), reconciliaciones y cambios de personal, llevan en activo desde 1976, y son una influencia de mucho peso en subgéneros como el speed y el thrash metal. Hoffmann, por su parte y como era de esperar, es el único miembro en la historia de la banda que ha participado en todos sus discos, desde ACCEPT (1979) hasta el muy actual TOO MEAN TO DIE (2021).

Hoffmann es un caso curioso, ya que una persona que lleva en el mundo de la música desde hace tanto tiempo, normalmente tendría otros proyectos, colaboraciones o incluso una larga carrera en solitaro también (como es el caso del cantante original de Accept, el afamado UDO DIRKSCHNEIDER), y si bien Hoffmann ha hecho sus cosas fuera de Accept (incluso tiene dos discos en solitario en los que da rienda suelta a sus influencias neoclásicas a la hora de tocar la guitarra), la verdad es que se ha mantenido muy fiel al grupo, y por lo que he leído últimamente parece ser casi la única razón por la que éste sigue existiendo tras la reciente marcha de su inseparable PETER BALTES (bajista y muy ocasional cantante), el otro miembro de Accept que ha estado desde el principio y ha grabado todos los discos menos el último. Es probable que el motivo por el que Wolf se ha centrado casi sólo en Accept, en lo que a la música se refiere, sea su carrera como fotógrafo, algo que empezó como una afición y que acabó convirtiéndose en su segunda carrera (entre sus trabajos podemos encontrar, sin ir más lejos, la portada del primer disco de regreso de Accept y debilidad personal dentro de su discografía, OBJECTION OVERRULED, de 1993).

Aunque no domino toda la discografía de Accept, apenas hay discos que no haya escuchado enteros (mayormente su, según la inmensa mayoría, momento más bajo con EAT THE HEAT, en 1989, y PREDATOR, de 1996) y es uno de los grupos que más sigo y a los que más apego tengo, básicamente por ser una consistente (y bastante constante) fuente de diversión y heavy metal clásico y entretenido, con toques de otros géneros que también sigo. En este sentido voy a ir a lo fácil a la hora de destacar (quién no lo haría, por otro lado) la alucinante racha del grupo entre 1981 y 1985, cuando editan los discos BREAKER, RESTLESS & WILD, BALLS TO THE WALLS y METAL HEART, y Hoffmann (junto a JÖRG FISCHER y HERMAN FRANK, según un disco u otro) se dedica a poner su sello en las canciones más clásicas y conocidas del grupo. Inolvidables temazos como la propia BALLS TO THE WALLS, PRINCESS OF THE DAWN o una canción menos conocida que contiene el que posiblemente sea mi solo favorito de Hoffmann, GUARDIAN OF THE NIGHT, donde el hacha alemán quema casi literalmente su instrumento. Esta gran época culminaría en el disco en directo STAYING A LIFE, que a pesar de ser editado en 1990, fue grabado en Osaka en 1985, en plena gira de Metal Heart.

A nivel instrumental, (en todos los sentidos), y para hacerse una pequeña idea de lo que este hombre es capaz, no puedo dejar de recomendar una canción como JUST BY MY OWN, del ya mencionado Objection Overruled.

Y tampoco quisiera dejar de lado la actual etapa del grupo (desde 2010), con el cantante americano MARK TORNILLO, en la cual han sacado discos muy buenos y que escucho bastante a menudo, como son el ya mencionado Too Mean To Die, BLOOD OF THE NATIONS (2010) o el genial STALINGRAD: BROTHERS IN DEATH (2012). He tenido la suerte de verlos en directo hace poco, a principios de 2017, y hay Accept para rato.





Metal Heart





















ZAKK WYLDE






Zakk Wylde





Me resulta un poco difícil hablar de Zakk Wylde a día de hoy, ya que puede que sea el guitarrista de esta lista al que, ahora mismo, menos escucho. Y quién lo hubiese dicho hace unos años! Nacido como JEFFREY PHILLIP WEILANDT en Bayonne (Nueva Jersey), el catorce de Enero de 1967, Zakk ha sido uno de mis ídolos musicales más antiguos y absolutos, pero ahora lo tengo un poco abandonado. Tampoco quiero que esto se malinterprete, ya que no tengo ninguna duda acerca de sus capacidades como músico (y no sólo en lo que a la guitarra se refiere) y lo sigo escuchando en alguna de sus aventuras previas relativamente a menudo. Simplemente creo, desde hace años, que si no lo escucho más es porque en su proyecto actual y más longevo, BLACK LABEL SOCIETY, su labor como compositor no ha estado a la altura de su habilidad musical, y eso es vital para mí. Tampoco el sonido de algunos de sus discos me acaba de convencer del todo, sobre todo los más antiguos, y también es verdad que el estilo del grupo no es lo que más me llama, aún sin mucho menos disgustarme.Y he de reconocer también que me supuso una ligera decepción, en su día, enterarme de que Zakk Wylde no es su verdadero nombre. Pero a él se lo perdono casi todo y precisamente ha sido en los últimos diez años o así, desde que perdí interés en este grupo, cuando he ido viendo con cada disco que sacan, señales de mejoría que por supuesto tengo en cuenta. Más sobre eso un poco más abajo.


Pero mejor empezar desde el principio.

A pesar de que Black Label Society existen desde hace más de veinte años y en 2021 van a editar su decimoprimer disco de estudio, Zakk sigue siendo conocido sobre todo por ser el quinto y más longevo guitarrista de OZZY OSBOURNE (el tercero en grabar en estudio con el músico inglés), que le reclutó siendo un crío para sustituir a JAKE E. LEE cuando éste dejó (o fue echado, no recuerdo ahora mismo) el grupo de Ozzy en 1987. Zakk entró con buen pie en el grupo, gracias a su sonido más robusto y a su buena sintonía con el peculiar cantante, y participó en NO REST FOR THE WICKED (1988) y NO MORE TEARS (1991), los que yo creo que son los mejores y más famosos discos de su etapa junto a Ozzy, y en los que también contribuiría en la composición. Zakk grabaría junto a Ozzy creo que tres discos de estudio más, además de material en directo, etc, pero en mitad de todo eso, ya en 1993 y tras el anuncio por parte del cantante de un período de inactividad de unos dos o tres años, el guitarrista decidió que no quería quedarse parado tanto tiempo y fundó el grupo de metal sureño PRIDE & GLORY.

Es en esta época cuando yo lo conozco y todavía recuerdo la primera foto que vi de él (junto a Ozzy encima de un escenario) y lo impresionado que me quedé. Para un chaval de dieciséis años, un tipo con esa pinta tan acojonante era algo más que llamativo. El pelo hasta bien entrada la espalda, esa LES PAUL de círculos concéntricos, la manera de coger el instrumento. Y cómo todo eso aumentaba al verlo en acción haciendo uso continuo de esos armónicos tan peculiares (y a veces polémicos) que se han convertido desde hace mucho en una de sus señas de identidad. Cuando al año siguiente empezaron a escucharse en programas especializados las primeras canciones del grupo y a poder verse algunos vídeos empecé a seguirlo y de paso a Ozzy (esto me llevaría también a conocer a RANDY RHOADS, nada menos, pero esa es otra historia). Es en Pride & Glory cuando, a pesar de todo lo hecho antes y después, el músico americano da, en mi opinión, más de lleno en la diana en todos los sentidos. La música (una mezcla entre LYNYRD SKYNYRD y BLACK SABBATH, leí una vez) era distinta a la de Ozzy y a lo que sería luego BLS, a pesar de que Zakk siempre ha cuidado ese aire country y sureño en su manera de tocar la guitarra, sobre todo a la hora de ejecutar sus solos, pero Zakk parece más concentrado que nunca en lo compositivo, siendo ahora el jefe de su propio grupo, y el resultado es como poco especial, aunque no sea un disco que entre fácil ni para todo el mundo, ya que junto a riffs de puro heavy metal y algunas partes instrumentales en las que su guitarra echa chispas, también hay partes acústicas, de piano e incluso cuerdas en tres canciones (cómo olvidar la enorme THE CHOSEN ONE?), sin obviar el lado más netamente sureño del asunto, la campestre portada y la pinta de los tres integrantes. Un disco absolutamente rural.

Aunque giraron bastante durante un par de años la vida del grupo fue corta y tras la edición del fallido OZZMOSIS en 1995, junto a su jefe inglés, Zakk volvía en 1996 a sus asuntos más personales con otra maravilla llamada BOOK OF SHADOWS, un disco muy personal que ahondaba en la faceta semi-acústica mostrada con P&G, sin faltar los solos sangrantes del protagonista. Uno de esos discos que van más allá de la propia música. Por desgracia, Zakk tuvo la nefasta idea de sacar muchos años después, en 2016, un disco supuestamente del mismo corte al que para colmo bautizó como BOOK OF SHADOWS II. Por qué nefasta? Porque si bien no digo que no saque algo parecido si así le viene en gana (otras cosas son la motivación y el momento anímico que le llevaron a editar el primero veinte años atrás, que no creo que fuesen iguales), no creo que hubiese necesidad de estropear el legado del primer disco con algo que lleva el mismo nombre y que por lo que he escuchado hasta el momento (con excepciones) no es ni remotamente parecido. Más aún cuando en 2004 sacó con BLS un disco de parecido estilo (HANGOVER MUSIC VOL. VI) que sin llegar al nivel del primer Book Of Shadows es bastante superior a todos los niveles que este segundo. En fin.

Zakk giraría en solitario defendiendo esas canciones y las de P&G con un formato más íntimo, y como ya he dicho, en el futuro entraría y saldría de las filas de Ozzy, además de grabar con él discos mayormente olvidables, la verdad, como DOWN TO EARTH (2001), el último en el que puse interés, por lo que lo más importante es todo lo relativo a los ya comentados BLS, que debutarían en 1999 con SONIC BREW. La carrera de este grupo es extensa (en Noviembre del 2021 sacarán DOOM CREW INC.) y no voy a comentarla en detalle, pero diré que estilísticamente es una mezcla entre las tendencias sureñas habituales en el músico y digamos una cierta inclinación al sonido de los tejanos PANTERA (yo no sé si es una buena definición pero siempre me ha venido esto a la cabeza y supongo que tuvo que ver la estrecha amistad del músico con el fallecido DIMEBAG DARRELL, guitarrista de estos últimos).

Como ya he dicho, he tenido y tengo mis diferencias con este grupo a pesar de haberlo seguido en su día sin excusas. No en vano, en la primavera del 2005, durante la gira de MAFIA (editado el mismo año) fui a Madrid para ver un concierto del grupo, junto a mi gran amiguete EWING (líder supremo de la afamada agrupación cómica ambulante LOS EWING) y una chica cuyo nombre no recuerdo, y me gustó mucho. En ese concierto pude sentir alguna vez que otra como temblaba la estructura del recinto debido al volumen, y también recuerdo que Zakk echó mano de innumerables cachis de cerveza, hizo un homenaje acústico a Randy Rhoads, junto al habitual a Dimebag con IN THIS RIVER, se jodió el sonido durante un ratejo y mientras tanto bajo (JAMES LOMENZO, nada menos, compañero suyo en P&G) y batería improvisaron algo de ZEPPELIN y SABBATH, y además creo que los teloneros eran un grupo cuyo nombre no recuerdo (lo acabo de mirar: MELDRUM) que estaba liderado por la fallecida mujer del hacha sueco JOHN NORUM, miembro de EUROPE.

Dichas diferencias se deben a que las canciones no son lo suficientemente buenas y me encuentro con que muchas de ellas han pasado de entusiasmarme en su día a dejarme frío años después. Además Zakk siempre ha tendido a mirarse mucho el ombligo a la hora de tocar, cuando era un chaval y también tiempo después (frecuentes solos interminables en directo para su lucimiento personal), y creo que eso ha trascendido a la hora de componer (él, su guitarra, su voz y poco más), para mal. Y la verdad, he terminado un poco harto de sus baladas semi-acústicas con piano que tan bien hacía de manera muy moderada en su día, para volverse repetitivas, y que tanto contrastan con el sonido habitual del grupo. Cierto es que por lo que vengo escuchando desde 2010 con ORDER OF THE BLACK, estos temas, o al menos algunos de ellos, se van arreglando, consecuencia entre otras cosas de tomarse más tiempo a la hora de crear cada disco, de algo más de variedad, de dar mayor espacio a los demás músicos y de una producción bastante mejor que ya se atisbaba desde Mafia. Más gruesa y más moderna. El último single del grupo, SET YOU FREE, suena bastante bien.

De paso está su proyecto ZAKK SABBATH, tocando sólo canciones de Black Sabbath, muy recomendable. El disco VERTIGO vio la luz en 2020 y consistió en versionar el primer disco de Sabbath de pe a pa, para celebrar los cincuenta años desde su edición. 

Y poco más. Decir que además de cantar y tocar la guitarra, también le da al piano y la armónica, ha participado en algún que otro proyecto como actor, en innumerables discos ajenos como invitado y es muy conocida su pasión y lealtad hacia ciertos guitarristas que adora y con cuyos nombres ha bautizado parcialmente a sus hijos. Tuvo un problema de salud serio hace unos años, felizmente superado, creo que de paso ha dejado el pimple, y a día de hoy pasa por ser un afable cruce entre Thor y la típica imagen de un vikingo que a uno le pueda venir a la cabeza. En 2012 también editó un libro llamado BRINGING METAL TO THE CHILDREN: THE COMPLETE BERSERKER'S GUIDE TO WORLD TOUR DOMINATION, que aún tengo que leer.


Todo un personaje.





Miracle man






























GLENN TIPTON





Glenn Tipton





El bueno de Glenn (25-10-1947, Blackheath, Inglaterra) ha formado junto a K.K. DOWNING el que puede ser el tándem más famoso e influyente de toda la historia del heavy metal, debido al paso de ambos por las leyendas inglesas JUDAS PRIEST, a quienes considero el grupo más importante del género. Glenn está ahora mismo enfermo de Parkinson y no puede aportar su quinta parte habitual en Priest en lo que a girar se refiere, aunque sigue involucrado en el grupo, y no voy a entrar en las razones por las que Downing ya no es parte del mismo, pero lo cierto es que ambos han hecho historia juntos gracias a una sociedad que abarca de los años 1974 a 2009, más o menos, y que ha puesto su sello en nada menos que dieciséis discos de estudio, de los cuales al menos la mitad son absolutamente legendarios y piedra angular del género. Estamos hablando de decenas de temazos y muchas horas de felicidad, y ha de ser difícil encontrar dos guitarristas más influyentes, imitados y cuyas canciones hayan supuesto la creación de más nuevos grupos que estos dos, por no hablar de la labor del grupo a la hora de definir un género aún en pañales durante la década de los setenta y ayudar a la creación de otros subgéneros más extremos.

De los dos guitarristas siempre ha sido Tipton en el que más me he fijado ya que aunque ambos han compartido solos (muchas veces dentro de la misma canción) y labores compositivas, ha sido Tipton el que normalmente ha ido muy por delante en ambos aspectos. Y también, qué coño, siempre me ha parecido más simpático, aunque no sé muy bien por qué.

Glenn ha participado en absolutamente todo lo editado hasta ahora por Judas Priest (el único de los miembros digamos históricos en hacerlo, junto al bajista IAN HILL), pero él no fue un miembro original del grupo, cuya formación tuvo sus cambios hasta establecerse inalterada, casi por completo (cambios en la batería aparte), con la edición de ROCKA ROLLA en 1974, el primer disco de la banda. De hecho empezó muy tarde a tocar la guitarra, ya que según Wikipedia lo empezó a hacer a los diecinueve años, algo que me llama bastante la atención, y pasó por varios grupetes hasta unirse a Priest en la grabación del mencionado primer álbum.

Durante los primeros tres años el grupo saca dos discos bastante notables (SAD WINGS OF DESTINY, de 1975, y SIN AFTER SIN, de 1977) y va endureciendo su sonido, pero no deja atrás un cierto aire psicodélico muy propio de la década, algo que por fin queda atrás con la edición de los maravillosos STAINED CLASS y KILLING MACHINE, ambos en 1978, y el directo de 1979 UNLEASHED IN THE EAST, probablemente el disco en directo que más he escuchado y supongo que por esa misma razón mi preferido también. En Sin After Sin se había empezado a usar el doble bombo en la batería y esto se pone de manifiesto con la labor de LES BINKS en los tres siguientes discos antes nombrados.

Mención aparte durante esta época merecen sus maravillosas versiones de DIAMONDS & RUST (JOAN BAEZ) y THE GREEN MANALISHI (FLEETWOOD MAC).

Esta tendencia del grupo se amplia ya en los años ochenta, cuando al endurecimiento general del sonido (algo que viene acompañado de la clásica y arquetípica imagen de cuero y tachas) se le añade al aspecto compositivo un cierto enfoque a ratos más comercial, destinado a atraer más audiencia y que en general triunfa a lo grande aunque los resultados artísticos no siempre son los mejores (en mi opinión). A destacar tres discos míticos como son BRITISH STEEL (1980), SCREAMING FOR VENGEANCE (1982) y DEFENDERS OF THE FAITH (1984). Por otro lado, el polémico TURBO, de 1986, sigue siendo para mí, con toda probabilidad, uno de los tres discos menos válidos del grupo. En esta década la formación se mantiene estable con los ya mencionados músicos más DAVE HOLLAND en la batería y el legendario ROB HALFORD (al que no sé cómo no he mencionado antes y que pasa por ser el cantante definitivo del género) como cantante y principal compositor junto a Tipton. Y en esta década también destacan los duelos guitarrísticos entra ambos hachas en canciones como EAT ME ALIVE o  RAM IT DOWN. Es más, creo que hay muchos grupos con años de trayectoria a sus espaldas que serían incapaces de escribir algo como THE SENTINEL, sin ir más lejos.

En 1990 Priest deciden actualizar su sonido haciéndolo más extremo, con la idea en mente de ponerse un poco al día con respecto a las nuevas tendencias que van apareciendo en el mundo del metal, y editan esa obra maestra llamada PAINKILLER, sobre el que poco queda por decir. Tras la posterior gira, Halford decide abandonar Priest para poner en marcha diversos proyectos que no parecían tener cabida en los parámetros habituales del grupo (en el primero de ellos, FIGHT, contaría con SCOTT TRAVIS, el batería que entró en Priest para sustituir a Holland y que sigue con el grupo en la actualidad) . El grupo está unos años inactivo y Tipton se dedicaría a sus asuntos en solitario, editando en 1997 BAPTIZM OF FIRE, un disco que me entusiasmó en su día (y en el que además pone la voz y se rodea de un elenco salvaje de músicos) y que sigo escuchando de vez en cuando a pesar de no haber envejecido tan bien. De paso durante esa época también grabó otras canciones junto a los legendarios músicos, por desgracia ya fallecidos, JOHN ENTWISTLE (bajo) y COZY POWELL (batería). Los dos participaron también en Baptizm Of Fire, pero estas canciones, en concreto, quedaron fuera del disco supongo que por ser distintas, creo que algo más rockeras y asequibles que la tónica general del disco, y verían finalmente la luz años después, en 2006, con la edición del disco EDGE OF THE WORLD, en el que Tipton vuelve a cantar.

Priest volvieron en 1997 con el cantante americano TIM OWENS y la edición de JUGULATOR, puede que el disco más extremo de su carrera, donde el grupo volvía a afilar su sonido para competir con los Pantera, MACHINE HEAD, etc, de la época. Este disco también me encantó en su día (fui a San Sebastián a verlos durante esa gira) pero al igual que el de Tipton en solitario, no ha envejecido como me hubiese gustado. Muy buen disco en cualquier caso y más teniendo en cuenta que lo siguiente sería DEMOLITION en 2001, su peor disco de siempre, producido por Tipton además, sobre el que no me apetece ni comentar.

Halford volvería al redil en 2005, con la edición de ANGEL OF RETRIBUTION y el grupo se ha mantenido bastante de actualidad desde entonces, con la edición de más discos en general positivos pero algo irregulares, giras y la noticia de la marcha de Downing, sustituido por el joven inglés RICHIE FAULKNER en 2011. Hasta día de hoy, ya que en 2018 editaron el genial FIREPOWER, su mejor disco desde 1990, nada menos, y se hizo pública la noticia de la enfermedad de Glenn (por lo visto el guitarrista habría compartido esto con sus compañeros ya durante la gira de REDEEMER OF SOULS, en 2014, pero fue capaz de completar la misma, a pesar de las dificultades), que grabó el disco y fue sustituido por el coproductor del mismo, ANDY SNEAP, a la hora de girar (con apariciones esporádicas de Glenn para tocar ciertas canciones menos exigentes técnicamente). Así que ya ven, unos Priest sin sus dos guitarristas históricos y toda la polémica y polarización que eso conlleva. Pero el grupo a lo suyo, y tras la pandemia ya está abordando, con un poco de retraso, otra gira para celebrar sus cincuenta años de vida.

En 2018 Priest lanzaron la fundación GLENN TIPTON'S PARKINSON, en honor del guitarrista y como ya he dicho antes, éste seguirá en principio involucrado en el grupo. Todo este tema ha sido bastante emotivo y sólo el tiempo dirá qué va pasando. La canción NO SURRENDER, de Firepower, es la inspiración detrás de todo lo relativo a la fundación, que hasta vende camisetas con este lema, la imagen de Tipton y el logo de Priest, como parte de sus iniciativas para recaudar fondos en su lucha contra el Parkinson.

No voy a entrar a comentar en detalle los entresijos de su técnica, sobre todo porque leo muchas cosas al respecto y entiendo muy pocas, pero siempre se ha comentado que con respecto a Downing él ha tendido a ser un guitarrista más clásico y con más afán melódico que su compañero. Pero no hay como escuchar el trabajo de ambos para valorar todo esto. En cualquier caso, además de otras influencias bastante típicas y habituales entre los guitarristas del género (HENDRIX, Led Zeppelin, etc), Tipton señala que la más importante para él es la del guitarrista irlandés RORY GALLAGHER. 






Living after midnight































ANDY SNEAP





Andy Sneap





La trayectoria de Andy Sneap (18-07-1969, Belper, Derbyshire, Inglaterra) ya ha sido comentada en detalle en la entrada sobre SABBAT, por lo que no tiene mucho sentido repetirme aquí. Me remito a dicho artículo. Sólo diré que Andy puede que sea el guitarrista menos dotado técnicamente de todos los que recoge la lista, pero eso da igual, ya que sólo por el hecho de ser una de las mentes pensantes tras un disco como DREAMWEAVER merece estar en este top. Por otro lado no creo que haga falta explicar que no sólo para tocar todo lo que se escucha en ese disco (y ya no digamos componerlo), sino que para además ser miembro de Judas Priest, hace falta ser muy buen guitarrista en cualquier caso.

Y además, Andy podrá estar uno o varios peldaños por debajo de todos sus colegas de esta lista, pero ha sustituido, producido, ayudado o tocado con unos cuantos de ellos, lo que dice mucho de él e indica que su talento va también más allá de su labor como guitarrista.

Curiosamente es el cuarto guitarrista seguido de todos los que he nombrado al que he tenido la suerte de ver en un escenario, aunque por desgracia ya es el último, al menos de momento.





Advent of insanity














ALEX SKOLNICK






Alex Skolnick




Considerado como uno de los mejores y más rápidos guitarristas de todos los tiempos, el guitarrista de la mecha blanca, Alexander Nathan Skolnick, nació el veintinueve de septiembre de 1968 en Berkeley (California) y es conocido sobre todo por ser el guitarrista de la grandiosa agrupación americana de thrash metal TESTAMENT.

En otro llamativo ejemplo de precocidad musical, Skolnick empezó a tocar la guitarra con nueve años (por lo visto fue alumno de JOE SATRIANI) y se unió con sólo quince a LEGACY, la banda previa a Testament que terminó dando nombre al disco de debut del grupo y que el guitarrista grabó en 1987 a los dieciocho años. Con Testament estuvo hasta 1992, grabando cuatro clásicos más: THE NEW ORDER, PRACTICE WHAT YOU PREACH, SOULS OF BLACK y THE RITUAL.

Alex acabó un poco cansado de tocar thrash y decidió dejar el grupo para meterse en otros proyectos, múltiples y variados, como son tocar con Ozzy Osbourne, ANTHRAX, SAVATAGE, TRANS-SIBERIAN ORCHESTRA, su grupo de jazz (estilo al que empezó a dedicarse muy seriamente a finales de siglo) ALEX SKOLNICK TRIO (con el que hace versiones jazz de clásicos del metal y el rock duro), una banda de funk llamada SKOL-PATROL, o una de sus más actuales aventuras, como es el supergrupo de thrash metal (y toques groove) METAL ALLEGIANCE, con quienes ya ha editado dos discos desde 2015.

Dentro de todos estos proyectos fuera de Testament destaca PLANETARY COALITION (2014), una suerte de disco de world music en el que han participado muchos músicos de todo el mundo y que ha derivado en una combinación de inquietudes artísticas, políticas, ecológicas y sociales.

Y digo fuera de Testament porque Alex volvió al grupo hace ya tiempo. Primero por un breve espacio de tiempo, para grabar FIRST STRIKE STILL DEADLY (2001), un disco compuesto por nuevas versiones de viejas canciones del grupo, y para participar en la gira THRASH OF THE TITANS, y por fin de manera definitiva en 2005, editando desde entonces con el grupo cuatro nuevos discos de estudio (de bastante calidad por cierto), entre otro material, incluido el más actual TITANS OF CREATION, de 2020. Comentar que en estas dos etapas en Testament ha estado acompañado en la otra guitarra por el inamovible ERIC PETERSON, que junto al cantante CHUCK BILLY forma la espina dorsal y vieja guardia del grupo.

Alex es además un tipo bastante activo en redes sociales, o al menos en Twitter, donde se manifiesta con asiduidad (ahora menos, por razones obvias) en contra de Donald Trump y habla de otras cosas que pueda tener en mente, y donde he tenido la suerte de interactuar con él alguna que otra vez, incluida una felicitación de cumpleaños (el suyo, por supuesto) y un amago de discusión con los BEATLES de por medio, aunque por suerte la sangre no llegó al río (cosas de colegas, ya se sabe).

Y me entero además de que en 2013 editó unas memorias llamadas GEEK TO GUITAR HERO, un libro que por supuesto también me gustaría leer, y de que tiene un blog llamado SKOLNOTES, además de sus habituales aportaciones para la revista GUITAR PLAYER MAGAZINE.

Lo comentado arriba acerca de la reputación de Skolnick no es casualidad y la carrera de Testament (sobre todo con él en sus filas) está llena de clásicos propios, pero nunca me resisto a comentar lo que hace en el solo de la versión que Testament grabaron en 2012 de la maravillosa POWERSLAVE, de los infaltables IRON MAIDEN, superando en mi opinión a la canción original. Abajo dejo el enlace, junto con otros más o menos significativos.


Y espero poder ver a Testament alguna vez ya que es un grupo que me gusta mucho y al que por supuesto sigo.






Practice what you preach


























JIMMY PAGE






Jimmy Page





James Patrick Page (09-01-1944, Heston, Middlesex, Inglaterra) es, con toda probabilidad, el guitarrista más importante y famoso de todos los que van a aparecer en esta lista, y uno de los mejores y más influyentes de la historia, a todos los niveles y en cualquier estilo musical (no en vano ha sido incluido en el ROCK & ROLL HALL OF FAME dos veces, nada menos: la primera en 1992 como miembro de los YARDBIRDS, y la segunda en 1995 por lo que todos estáis pensando. Creo que esta hazaña sólo la han logrado, aparte de él, GEORGE HARRISON, JEFF BECK y ERIC CLAPTON, miembros también en su día los dos últimos de los mencionados Yardbirds).

Ha habido otros guitarristas contemporáneos suyos, e incluso alguno que otro anterior, que han aportado de manera indudable su granito de arena con respecto a la creación de lo que poco después se conocería como heavy metal, pero para mí él es, más que ningún otro, el arquitecto del rock duro, gracias a ese monstruo que fue (y sigue siendo) LED ZEPPELIN, a quienes de paso considero el grupo más importante de la historia de la música. De hecho, iba a decir que Page es merecedor de semejante presentación gracias a ser el alma de Zeppelin, pero da igual. Led Zeppelin fue un grupo tan especial, tan excesivo y con una química tal entre sus cuatro miembros, que en el momento en que uno faltó (JOHN BONHAM falleció en 1980) el grupo dejó de existir porque, según los restantes miembros, a pesar de haberse barajado alguna alternativa, la continuidad del grupo simplemente no podía darse. Puede que Page y ROBERT PLANT, y esto no se le escapa a nadie, fuesen (y son) los rostros más reconocibles del grupo, pero lo cierto es que además de lo dicho acerca de la muerte de Bonham (probablemente el batería más famoso e influyente de la historia del rock duro), JOHN PAUL JONES es alguien que no necesita presentación y un músico absolutamente vital para la cohesión del grupo en todos los sentidos. De Plant no voy a decir gran cosa. Bueno sí, no me resisto a comentar que para mí es el mejor cantante del género.

Así que sí, Jimmy Page es Led Zeppelin, pero tanto como lo fueron y lo son los otros tres.


Es difícil comentar sobre las hazañas y tejemanejes de Page sin entrar en mil detalles y alargar mucho la tarea, ya que su carrera no se reduce sólo a Led Zeppelin, ni su cometido a la guitarra. Se trata de un multi-instrumentista, productor (muy innovador además en lo relativo a amplificación y técnicas de grabación) y compositor que además se ha visto metido en diversas aventuras musicales (y no musicales) y cuyas andanzas, como era de esperar, no han dejado indiferente a nadie interesado en el tema.

Intentaré hacer un resumen digno de la magnitud del personaje.


En los años sesenta Page fue un músico muy activo y ocupado, hasta el punto de ser uno de los músicos de sesión más solicitados de Gran Bretaña, además de tocar en directo con un buen número de artistas.
A mitad de la década rehusó sustituir a Eric Clapton (por lealtad a su amigo) en los Yardbirds y cuando Clapton finalmente abandonó el grupo y se le volvió a ofrecer el puesto, él recomendó a Beck, junto al que grabó BECK'S BOLERO en 1966. En esta grabación participaron los miembros de THE WHO John Entwistle (bajista nombrado antes junto a Glenn Tipton) y KEITH MOON (batería), y Page pensó en crear un grupo junto a ellos, aunque el asunto no fructificó al no encontrarse un cantante lo suficientemente bueno. En esta época, un poco como broma conjunta entre Entwistle y Moon (this is gonna go over like a lead zeppelin), el nombre Led Zeppelin fue sugerido por primera vez.

Page se acabó uniendo a los Yardbirds (primero como bajista), con los que incluso grabó el cuarto disco del grupo (LITTLE GAMES) en 1967, ya tras la salida de Beck, pero la cosa no funcionó y tras la espantada de algunos de los miembros en 1968, Page reconfiguró el grupo con sus tres secuaces antes nombrados, para al menos cumplir con una serie de fechas ya acordadas por Escandinavia. Esto supuso el nacimiento de Led Zeppelin, que al principio se presentaron como THE NEW YARDBIRDS, hasta que page recordó aquella broma ya nombrada antes (con un pequeño retoque) y el resto es historia.

No voy a entrar en mucho detalle acerca de la trayectoria de Led Zeppelin. Sería ridículo. Sólo decir que es un grupo fundamental en la creación del rock duro y del heavy metal, pero que nunca tuvo miedo a la hora de experimentar con otros estilos, haciendo básicamente lo que quisieron sus miembros en cada momento, ayudados por su más que famoso manager y quinto miembro PETER GRANT. Legendarias son sus historias y anécdotas relacionadas con todo tipo de excesos, y más legendaria aún es su música (digamos que en la inmensa mayoría de casos), que les ha llevado a ser uno de los grupos más vendedores de todos los tiempos. Su aura especial, sus maratones en directo, su rechazo a editar singles (en una época en la que éste era el formato dominante) para que la gente tuviese que comprar sus discos, sus barbaridades fuera del escenario y sobre todo su música, en una década de los setenta tan propensa a todo lo anterior que parece que se hizo a la medida del grupo, hicieron de Led Zeppelin el monstruo antes comentado.

Muchas de las ideas que Page sacó de su anterior aventura en los Yardbirds, en términos de experimentación e improvisación instrumental, se llevaron con LZ a otro nivel, y el grupo terminó siendo una amalgama de blues, rock duro y gran cantidad de pasajes acústicos, algo que no tenía precedentes en la época. Imitados por la mayoría, igualados por nadie e influyentes como pocos, LZ deben buena parte de su brutal impacto a la labor de Page, que tuvo claro lo que quería desde el principio.

Más abajo pondré los habituales enlaces a canciones destacadas del grupo, pero creo que no merece mucho la pena comentar una discografía brillante (repito, con muy escasas excepciones, como es el caso del inclasificable IN THROUGH THE OUT DOOR, de 1979), conocida y analizada como pocas, ni tampoco historias sobre las costumbres del grupo fuera del escenario. Su reputación los precede y como ya he dicho, hay algo distinto en relación con LZ (esa especie de aura) que rodea todo lo relacionado con ellos y que en su día pasó de guiar el dirigible al éxito más absoluto a llevarlo directamente a la categoría de leyenda, una vez fallecido Bonham.



Los ochenta transcurrieron para Page entre dificultades a la hora de lidiar con la muerte de su amigo, la repentina inactividad que esto trajo, las drogas y diversos proyectos que incluyeron colaboraciones (tanto en estudio como en directo), alguna banda sonora (DEATH WISH II, 1982), su disco en solitario OUTRIDER (1988), su grupo THE FIRM (junto al cantante PAUL RODGERS, con el que editó un par de discos) y algún show de reunión de Led Zeppelin (con invitado a la batería, claro está), como el LIVE AID de 1985 o el cuarenta aniversario de ATLANTIC RECORDS en 1988.

Decir además que CODA, el disco póstumo de LZ, que contenía canciones no usadas con anterioridad, vio la luz en 1982.

En los años noventa LZ volvieron, como no podía ser de otra manera, a estar muy presentes gracias a la labor de Page y Plant, que subieron juntos al escenario en el famoso concierto de KNEBWORTH (1990), donde Page tocó junto al cantante tres canciones del grupo, y que luego unirían fuerzas en los discos NO QUARTER: JIMMY PAGE & ROBERT PLANT UNLEDDED (1994) y WALKING INTO CLARKSDALE (1998), además de en las respectivas giras. De paso ganaron un Grammy a la mejor interpretación de hard rock por la canción MOST HIGH, de este último disco. Además Page pasó buena parte de estos años remasterizando todo el catálogo de LZ.

En esta década también llegó el que para mí es el mejor trabajo de todos los que he escuchado de Page una vez terminados LZ, y que no es otro que el disco que sacó junto al cantante DAVID COVERDALE (WHITESNAKE, DEEP PURPLE) en 1993, COVERDALE & PAGE, donde Page mostraba su lado más heavy metal. 

El siglo terminó con más colaboraciones (incluido el mundo del cine) y labores caritativas, que supusieron que Page recibiera en 2005 la Orden Del Imperio Británico y el honor de ser ciudadano honorario de Río De Janeiro. El diez de Diciembre de 2007 LZ resucitaron por un día, con el hijo de Bonham, JASON BONHAM, a la batería, para un concierto en Londres, que saldría a la venta en 2012 con el nombre de CELEBRATION DAY, y de paso aprovecharon para establecer el récord mundial en lo que a demanda de entradas para un concierto se refiere, ya que hubo veinte millones de peticiones on-line para este show. LZ están más vivos que nunca. Page incluso participó representando al Reino Unido en la ceremonia de clausura de los JJOO de Pekín de 2008.

Los siguientes años han transcurrido entre más colaboraciones del músico, un sinfín de premios (otro Grammy por Celebration Day, por ejemplo) y reconocimientos (individuales y colectivos junto a LZ), polémicas, acusaciones y pleitos varios relacionados con la costumbre de LZ de usar (no sé cuál es el verbo más apropiado aquí) ciertas melodías y letras ajenas al principio de su carrera para crear algunas de sus canciones (algo que por lo visto era más común de lo que parece y que LZ ponían en práctica robusteciendo cierto material ajeno y uniéndolo al suyo propio), no siempre dando a los autores los debidos créditos, y todo lo relacionado con los rumores sobre la enésima vuelta de LZ y las negativas de Plant al respecto.

Por mucho que este apartado sobre Page pueda llegar a ser el más largo de todos y el más difícil de condensar, sí que me quiero mojar en este tema. Creo que Led Zeppelin se fueron en su día y ya nunca volvieron (quitando conciertos humanitarios completamente aislados y separados entre sí por muchos años o incluso décadas), y no deberían hacerlo ahora. De hecho, en mi opinión, hace muchos años que esto debería haber dejado de ser una opción. Y me explico. Creo que las colaboraciones entre sus músicos, que suelen suponer que la música de LZ esté muy presente, si es que no es el centro de las mismas, están muy bien y seguir con todo lo relacionado con el grupo es genial. Pero sin el grupo. LZ dejaron de existir en 1980 y en el tiempo que transcurrió entre la muerte de Bonham y el anuncio definitivo se barajaron opciones. De haber seguido el grupo con alguna de ellas, sin haberse separado y con una casi total continuidad, estaríamos hablando de otra cosa, mejor o peor. Pero eso no pasó y ya han pasado muchos años. La gente (yo desde luego) tiene la imagen de los LZ de los setenta (ya que por otro lado apenas hay otra, quitando el final de los sesenta), y con esto estamos hablando de músicos jóvenes y ese componente excesivo y salvaje ya comentado. Pasar de eso a unos LZ sexagenarios o incluso más, mucho tiempo después, con las lógicas dificultades físicas para hacer giras y actuar, y sin ningún término medio entre aquello y esto sería mucho contraste y algo que con mucha probabilidad sería decepcionante para todo el mundo. Por no hablar de que el momento en el que crearon su música fue aquel y la magia sería muy difícil de recuperar.

Por todo esto las negativas de Plant al respecto me parecen bien y creo que es algo que no debería pasar.

Se dice, por lo demás, que Page está con ganas y fuerzas de salir de gira y quién sabe si habrá algo en estudio. Veremos qué pasa.


Y poco más. No voy a entrar en las adicciones del protagonista ni en su vida privada, ya que no vienen al caso y darían para mucho, pero sí comentaré por encima su documentada fascinación por el mundo de lo oculto y la relación que todo esto tuvo con LZ (los cuatro famosos símbolos, entre otras cosas). Es notoria su admiración por ALEISTER CROWLEY (de cuya mansión, Boleskine House, fue propietario en su día y que incluso tuvo cierta participación en el rodaje en 1973 de la película de LZ THE SONG REMAINS THE SAME, que vio la luz en 1976) y además fue propietario en los setenta de una tienda y editorial en Londres sobre la materia (THE EQUINOX BOOKSELLERS). También creó la banda sonora para la película corta LUCIFER RISING (1972), del director underground y admirador de Crowley KENNETH ANGER.


Y quién no tiene en mente la imagen de Page con el arco de violín tocando DAZED & CONFUSED, o se acuerda de Iron Maiden al escuchar ACHILLES LAST STAND?

Leyenda absoluta.





Rock & Roll





























Ahora queda dar paso a los tres guitarristas de esta lista que por desgracia ya no están con nosotros:






CHUCK SCHULDINER





Chuck Schuldiner





Charles Michael Schuldiner nació en Long Island, Nueva York, el trece de Mayo de 1967 y fue un guitarrista, cantante y compositor con respecto a quien hay bastante consenso a la hora de considerarlo el padre de todo un género musical, el death metal. Ni más, ni menos. Su nombre siempre irá ligado al que fue su grupo y vehículo para todas sus ideas sónicas y líricas: los absolutamente imprescindibles DEATH, que a su vez pasan por ser el grupo fundador de dicho género, o quienes editaron el primer disco del mismo. Sé que se barajan otros nombres y otros discos en esta cuestión pero eso realmente es lo de menos ya que hay unanimidad, creo yo, a la hora de considerar a Chuck una figura gigantesca en la historia del metal extremo y su desarrollo, y una de las más importantes de la historia del metal en general. Con respecto a esto, el bueno de Chuck (consensuada está también la extrema humildad del personaje) restaba importancia a su papel en la creación y el devenir del death metal, diciendo que no era digno de crédito al respecto ya que él sólo era un tipo en una banda.

Si bien la vida de Chuck fue ridículamente corta, lo que ya supone algo trágico en sí mismo, él no fue ajeno a las desgracias mientras vivió, ya que un hermano mayor suyo murió a los dieciséis años cuando él sólo tenía nueve, y se cuenta que sus padres le compraron una guitarra pensando que sería una buena forma de ayudarle a superar dicha tragedia. Así que Chuck fue un guitarrista muy precoz.

Interesado en un principio en grupos de metal tradicional, junto a otros como KISS (leo de paso que nombraba con frecuencia a los franceses SORTILÈGE como su grupo preferido, pero ni sabía de esto ni conocía a tal grupo), fue añadiendo otras influencias más extremas a su manera de tocar y componer y ya en 1983 (con sólo dieciséis años) creó el grupo MANTAS que cambiaría su nombre un año después, propiciando la creación de los legendarios Death. Hay que mencionar el hecho de que a pesar de estar hablando de un grupo y no de un artista en solitario, Death pasaron de ser una banda como tal a terminar siendo el proyecto personal de Chuck, ya que los continuos cambios de personal supusieron que éste fuese (quitando una temprana demo, de las muchas que hicieron, que KAM LEE, el primer batería del grupo, editó bajo el nombre de Death durante una mudanza de Chuck a San Francisco en 1985. En cualquier caso, esta demo se considera más bien material de MASSACRE, el grupo inmediatamente posterior de Lee) el único miembro de Death en participar en todas sus grabaciones.

Chuck incluso se uniría momentáneamente, durante otro cambio de domicilio (esta vez a Toronto), al grupo canadiense de thrash metal SLAUGHTER (la recopilación de 2004 FUCK OF DEATH, recoge fragmentos de un ensayo con Chuck), pero pronto continuaría con Death, que editarían su debut en 1987, bajo el nombre de SCREAM BLOODY GORE (para mucha gente el primer disco de death metal, honor que suele compartir con SEVEN CHURCHES, de POSSESSED, editado en 1985. Si me preguntan diría que el disco de Death debería llevarse el honor ya que sin ser un experto en el mismo lo que he escuchado de Seven Churches me parece una variante algo más extrema de lo que SLAYER hacían por esa época y en ese sentido Scream Bloody Gore me parece especialmente rompedor. Pero como he dicho antes, esto se me antoja completamente irrelevante y anecdótico), en el que se encargó de todo menos de la batería, a cargo de CHRIS REIFERT.


Death no sólo experimentaron multitud de cambios en su formación (pasando de músicos desconocidos que encontraron en Death un trampolín para sus respectivas carreras posteriores, a luminarias como GENE HOGLAN, ANDY LAROCQUE, JAMES MURPHY o STEVE DI GIORGIO), sino que con el paso del tiempo el estilo musical fue, por así decirlo, puliéndose y pasó del death metal de vieja escuela del principio a tener más componentes técnicos y progresivos e incluso de thrash, sin abandonar nunca los límites del metal extremo. Las letras y las inquietudes de Chuck en este sentido también evolucionaron, yendo del contenido gore y un poco cómico de los dos primeros discos a pequeñas exploraciones filosóficas sobre la mente humana. Así, si tomamos el primer disco y lo comparamos con el último, el genial THE SOUND OF PERSEVERANCE (1998), podemos ver que el cambio es evidente (si el adjetivo es el correcto, ya que hablamos de algo menos brutal, pero brutal a fin de cuentas). Sin embargo, si esto se observa disco a disco se puede ver algo no tan drástico y bien calculado, y en el camino quedan joyas como LEPROSY (1988), SPIRITUAL HEALING (1990) o SYMBOLIC (1995), probablemente mis tres discos preferidos del grupo, sin desmerecer a ninguno de los otros cuatro, todos geniales y meritorios por propio derecho.

Y qué decir de temazos absolutos como PULL THE PLUG, LIVING MONSTROSITY, IN HUMAN FORM, EMPTY WORDS o EVIL DEAD?

La voz de Chuck también iría evolucionando, siempre dentro de los parámetros de lo, digamos, gutural, y él mismo reconocería que iba a ser muy difícil mantener a lo largo del tiempo la forma de cantar de sus inicios a la hora de girar de manera más o menos frecuente. Chuck fue un guitarrista privilegiado, original e innovador (mayormente autodidacta y para colmo, tocaba con la derecha a pesar de ser zurdo, así que cómo se te queda el cuerpo Rafa Nadal?), pero como ya he comentado en la crítica del disco de ASPHYX acerca de MARTIN VAN DRUNEN, su voz es de esas que destacan y se recuerdan dentro de lo que es el metal extremo, porque, a pesar de ser una voz difícil de escuchar para el oído no acostumbrado al género, no tiene nada que ver con ciertos cantantes que deambulan por ahí y que parecen concentrarse en gruñir.

Por otro lado, algo que también fue creación de Chuck y que también cambió con el tiempo fue el mítico logo de la banda.

Antes de The Sound Of Perseverance, Chuck había montado un proyecto paralelo llamado CONTROL DENIED, en una onda más progresiva y que contaba con algunos músicos que luego participarían en dicho último álbum de Death. De hecho alguna demo de Control Denied contenía canciones que luego estarían en el disco de Death, como SPIRIT CRUSHER. Con esta formación editó en 1999 THE FRAGILE ART OF EXISTENCE, un disco que en mi opinión se hubiese beneficiado mucho de la aportación de otro cantante, ya que la línea más melódica buscada con TIM AYMAR se me antoja un poco rara. Por otro lado he leído que este disco vendría a ser como The Sound Of Perseverance con otro cantante, cosa con la que no estoy para nada de acuerdo. Puedes notar que es Chuck quien está detrás de todo el proyecto y la contemporaneidad con respecto al último disco de Death, pero éste es bastante más extremo, y no me refiero sólo al cambio drástico que supone que Chuck cante en él.


Por desgracia, éste sería el último capítulo musical de Chuck, que fue diagnosticado en 1999 con un tumor cerebral. A partir de aquí se sucederían el optimismo tras una primera etapa y la recaída, unidos a variados actos de apoyo al músico y su familia, destinados a reunir dinero para hacer frente a las brutales facturas médicas. No es algo en lo que me apetezca entrar en detalle, la verdad, y en 2001 el cáncer volvió para nunca irse. A pesar de nuevos intentos por reunir dinero para costear el tratamiento (y ridículas peleas con aseguradoras de por medio) la quimioterapia debilitó aún más al músico, que contrajo neumonía y falleció el trece de Diciembre de ese mismo año, en Altamonte Springs, Florida. Por lo visto sus restos fueron incinerados, siguiendo sus propios deseos, y no hay un lugar concreto donde se encuentren los mismos.

Es curioso, ya que la canción VOICE OF THE SOUL, incluida en The Sound Of Perseverance, siempre me suena a una especie de despedida por parte del músico. Sé que esto no tiene ningún sentido ya que nadie tiene una bola de cristal para ver el futuro y Chuck aún no había sido diagnosticado con la enfermedad que terminó con él, pero el título de la canción y sobre todo el estilo sombrío de ésta, completamente alejado de cualquier cosa que hubiesen grabado Death hasta la fecha (creo que es la única vez que una guitarra acústica hace acto de aparición en alguno de los siete discos), me hacen pensar que de alguna manera Chuck sabía algo y quería despedirse, aunque repito, esto no se sostiene teniendo en cuenta la cronología de lo que pasó. En cualquier caso dejaré más abajo un enlace a la canción, que es otra maravilla como no podía ser de otra manera.


Además de estas dos aventuras musicales, Chuck también participó en otros proyectos, como lo comentado acerca de Slaughter, el disco OF HELL, de NAPHOBIA, o también el primer disco (JESUS KILLING MACHINE, 1994) del fallido proyecto de estrellas del género VOODOOCULT.

Acerca de la personalidad y la magnitud del personaje hablan por sí solos los homenajes (pasados y presentes), comentarios y recuerdos de sus fans y todos los que le conocieron.


Gracias por todo Chuck.





Evil Chuck


























RANDY RHOADS






Randy Rhoads





Si ya resultaba difícil hablar de Chuck Schuldiner y hacerle un poco de justicia, el guitarrista que ahora nos ocupa supone palabras mayores en todos los sentidos, y es que el guitarrista americano Randall William Rhoads (06-12-1956, Santa Monica, California), puede ser, a pesar de su menuda constitución y de su escaso legado musical (en relación a su discografía, y debido a su corta vida), el mejor y más gigantesco de todos los de esta lista.

Es curioso como muchas veces el apellido de Randy aparece como Rhodes. Siempre lo interpreté como un ridículo error, pero tras ver que esto se repetía bastante pensé que quizás no fuese tal cosa. Por lo visto Rhoads podría ser una variante del alemán Rhodes y quizás la familia lo usase de manera indistinta, hasta el punto de ver una foto bastante actual (2004) de Ozzy Osbourne con DELORES, la madre del músico, sujetando una placa homenaje en la que aparecía la segunda forma, y no creo que eso vaya a ser un error. Sea como fuere el apellido se queda como Rhoads porque es lo primero que he conocido, lo que viene en los discos, lo que se usa mayormente y porque me gusta más a mí.


La familia de Randy era una familia musical y su madre abrió una escuela de música llamada MUSONIA, en el Valle De San Fernando (California), para poder sacar adelante a sus tres hijos ya que el padre los dejó tirados. De esta manera Randy empezó a tocar el piano y la guitarra clásica, lo que unido a su posterior interés por el heavy metal supuso que de alguna manera, y salvando ciertas distancias, acabase siendo precursor de lo que después se llamaría metal neoclásico. Atento en la materia y con un interés desorbitado al respecto, Randy pronto superaría los conocimientos de su primer profesor de guitarra, en la propia academia Musonia, y éste no tuvo más remedio que dirigirse a la madre del angelito para decirle que ya no podría seguir enseñando a su hijo ya que, en resumen, lo más conveniente es que el asunto fuese al revés.

En el colegio conoció a KELLY GARNI, al que le unió una gran amistad y a quien enseñó a tocar el bajo. Juntos estarían en varias bandas sin apenas recorrido, mientras Randy iba aprendiendo el arte de la guitarra solista, y en esa época Randy descubrió a ALICE COOPER, cuyo guitarrista GLEN BUXTON lo dejó boquiabierto en un concierto del grupo al que Randy asistió en 1971. Randy siguió con sus estudios (que conseguiría terminar más temprano de lo habitual) mientras daba clases de guitarra en Musonia por la mañana y tocaba por la noche, hasta que a los dieciséis años él y Garni formaron LITTLE WOMEN (???), que pronto cambiaría su nombre a QUIET RIOT, tras reclutar la pareja a KEVIN DUBROW y DREW FORSYTH (voz y batería respectivamente).

El grupo se hizo muy popular en la zona de LA, así como la pajarita con puntos que Randy usaba y que pasó a ser una especie de emblema del grupo. Pero a pesar de dicha popularidad, los discos que el grupo sacó en 1977 y 1978 (QUIET RIOT y QUIET RIOT II, respectivamente) sólo se editaron en Japón. La relación entre los miembros del grupo se deterioró y Garni fue expulsado, siendo sustituido por RUDY SARZO. Con respecto a la música del grupo destacar que poco tenía que ver con lo que Randy haría después con Ozzy, pero ciertas ideas ya estaban ahí y fructificarían con el cantante inglés. Esto se puede notar en la muy recomendable recopilación THE RANDY RHOADS YEARS, de 1995, que contenía, entre otras curiosidades, canciones como FORCE OF HABIT (donde se puede reconocer el riff de SUICIDE SOLUTION) o el solo en directo LAUGHING GAS, donde ya se encuentran otras cosas que se escucharían posteriormente en los solos que Randy haría con Ozzy.


En 1979 Randy accedió de mala gana a hacer una audición para Ozzy, ya que éste estaba en LA intentando formar un grupo tras su salida de Black Sabbath. Acerca de esta audición hay varias versiones contradictorias entre sí, sobre todo en lo relativo al punto de vista del cantante y su constante estado de embriaguez por aquella época. No queda claro si Ozzy conoció a Randy ese día o al siguiente, si Randy tocó algo y Ozzy alucinó, o si tan siquiera llegó a tocar, ya que el cantante quizás estuviera tan trompa que lo contrató por puro aburrimiento. Pero el caso es que Randy obtuvo el puesto, a pesar de que Ozzy empezó a ensayar con otro guitarrista, que no le acabaría convenciendo, al volver a Inglaterra (???). No hace falta decir que ésta es sólo una pequeña anécdota, entre lo absurdo y lo divertido, de entre todo el montón de ellas que acumuló el cantante durante sus períodos más excesivos.

Randy, aún así, consultó con su madre el tema, ya que por una lado le debió costar dejar su grupo, pero por otro éste era incapaz de conseguir un contrato para grabar y editar en Estados Unidos y lo de Ozzy parecía algo prometedor.

Se cuenta que Randy pasó una noche en una celda inglesa ya que al ser convocado por Ozzy en Inglaterra, no pudo entrar en el país por no tener los papeles necesarios, y luego lo mandaron de vuelta (yo es que me descojono). Ozzy se disculpó y todo se arregló para un segundo viaje, esta vez felizmente culminado.

El grupo (THE BLIZZARD OF OZZ por un tiempo) lo completaron el bajista BOB DAISLEY y el batería LEE KERSLAKE, y todos juntos editaron el ya mencionado, arriba del todo, Blizzard Of Ozz, en 1980, y el trabajo de Randy fue recibido con un entusiasmo casi instantáneo por parte de los fans lo que ayudó a relanzar la carrera del peculiar cantante.

Como suelo hacer (o más bien, no hacer), voy a ahorrarme comentarios acerca de canciones tan famosas y gloriosas como Suicide Solution, I DON'T KNOW, MR. CROWLEY o la ubicua CRAZY TRAIN. El disco en general es una maravilla (quitando GOODBYE TO ROMANCE) y además contaba con una pequeña pieza instrumental y acústica que Randy dedicó a su madre y que se llamó DEE, pero como ya dije arriba del todo, para mí el sonido general era muy mejorable. El disco lo produjo el propio grupo, por cierto.

La banda giró por el Reino Unido, Randy fue acumulando premios y prestigio, y al año siguiente salió el que sería el último disco de Randy y para mí, de largo, el mejor de toda la carrera del cantante inglés, DIARY OF A MADMAN. Esta vez Randy y Ozzy sólo ayudaron en la producción, que en general corrió a cargo de MAX NORMAN y esto se notó para bien. El disco es una maravilla y condensa el inagotable arsenal de trucos del guitarrista, con sus dive bombs, su tapping y sus variadas acrobacias con su instrumento, algo que hubiese quedado en nada de no haberse conseguido escribir unas canciones brillantes, como la veloz OVER THE MOUNTAIN (la mejor canción en la carrera de Ozzy, en mi opinión), la oscura BELIEVER o ese absoluto aquelarre musical que es la canción título (con sus evidentes guiños a CARL ORFF y su O FORTUNA, de CARMINA BURANA), algo que es imposible describir con palabras.

Aunque el disco también lo grabaron Daisley y Kerslake, estos fueron despedidos abruptamente antes de su lanzamiento, algo con lo que Randy no quedó nada contento, y sustituidos por el ya nombrado Rudy Sarzo y TOMMY ALDRIDGE, que de paso aparecieron en las fotos del disco. Ha habido movidas legales por todo este tema, que además se han alargado en el tiempo, y que llevaron a algún que otro movimiento estúpido por parte del entorno del cantante, como aquellas reediciones de los discos con las partes de Daisley y Kerslake sustituidas por las interpretaciones de otros músicos. Parece que todo esto tuvo hace poco un relativo final feliz antes de la muerte del batería.

En en esta época, poco antes de morir, cuando Randy decidió que dejaría la banda de Ozzy y el heavy metal, al menos por un tiempo, para dedicarse a conseguir un grado en guitarra clásica por la Universidad De California. Por lo visto también tuvo que ver el hartazgo con respecto a la actitud general de Ozzy, debido a sus excesos (señalar que para más contraste entre ambos, Randy no sólo era un tipo tranquilo preocupado sólo por su guitarra, sino que aparte de fumar mucho no tenía ningún vicio y apenas probaba el alcohol; mientras que Ozzy era... bueno, Ozzy), y la imprevisibilidad que ello suponía, unido al anuncio de que el grupo grabaría un disco en directo de versiones de Sabbath, algo a lo que se negaban Randy y Aldridge, que querían grabar música propia. Ozzy no se tomó esto nada bien, las tensiones aumentaron y se comenta que finalmente Randy accedió con tal de poder dejar el grupo cuando sus obligaciones contractuales hubieran terminado. La repentina muerte del guitarrista tumbó todo esto, y tal disco acabaría siendo SPEAK OF THE DEVIL (1982, con el guitarrista BRAD GILLIS), pero esa es otra historia. Es curioso, porque Ozzy siempre ha hablado maravillas de Randy, del tiempo que pudo pasar con él y de la amistad que los unía, pero quizás las cosas no fuesen en su día tan fáciles. En cualquier caso ambos tenían una buena relación, y por lo que se cuenta, cualquier tensión al respecto se debió al comportamiento errático y excesivo del cantante, que quizás estaba en su peor época en este sentido. Estoy seguro de que Ozzy se ha pasado todo este tiempo desde la muerte de Randy arrepintiéndose de cualquier cosa que pudiese haber hecho o dicho en su día y que hubiese servido para estropear la relación de ambos. No en vano, muchos años después, el cantante reconocería en su autobiografía no entender cómo alguien con tanto talento como Randy querría involucrarse con un inflado y alcoholizado despojo como yo.


He leído varias veces el episodio de la muerte del guitarrista (junto a otras dos personas) y es difícil hacerlo sin tener escalofríos, debido a lo atroz y grotesco del suceso. Por eso no entraré en detalles. Simplemente decir que Randy falleció el diecinueve de Marzo de 1982 en una zona de Leesburg (Florida) en un bizarro accidente aéreo, como consecuencia de un estúpido y caprichoso vuelo "inocente" que nunca debió producirse. Tenía veinticinco años. Lo curioso es que Ozzy recuerda que su última conversación con Randy, la noche anterior, trató sobre lo excesiva que estaba siendo la relación del cantante con el pimple y que lo último que el guitarrista le dijo fue que, de seguir así, el cantante se acabaría matando a sí mismo.

Randy está enterrado en el cementerio Mountain View, en San Bernardino, California, con una inscripción que dice an inspiration for all young people.

Al cumplirse cinco años exactos desde su muerte salió a la venta el disco en directo TRIBUTE, grabado mayormente en 1981 (aunque parece que un par de canciones se grabaron en Inglaterra en 1980 y en ellas tocaban aún Kerslake y Daisley) imprescindible como resumen de la última etapa de Randy y para conocer su trabajo en directo (incluye una salvaje versión de CHILDREN OF THE GRAVE, de Sabbath, con un solo de Randy que no es de este mundo), aunque si me preguntan creo que es incluso mejor a nivel de sonido el directo que apareció como disco extra en la reedición de 2011 de Diary Of A Madman, también grabado en 1981. Como portada de Tribute se utilizó la icónica imagen de Ozzy cogiendo a Randy de una pierna y levantándolo en el aire, tomada por PAUL NATKIN en un show en Rosemont el veinticuatro de Enero de 1982.



La foto de Paul Natkin




La influencia de Randy en guitarristas contemporáneos y posteriores es enorme y es considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, aunque esto no fue siempre así mientras vivió y son conocidas las comparaciones y los tira y afloja con EDDIE VAN HALEN, otro de los más grandes.

En 2011 salió CRAZY TRAIN: THE HIGH LIFE AND TRAGIC DEATH OF RANDY RHOADS, la muy recomendable primera biografía del guitarrista, escrita por JOEL MCIVER, con prólogo de Zakk Wylde y epílogo de YNGWIE MALMSTEEN. Su madre Delores, recientemente fallecida, creó una beca anual en su nombre que se concede a estudiantes de guitarra, en 2017 fue incluido en el HALL OF HEAVY METAL HISTORY, por definir la guitarra solista en el heavy metal, y ya muy recientemente, el treinta de octubre de 2021 ha sido incluido en el famoso Rock & Roll Hall Of Fame.


Inolvidable.






Flying high again

























RORY GALLAGHER






Rory Gallagher






Curiosamente, el guitarrista más alejado musicalmente hablando de mis gustos habituales es también uno de los más añorados y uno de aquellos a los que más aprecio tengo. William Rory Gallagher, el genial guitarrista irlandés, nació el dos de Marzo de 1948 en Ballyshannon, y pocas personas habrán hecho sufrir tanto a un instrumento sobre un escenario como el inigualable y recordado monstruo del blues rock Rory.

Y no sólo eso, sino que al igual que en casos muy destacados como Eric Clapton y algunos más, la salvaje labor del genio irlandés a la guitarra eclipsó sus dotes como cantante, ya que (yo no sé si soy poco objetivo o simplemente todo encajaba en la música que hizo) la voz de Rory era simplemente acojonante, algo que demostró en su carrera en solitario y con su grupo previo TASTE. De paso, y a medida que avanzaba su carrera, aprendió a tocar la armónica, el saxofón, y la mandolina, entre otros instrumentos.

Al igual que otros compañeros de lista, Rory también fue un músico precoz, debido en parte al ambiente musical de la casa, ya que la madre era cantante y actriz, y Rory y sus hermanos fueron introducidos en la materia desde muy pronto. Tuvo su primera guitarra a los nueve años y a partir de ahí aprendió él solo teniendo como brújula el blues y el folk americanos que escuchaba en la radio, y encontrando en gente como MUDDY WATERS o WOODY GUTHRIE sus influencias más sonadas.

Aún siendo un adolescente, Rory estuvo en alguna que otra banda, y una llamada FONTANA, que poco después derivó en THE IMPACT, lo llevó a tocar incluso en España, hasta que el grupo se separó y Rory decidió montar el suyo propio, Taste, que durante un corto período de tiempo se llamó THE TASTE. Tras la salida de un par de músicos iniciales reclutados por Rory, en 1968 el grupo quedó configurado con Rory, el bajista RICHARD MCCRACKEN y el batería JOHN WILSON.

Taste tuvieron una vida bastante corta (aunque ha habido reencarnaciones de la banda muchos años después de su separación, una vez fallecido Rory) y editaron un par de discos en estudio y uno en directo, además de otro directo (LIVE AT THE ISLE OF WIGHT, 1971) que salió algo después de que la banda se separase. Ambos discos en estudio, TASTE y ON THE BOARDS fueron grabados en 1968, pero salieron al mercado en 1969 y 1970, respectivamente, y junto a actuaciones con gigantes de la época como CREAM, ayudaron a poner en el mapa a Rory. El segundo es algo más variado y tiene cierta influencia del jazz, y en él destaca sobre todo la genial WHAT'S GOING ON?, mientras que el primero es más hard rock y destacan canciones como la salvaje BLISTER ON THE MOON y la adaptación de una canción tradicional llamada CATFISH, la cual me trajo a la mente a Black Sabbath la primera vez que la escuché. Sólo que estos no existían aún. Recuerdo haber leído una vez que Dazed & Confused, de Led Zeppelin, era la canción más heavy que había hasta la llegada poco después del primer disco de Sabbath, algo que tiene bastante sentido, pero me sorprende no haber visto nunca alguna de estas canciones metida en esa discusión relativa a los inicios del heavy metal.


Disputas internas por temas de management y el anhelo de los otros dos músicos por equipararse a Rory, cuando éste era el único compositor, llevaron a la disolución de la banda, que dio su último concierto en Belfast, la nochevieja de 1970. Es ahí cuando empieza la afamada carrera en solitario del guitarrista, y su relación con el simpático bajista GERRY MCAVOY, que estaría con él hasta 1991 y con quien grabaría todos sus discos de estudio. El puesto de batería sería para unos pocos elegidos, destacando TED MCKENNA, y también, según épocas, el trío pasó a ser un cuarteto con la inclusión de un teclista. Tras 1991 su banda cambió totalmente pero ya no editaría más material de estudio.

No voy a entrar en detalle en lo que es su larga trayectoria en solitario, porque eso se aleja de la intención del artículo y porque no soy ni mucho menos un experto, ya que me concentro más en su etapa más orientada al rock duro a finales de los setenta, con discos como PHOTO-FINISH (1978), TOP PRIORITY (1979) y el genial directo STAGE STRUCK (1980), y no conozco todos sus discos en profundidad. Da lo mismo. No sólo el tipo, su técnica y su trayectoria son lo suficientemente atractivas como para que ocupe un lugar en esta lista, sino que conozco más que de sobra muchas de sus canciones, a las que por supuesto iré añadiendo más. Sólo en los setenta ya sacó cerca de una decena de discos (sin contar los de Taste), tan importantes y grandiosos como TATTOO (1973), IRISH TOUR (1974) o CALLING CARD (1976), y además, quién puede resistirse a canciones tan acojonantes como la inmensa balada I FALL APART (con su postrero arranque proto-heavy metal), A MILLION MILES AWAY, TATTOO'D LADY, CALLING CARD, JUST HIT TOWN, CREST OF A WAVE, WALK ON HOT COALS, BRUTE FORCE & IGNORANCE (puede haber un nombre más molón para una canción?) o MOONCHILD, entre otras muchas?

Ni que decir tiene que hay muchas recopilaciones y discos en directo editados tras la muerte de Rory, entre los que destacaría WHEELS WITHIN WHEELS (2003) y NOTES FROM SAN FRANCISCO (2011).

Rory era una bestia encima del escenario (después pondré el enlace a un vídeo en el que él y su banda tocan la memorable SHADOW PLAY en directo y donde se puede apreciar un poco lo que era este hombre encima de las tablas) pero a la vez una persona bastante tímida y poco dada a llamar la atención fuera de él (creo que en este sentido comparte algo de su personalidad con Randy y Chuck), y quizás para paliar esa timidez siempre fue bastante dado al trago, lo que con el tiempo acabó dañando seriamente su hígado. Dio su último concierto en Enero de 1995, y poco después fue ingresado en un hospital de Londres, donde se llegó a la conclusión de que necesitaba un trasplante de hígado, que por lo visto fue bien, hasta que contrajo una infección que acabó con su vida en dicha ciudad el catorce de Junio de ese año, a los cuarenta y siete años de edad. Está enterrado en el cementerio de San Oliver, en una localidad llamada Ballincollig, muy cerca de Cork, donde Rory creció.

Su legado continúa de la mano de su hermano Dónal (y de Daniel, sobrino de Rory e hijo de Dónal), que maneja todo lo relativo a la obra del genial guitarrista.


Sí que me gustaría comentar una serie de anécdotas y hechos relativos a Rory, y que explican en parte la absoluta adoración de sus fans y el porqué de lo atractivo de su personalidad. Y es que Rory (algo que también creo que comparte con los otros dos guitarristas fallecidos de esta lista) ha sido de las estrellas más atípicas que hayan pisado un escenario. No nos equivoquemos tampoco, porque Rory fue una absoluta estrella del rock (por mucho que su estatus no indicase muchas veces tal cosa) que ganó premios, prestigio y fama mundiales, obtuvo el reconocimiento de sus colegas y que además vendió más de treinta millones de discos (casi nada), y son muchos los reconocimientos, homenajes, placas y estatuas varias que se le han dedicado tras morir, pero él estaba lejos de considerase o comportarse como tal. Era una persona absolutamente humilde, cercana y afable, conocido por comprar discos como uno más y hacer cola para sacar la entrada de un concierto, a pesar de que su posición seguramente le permitiese más que de sobra saltarse ciertas incomodidades tan mundanas. Todo esto podía empezar a notarse con su manera de vestir.

Su influencia en otros guitarristas es gigantesca (fue un consumado guitarrista acústico también) y el mismísimo BRIAN MAY, cuenta como, siendo aún un guitarrista aspirante, consiguió acercarse a Rory para preguntarle de dónde sacaba su sonido. Uno puede hacerse a la idea de que en la inmensa mayoría de casos un encuentro de ese calibre con una estrella no podría ni darse, por motivos de seguridad, pero de pasar por alto lo anterior, la inmensa mayoría de artistas, etc, habrían pasado de la pregunta y de la persona. Pero lo que Rory hizo en cambio fue sentarse con May y su amigo y contarles lo que querían saber.

Rory colaboró con varios artistas en su día, y su prestigio incluso le llevó a ser una opción para sustituir a RITCHIE BLACKMORE en DEEP PURPLE, nada menos, y a MICK TAYLOR en THE ROLLING STONES. Rory siempre declinó posibles ofertas, contento con su propia carrera en solitario.

Más cosas. Rory siempre quiso girar por Irlanda e Irlanda Del Norte al menos una vez al año, durante los peores años del conflicto irlandés, a pesar del evidente peligro que esto suponía y de las advertencias al respecto. Esto le supuso el afecto de incontables fans, que veían esto como una oportunidad para olvidarse de tensiones durante una época miserable. Al respecto no me resisto a poner aquí lo que un periodista local escribió tras un concierto de Rory en Belfast, que tuvo lugar un día después de que hasta diez bombas hubiesen sido detonadas en varios puntos de la ciudad y todo el mundo esperase que Rory cancelara el show, cosa que no hizo:

Nunca he visto nada tan maravilloso, tan emocionante, tan edificante y tan alegre como cuando Rory y su banda salieron al escenario. El sitio entero entró en erupción, todos de pie gritando y animando, levantando los brazos y dándose abrazos. Después, como si de una sola unidad se tratase, alzaron los brazos e hicieron gestos de paz. Sin ser estúpido o exagerado, fue uno de los momentos más memorables de mi vida. Todo tuvo un significado, y supuso más que rock & roll. Fue algo más grande y válido que eso.

Todo esto tiene relación con la película IRISH TOUR '74, de TONY PALMER, para la cual el disco en directo ya mencionado de Rory hace las veces de banda sonora, y que me encantaría ver. Creo que dicha película vio la luz en el ámbito doméstico allá por 2011.

A pesar de su éxito y su aparente facilidad y confianza sobre el escenario, Rory fue un tipo muy perfeccionista y lleno de dudas acerca de sus capacidades. Esto fue a más a medida que avanzaba su carrera, lo que indica que nadie está a salvo de ciertas cosas, por muy bueno que sea en lo suyo.

Rory fue un gran fan de las historias de espías y sentía fascinación por aquellos personajes que conocemos como outsiders. Quizás la palabra marginal sea adecuada aquí. Esto inspiró un temazo tan acojonante como PHILBY, sobre el agente doble de los soviéticos del mismo nombre.

Hubo hace unos años una petición masiva, que por lo visto no fructificó, para renombrar el aeropuerto de Cork con el nombre de Rory. Algo que le pasa a todo el mundo de manera habitual, verdad?

Y muchas anécdotas e historias más, aunque pocas habrá más llamativas que la que protagonizó un tal Jimi Hendrix, ahí es nada, y que ilustra como ninguna la absoluta grandeza del músico irlandés. Se cuenta que, preguntado acerca de cómo se sentía siendo el mejor guitarrista del mundo, el genial músico americano (por lo visto otro ejemplo de humildad) contestó no tengo ni idea, pregunte a Rory Gallagher.


Hace un par de meses, durante un fin de semana en el que en Palma hubo varios conciertos (gracias BAY CITY KILLERS!), junto a una feria del disco, compré en la misma una recopilación suya que salió en 2020 y que tiene un repertorio absolutamente salvaje (a pesar de que no hay ninguna canción en directo, que es donde el asunto trascendía mucho más) que incluye cuatro temazos de Taste y una versión inédita de SATISFACTION, de The Rolling Stones, que grabó en 1973 junto a JERRY LEE LEWIS, y que no me puedo creer que me costase sólo ocho euros (unas treinta canciones!). Para mí ir a la playa con el disco en el coche y berreando esas canciones como un absoluto hooligan es la felicidad. 


Demasiada por tan poco, la verdad.






Shadow play






























Vamos con algunas menciones a guitarristas muy destacados e importantes y que se han tenido que quedar fuera:



- GUILLERMO IZQUIERDO y DAVID ÁLVAREZ, guitarristas ambos de esa apisonadora que son los ÁNGELUS APÁTRIDA.












- PAUL BAAYENS, guitarrista de Asphyx (entre otros), un grupo al que me he aficionado hace poco. Me llama la atención la absoluta destrucción que consigue desde una relativa simpleza.










- TONY IOMMI. No necesita presentación. Maestro.










- ANDRÉ OLBRICH y MARCUS SIEPEN: los guitarristas de BLIND GUARDIAN me han proporcionado mucha alegría en su día aunque el grupo sea ahora, en mi opinión, una sombra de lo que fue.












- BRUCE SPRINGSTEEN: el cantante, el consumado intérprete y la absoluta estrella mundial eclipsan a un guitarrista competente, conocedor de sus limitaciones y siempre al servicio de las canciones. Aunque sólo fuese por su racha de discos entre 1975 y 1987 merecería estar aquí.










- TOMMY VETTERLI, guitarrista de los inmensos CORONER. Un fuera de serie.









- MARK KNOPFLER. Por los recuerdos, por unas cuantas canciones absolutamente memorables y por su inmensa clase.










- LEE ALTUS, guitarrista líder de HEATHEN (y otros), cuya escasa y apreciada discografía los hace aún más especiales.










- KAI HANSEN y MICHAEL WEIKATH. Suenan HELLOWEEN de algo? Pues eso.












- JON SCHAFFER, cuyas perseverancia y privilegiada muñeca derecha han creado un buen puñado de discos acojonantes en ICED EARTH.










- DAVE MURRAY y ADRIAN SMITH: los guitarristas más clásicos de Iron Maiden. No hace falta decir más. Y supongo que tras tantos años es justo nombrar también a JANICK GERS.















- K.K. DOWNING, ya comentado con anterioridad, al igual que lo relativo a Judas Priest, y Richie Faulkner, que lo sustituyó en la mítica banda inglesa.









- ROSENDO MERCADO: otra de las escasas aportaciones patrias al artículo siempre será alguien digno de mención para mí, sobre todo por su trayectoria con los maravillosos LEÑO. Devoto absoluto de Rory Gallagher, para más señas, y un tipo simpático y cercano donde los haya, tiene también una extensísima carrera en solitario, que también está bien, aunque creo que ha sido en Leño donde su valía como guitarrista ha estado más en primer plano.










- DAVE MUSTAINE. No aprecio toda su carrera, pero cuando el carismático líder de MEGADETH se ha concentrado en lo suyo lo ha hecho mejor que bien.










- CHRIS BRODERICK. No me resisto a incluir a esta auténtica bestia, en su día mano derecha del mencionado Mustaine en Megadeth, y actualmente con su propio grupo, ACT OF DEFIANCE. Esto resumiendo bastante su extensa carrera. 











- MIKE OLDFIELD, guitarrista y compositor privilegiado. Especial para mí por muchas más cosas.











- EDDIE CLARKE (RIP 10-01-2018): el guitarrista de la formación más clásica de los impagables MOTÖRHEAD. Nada más que añadir.










- BOBBY GUSTAFSON y DAVE LINSK, los dos guitarristas más importantes de mis admirados OVERKILL, cada uno en etapas distintas de la banda.














- PATRICK MAMELI: alma de PESTILENCE, uno de los grupos que más escucho últimamente.










- DAVID GILMOUR. No soy, ni remotamente, un entendido sobre PINK FLOYD pero me gustan muchas cosas de ellos y el talento y buen gusto de este señor son indudables. Bonita voz también.










- MANNI SCHMIDT: el guitarrista de la etapa más clásica de RAGE dejó su sello en algunos discos acojonantes y su estilo me recuerda algo al de Zakk Wylde en sus primeros años con Ozzy.










- ROLF KASPAREK: el hombre detrás de los maravillosos RUNNING WILD. Con eso queda todo dicho.










- KERRY KING y JEFF HANNEMAN (RIP 02-05-2013). Con los cinco primeros discos de SLAYER ya les llegaba.












- AXEL KATZMANN, ANDY BOULGAROPOULOS y ANDY GUTJAHR. Los tres guitarristas que han grabado con TANKARD, uno de los grupos más acojonantes que hay.



Katzmann, segundo por la izquierda; Boulgaropoulos,
primero por la derecha










- ERIC PETERSON, colega de Alex Skolnick en los ya mencionados y geniales Testament.







- BILLY DUFFY: su trabajo en los primeros discos de THE CULT es acojonante. Y punto.










- LUKE MORLEY. El simpático guitarrista y compositor de THUNDER debe ser uno de los guitarristas de este artículo que, de largo, más tiempo llevo escuchando.










- BIEL GAYÁ: el guitarrista de TRALLERY vale por varios a la vez. Una bestia, un tipo muy simpático y humilde con el que he tenido la suerte de hablar alguna que otra vez, y que es, con mucho, el guitarrista al que más veces he visto en directo.










- DAVID DISANTO. VEKTOR juegan en otra liga y es en buena parte gracias a este personaje. Su colega ERIK NELSON ha estado también en todos los discos del grupo. Un dúo de altura.














- DENNIS D'AMOUR (PIGGY) (RIP 26-08-2005) y DANIEL MONGRAIN (CHEWY): El fallecido hacha de los míticos VOIVOD y su más que digno sucesor (que además forma parte de MARTYR) son, simplemente, de otro mundo.
















- Mejor tarde que nunca, decido hacer una mención tardía (muy tardía, teniendo en cuenta cuando escribí el artículo y cuando escribo estas pocas líneas) al ya mencionado (valga la redundancia) y tristemente desaparecido guitarrista americano DIMEBAG DARRELL (RIP 08-12-2004). Quizás sea el hecho de que, aunque su banda principal, Pantera, me gustó mucho en su día (sin disgustarme ahora, ni mucho menos) apenas la escucho ya, o quizás sea porque el disco que sacó en 2004 con su último proyecto, DAMAGEPLAN, es uno de los discos que más rápido han perdido mi interés de todos los que recuerdo haber comprado, pero el caso es que me había olvidado de él, de alguna manera, cuando siempre me ha parecido un guitarrista acojonante (con mucha relación, de una u otra manera, con varios de los guitarristas que por aquí se nombran) y un tipo muy majete. La nostalgia siempre es un factor y es justo que Darrell tenga su sitio aquí, más teniendo en cuenta la ridícula manera en la que nos tuvo que dejar. Sirvan estas palabras de homenaje a su brutal estilo sureño y de recuerdo a su inseparable y también fallecido hermano mayor y batería VINNIE PAUL, y por qué no, de pretexto para volver a escuchar la inmejorable versión que Pantera hicieron de PLANET CARAVAN en 1994, y que el mismísimo GEEZER BUTLER, bajista de Black Sabbath, definió en su día como la mejor versión que alguien hubiese hecho del mítico grupo inglés.












- No quería dejar de hacer una mención, aunque sea mínima, a alguien como el añorado EDDIE VAN HALEN (RIP 06-10-2020). Como dije al principio, éste es un artículo acerca de mis gustos personales y algunas omisiones son verdaderamente escandalosas, lo admito. Al fin y al cabo, cómo en una lista de guitarristas podrían aparecer Rosendo o Springsteen (guitar hero frustrado, según sus propias palabras), dicho sea esto con el máximo respeto, pero no el mismísimo Edward? Ya lo dije, porque es mi lista. Y la música de dichos artistas la escucho y me llena más que la del genio holandés, qué le vamos a hacer. Van Halen nunca han sido un grupo que me haya llamado mucho la atención y al que haya escuchado habitualmente, a pesar del propio Eddie y de que su primer disco me encanta. Pero en este caso quiero hacer esta excepción porque el personaje en cuestión es de tal magnitud que me da hasta un poco de vergüenza dejarlo fuera. Vaya esto también por los Hendrix, Clapton, etc, guitarristas que no están aquí pero sin los que no se podría entender nada de esto.










- Y para terminar, alguien más que especial: JASON BECKER. Mi admiración por este señor no viene dada tanto por sus habilidades como guitarrista (que también, porque son innegables, él es un genio y de hecho está considerado uno de los mejores guitarristas de la historia), ya que no conozco en exceso su obra (más tarea pendiente), sino por su absoluto ejemplo como persona a todos los niveles. No quería dejar de nombrarlo, aunque sólo fuese por eso (aunque no solamente). Cualquiera que no conozca todo por lo que ha pasado esta persona tiene aquí un poco de lectura. Tampoco quiero dejar de mencionar esa foto suya tan famosa, cuando era un chaval, besando su guitarra, y que puede ser la foto más bonita relacionada con la guitarra que yo recuerde. Ni su canción IMAGES, junto a MARTY FRIEDMAN (otra bestia) en GO OFF! (1988), el segundo disco de CACOPHONY, que es una de las canciones más absolutamente acojonantes de la historia. Queden aquí ambas como homenaje al instrumento y a los que saben y pueden hacerle hablar.















Hasta pronto!







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